Aquarell Lasurtechnik – Leuchtende Farben statt trüber Brühe!

Aquarell kann etwas, das andere Maltechniken nur schwer hinbekommen: Es bringt die Schönheit unserer Umgebung zum Leuchten! Licht, Farben, Atmosphäre – das fasziniert mich im Laufe der Jahre immer mehr. Dabei habe ich früher hauptsächlich mit Acryl und Öl gemalt.

Eine gute Lasur kann wahre Wunder bewirken, Aquarelle beginnen zu strahlen und entwickeln eine unglaubliche Lebendigkeit.

Das Beste daran? Die Aquarell Lasurtechnik ist gar nicht schwer!

Was? Nicht schwer?

Dabei beißen sich doch unzählige Aquarellmaler daran die Zähne aus!

Lasuren werden matschig, hässlich, streifig oder verlieren ihre Leuchtkraft.

Doch das eigentliche Problem ist oft unsere Vorstellung davon, wie man heute Malen lernt.

Am liebsten sofort, ohne Anleitung, ohne handwerkliche Grundlagen und möglichst ohne Übung.

Ein kurzes Video anschauen, dreimal mit dem Pinsel wedeln und fertig ist das Meisterwerk!

Dummerweise funktioniert das beim Aquarell nicht.

Dabei reicht oft schon eine halbe Stunde vernünftige Anleitung, um die entscheidenden Grundlagen zu verstehen. Danach wird geübt, und plötzlich klappt etwas, woran man vorher monatelang verzweifelt ist.

Denn Lasieren ist keine Zauberei. Es ist Handwerk! Und Handwerk kann man lernen.

Wofür braucht man die Aquarell Lasurtechnik?

Ich benutze Lasuren vor allem, um große Flächen farbig zu gestalten. Damit lassen sich wunderschöne Himmel malen, Wasserflächen gestalten und ganze Landschaften in Licht und Farbe tauchen.

Doch für mich hat die Lasur eine noch wichtigere Aufgabe:

Sie ist der große Stimmungsmacher im Aquarell!

Mit einer großflächigen Lasur kann ich dem weißen Papier eine ganz bestimmte Farbstimmung geben. Mal warm, sonnig und voller Licht, mal kühl und herbstlich.

Die Aquarell Lasurtechnik ist zwar ein Handwerk, aber gleichzeitig auch ein wunderbares Mittel, um unsere persönlichen Emotionen ins Bild zu bringen.

Und jetzt kommt das Spannende:

Diese Farbstimmung bleibt nicht einfach auf dem Papier. Sie überträgt sich auf den Betrachter!

Noch bevor er erkennt, was ich überhaupt gemalt habe, hat die Farbe längst angefangen, mit seinen Gefühlen zu spielen.

Die Lasur bestimmt also nicht nur die Farbwirkung, sondern bringt auch die Atmosphäre ins Aquarell.

Die Lasur macht die Stimmung. Und die Stimmung macht das Bild!

Lernen statt Erfinden – Aquarell Lasurtechnik

Niemand würde behaupten, dass das Binden einer Schuhschleife eine unlösbare Aufgabe ist.

Kinderleicht! Doch mal ehrlich:

Müssten wir dieses geniale System selbst erfinden, würden wir vermutlich jahrelang an unseren Schnürsenkeln verzweifeln.

Mit der Aquarell Lasurtechnik ist es genauso. Sie beruht auf ein paar handwerklichen Grundlagen, auf die man nicht unbedingt von allein kommt. Aber sobald man sie erklärt bekommt, sind sie verblüffend logisch und leicht zu merken.

Man muss schließlich nicht jedes Mal das Rad neu erfinden. Und die Schuhschleife auch nicht!

Der richtige Pinsel – Schluss mit den Streifen!

Für die Aquarell Lasurtechnik braucht man vor allem eines: einen vernünftigen Lasurpinsel!

Er sieht einem Rundpinsel ziemlich ähnlich, ist aber meist etwas dicker. Typisch sind die französische Drahtbindung und das dunkle, weiche Naturhaar.

Hier ist es der rechte Pinsel – Übrigens gedrucktes Synthetikhaar.

Hier liegt der Lasurpinsel (Naturhaar) in der Mitte, die beiden Rundpinsel links daneben.

Viele meiner Schüler versuchen, mit einem gewöhnlichen Rundpinsel zu lasieren, und wundern sich anschließend über hässliche Streifen.

Ein guter Lasurpinsel ist dagegen ein regelrechtes Wasserreservoir!

Er nimmt enorme Mengen Wasser und Farbe auf und gibt sie großzügig wieder ab. Für feine Details ist er deshalb denkbar ungeeignet.

Sein zweiter großer Vorteil:

Er hat keine feste, spitze Spitze!

Die weichen Haare gleiten sanft über das Papier, ohne in der frischen Lasur herumzukratzen.

Bestimmt hast du zu Hause längst einen Lasurpinsel. Aber woran erkennst du ihn eigentlich?

Der Test ist denkbar einfach: Tauch den Pinsel ins Wasserglas, heb ihn heraus und drücke ihn mit dem Finger zusammen. Ein gewöhnlicher Rundpinsel gibt nur wenige Tropfen Wasser ab.

Ein richtiger Lasurpinsel dagegen pinkelt regelrecht aufs Blatt!

Die einfarbige Lasur – jetzt wird’s schräg!

Die einfarbige Lasur ist die einfachste Grundtechnik. An ihr üben wir das Handwerk, bevor wir uns an die zweifarbige Lasur wagen.

Der erste Trick: Stell dein Aquarellpapier schräg! Etwa 30 Grad sind wunderbar.

Nun mischst du eine richtig große Menge Farbe an.

Und zwar flüssig, wirklich flüssig!

Wenn du mit dem Pinsel durch die Mischung rührst, dürfen keine Streifen oder Schlieren entstehen.

Denn das Geheimnis einer gleichmäßigen Lasur ist, dass die Farbe fließen kann.

Und genau deshalb steht unser Papier schräg! Die Schwerkraft gibt der flüssigen Farbe eine Richtung: von oben nach unten.

Liegt das Papier dagegen flach, macht die Farbe, was sie will. Sie läuft kreuz und quer, sammelt sich in Pfützen und hinterlässt unschöne Flecken.

Kurz gesagt: Wer eine ordentliche Lasur möchte, muss sein Papier erst einmal in Schieflage bringen!

Die Aquarell Lasurtechnik – jetzt bloß nicht trödeln!

Bei einer Lasur ist Vorbereitung alles!

Wer mittendrin pausiert, riskiert hässliche Trocknungsstreifen.

Deshalb steht reichlich flüssig angerührte Farbe bereit, der Lasurpinsel liegt griffbereit und das Papier steht schräg.

Zuerst wird der Lasurpinsel abgetrocknet. Warum?

Damit er anschließend ausschließlich unsere vorbereitete Farbmischung aufsaugt. Schließlich soll die Lasur überall die gleiche Farbkonzentration haben.

Ab jetzt ist der Wassertopf tabu!

Nun wird der Pinsel ordentlich mit Farbe vollgesogen und der erste breite Streifen aufs Papier gesetzt.

Durch die Schräglage läuft die Farbe nach unten und bildet eine kleine Tropfkante.

Und genau diese Tropfkante ist unser bester Freund!

Jetzt heißt es: Pinsel erneut tropfnass mit Farbe aufladen und den nächsten Strich direkt in diese Tropfkante setzen. So verbinden sich die frische Farbe und die noch nasse Kante miteinander.

Kein sichtbarer Ansatz, keine hässlichen Streifen!

Das wiederholst du wie eine kleine Malmaschine:

Farbe aufnehmen, in die Tropfkante setzen, weiterziehen. Immer schön gleichmäßig und ohne Pause!

Der Trick: Pinsel und Tropfkante müssen ähnlich nass sein. So fließt die Farbe nahtlos ineinander.

Und plötzlich ist die Lasur wunderbar weich und gleichmäßig. Ganz ohne Mühe – nur mit dem richtigen Handwerk!

Übung macht den Meister!

Auch die Aquarell Lasurtechnik muss man ein paar Mal üben.

Und dabei darf man ruhig Fehler machen!

Wenn ein Kind lernt, seine Schuhe zu binden, macht schließlich niemand ein Theater, wenn die Schleife nicht auf Anhieb sitzt.

Warum sollten wir beim Malen so streng mit uns sein?

Und noch ein kleiner Tipp: Eine schöne Lasur wirkt wunderbar sanft und zart. Genauso solltest du mit deinem Pinsel umgehen. Zieh ihn behutsam über das Papier. Er ist schließlich tropfnass und gibt die Farbe ganz von allein ab.

Da braucht es keinen Druck! Der Pinsel soll gleiten und nicht auf dem Papier herumschrubben.

Zum Schluss noch etwas Persönliches

Ihr Lieben, ich freue mich sehr, dass ihr heute wieder in meinem Blog vorbeigeschaut habt!

Und darf ich noch etwas in eigener Sache sagen? Ich würde mich wirklich freuen, euch einmal in einem meiner Kurse zu sehen. Denn Handwerk lernt man am besten, wenn man jemandem auf die Pfoten schauen kann.

Basel ein Blick vom Münster

Oft reicht ein kleiner Tipp, und plötzlich klappt etwas, woran man vorher ewig herumprobiert hat.

Wissen macht das Malen leichter und erspart uns eine Menge Frust. Und genau darum geht es doch:

Wo findet man mich? Bei boesner Schweiz, in Kunstvereinen, bei Urban Sketchers oder in privaten Ateliers. Und wer Lust hat, mit mir zu malen, kann mich auch gerne für einen eigenen Workshop einladen!

Malen soll Spaß machen!

Ich wünsche euch viel Freude beim Ausprobieren und hoffentlich bis bald!

Spendierst du mir eine Tasse Kaffee?

Ihr Lieben, in diesem kostenlosen Blog stecken viel Arbeit, Herzblut und das alte Aquarellwissen der Meister. Tausende lesen mit, doch nur wenige spenden.

Wenn du heute etwas gelernt oder Freude beim Lesen hattest, würde mir eine spendierte Tasse Kaffee sehr helfen, diesen Blog weiterzuführen.

Ganz lieben Dank!

Eure Tine

CHF——

Euro

Vielleicht sehen wir uns ja im Kurs!

Bei Boesner Ch wurden neue Kurse aufgeschaltet!

Licht malen – warum wir oft danebenliegen

Oft ist der Mensch gar nicht fähig, das Licht wirklich zu sehen.

Alle Farben bekommen von uns schon vorneweg einen Stempel. Braun ist halt dunkel!

Wir sind ein bisschen betriebsblind, was Farben betrifft.

Ist das wirklich so? Ist Braun immer dunkel? Manchmal beginnen auch dunkle Farben zu strahlen wie poliertes Glas!

Aufgefallen ist mir dies, als ich meine Freundin Priska zu Hause besuchte. Rundherum stehen hohe Berge. Auf der Rückfahrt begann das Alpenglühen, oder wie auch immer man das nennt. Ein merkwürdiger Effekt, bei dem die Berge anfangen zu leuchten, während rundherum alles schon dunkel ist.

Beim Malen merkt man: Für den Kopf ist es ganz schwer, ungewohnte Lichtsituationen zu zeigen. Man hat einfach Probleme, eine Farbe hell zu malen, die man für dunkel hält.

Und hier kommen wir zu einer Frage, die einfach jedes Bild besser macht:

Welche Bereiche liegen wirklich im Licht – und welche nur in unserer Vorstellung dunkel?

Die Lichtsituation ist der Schlüssel zum Licht!

Das ist reine Theorie – klingt trocken – ist aber der Schlüssel, um das Licht zu malen.

Es gibt einen Trick, den der Maler William B. Lawrence populär gemacht hat.

Dinge, die im Licht liegen, bleiben weiß!

Das macht tolle Effekte!

Die sieht man auch wunderbar im heutigen Licht. Zwar steht die Sonne tief, aber der Fluss reflektiert das Licht. Der Fluss liegt im Licht, also bleibt er weiß. Das Gleiche gilt für die Roche-Gebäude. Die eine Seite des Gebäudes reflektiert das Licht, also bleibt sie weiß. Weiß hat etwas Magisches, denn es ist die hellste Stelle im Bild und zieht deshalb immer das Auge an. Gerade die Kombination mit Dunkelheiten macht solche Lichtsituationen so malerisch.

Umgekehrt funktioniert es aber auch!

Oft setze ich im Aquarellbild sehr früh starke Dunkelheiten. Du wirst überrascht sein, wie hell dadurch die schon gemalten Farben werden!

Denn wenn wir im Bild nur die Dinge malen, die im Schatten liegen, passiert etwas Magisches:

Plötzlich wirkt alles hell und lichtdurchflutet, ohne dass wir „Licht“ anmalen mussten.

Merke: „Male den Schatten – das Licht kommt von allein.“

Lichtsituationen durchspielen

Malerei lebt davon, dass wir uns das Licht als Regisseur vorstellen: Wo fällt es hin, wie stark ist es, wie warm oder kühl? Wenn du dir vor dem ersten Pinselstrich kurz die Lichtquelle und ihre Wirkung klarmachst, malst du nicht einfach „irgendwie“ – du erzählst eine Geschichte.

Und das heißt, du arbeitest die Situation gut heraus. Und hier sind wir bei den Lichtsituationen.

Sich mit Lichtsituationen zu beschäftigen, hilft dir sehr, das Licht auch wirklich zu sehen. Andererseits ist es auch sehr hilfreich, wenn man das Licht schon oft beobachtet hat. Dann kann man es malen, selbst wenn es sich verändert hat oder gar nicht mehr zu sehen ist.

Lichtsituation 1: High Noon – das Licht kommt von oben

Mittagssonne ist gnadenlos. Keine weichen Schatten, keine Schmeichelei – alles, was oben liegt, wird ausgewaschen und blendend hell.

Die Dächer? Die malst du gar nicht.

Das ist der Trick von William B. Lawrence. Sie liegen voll im Licht, und manchmal ist es am besten, sie einfach als helle Fläche stehen zu lassen. So wirken sie, als wären sie in gleißendes Sonnenlicht getaucht.

Kleine Schatten liegen wie ein schmaler Saum direkt unter Balkonen, Fensterbrettern oder Vorsprüngen – fast so, als hätte jemand mit einem dunklen Fineliner eine dünne Linie gezogen.

Tipp: Konzentriere dich auf diese Mini-Schatten. Sie geben Halt, ohne das Licht zu zerstören.

Trau dich, dunkle und scharf begrenzte Schatten zu malen.

Merke: „High Noon ist Licht pur – lass es frei atmen.“

Lichtsituation 2: Seitenlicht – der Lieblingsfreund der Maler

Ich Male eigentlich fast immer Seitenlicht!

Wenn das Licht von der Seite kommt, ist alles einfacher. Plötzlich hast du einen klaren Rhythmus aus Licht und Schatten – wie in einer Tanzchoreografie. Eine Häuserwand strahlt, die nächste liegt im Halbschatten, dann folgt wieder ein Lichtstreifen. Das Auge liebt dieses Hin und Her.

Seitenlicht betont die Form. Die Perspektive springt dir quasi von allein ins Bild, weil die Kanten im Licht klar hervortreten und die im Schatten Tiefe bekommen.

Tipp: Übertreib den Unterschied ruhig ein bisschen.

Mach die Lichter heller, als sie in Wirklichkeit sind, und die Schatten ein kleines bisschen kühler oder dunkler.

Mini-Skizzen-Idee: Male nur den Schatten, so entstehen wie von Zauberhand Flächen, die du gar nicht gemalt hast. Siehe Kirchturm.

Lichtsituation 3: Gegenlicht – die Diva unter den Lichtsituationen

Gegenlicht ist wunderschön, aber launisch. Alles im Motiv wird dunkel, weil du direkt in die Lichtquelle schaust. Die Details verschwinden, die Farben verlieren ihre Kraft. Trotzdem kann das Bild leuchten – nur eben anders.

Tipp: Fokussiere dich auf die Silhouetten. Die Formen müssen richtig gut sein. Übertreibe Ecken und Kanten.

Lass Flächen bewusst dunkel, aber setze an den Kanten feine, helle Ränder, wo das Licht durchscheint. Beim Aquarell hilft es, winzige Partien Weißpapier stehen zu lassen. Belebe den Himmel. Wenn das Motiv im Schatten liegt, hat der Himmel eine besondere Bedeutung. Jetzt kannst du im Himmel mit Farbe richtig Gas geben.

Tipp: Konzentriere dich auf leuchtende Lasuren für den Himmel. Setze das dunkle Motiv darauf und achte besonders darauf, eine interessante Silhouette zu kreieren.

Merke: „Im Gegenlicht erzählt der Himmel die Geschichte.“

Lichtsituationen malen – Licht an, Kopf an, Pinsel raus!

Egal, welche Lichtsituation du malst – der Trick ist immer derselbe: Schau bewusst hin, bevor du loslegst, und überleg dir, wie das Licht dein Motiv formt. Malen heißt nicht, die Dinge so zu zeigen, wie wir glauben, dass sie sind – sondern, wie das Licht sie im Moment verwandelt.

Viel Spaß beim Beobachten, Experimentieren und Malen – und vor allem beim Entdecken, wie hell ein Braun oder Grün plötzlich sein kann, wenn es nur im richtigen Licht steht.

Wenn du einmal in das heutige Bild schaust, wirst du sehen, dass es hier mehrere Lichtsituationen gleichzeitig gibt.

Im Hintergrund gibt es die für Basel so typische Gegenlichtsituation. Auch im Vordergrund findest du sie. An der Seite jedoch habe ich im Seitenlicht gemalt, weil ich dort nicht direkt ins Licht geschaut habe.

Liebe Grüße
Tine

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Euro

Lockere Pinselstriche? Köpfchen statt Kampf!

Jeder von uns möchte locker skizzieren oder aquarellieren. Doch der lockere Pinselstrich hat einen kleinen Haken:

Wenn man einem Menschen sagt, er solle sich bitte locker machen, ist er augenblicklich verspannt.

Und beim Malen ist das nicht anders!

Lockerheit lässt sich nicht erzwingen. Sie entsteht durch Übung, Sicherheit und einen selbstverständlichen Umgang mit dem Pinsel.Doch bei manchen Menschen stellt sich diese Lockerheit trotz fleißiger Übung einfach nicht ein.

Denn wer immer wieder dieselben verkrampften Bewegungen wiederholt, wird darin zwar geübter – aber nicht unbedingt lockerer!

Lockere Pinselstriche? Flotte Skizzen

Hinter lockeren Pinselstrichen steckt mehr, als man denkt: Motorik, Wahrnehmung, Bewegungsfreiheit und eine gehörige Portion Psychologie.

Viele Menschen glauben, locker malen bedeute, die Kontrolle aufzugeben.

Und genau das macht ihnen Angst. Aus Sorge, unkontrollierte Striche aufs Papier zu bringen, verkrampfen sie.

Dabei entstehen lebendige Pinselstriche nicht durch absolute Kontrolle, sondern durch eine gut geschulte Motorik.

Mein Tipp: Lieber viele kleine, flotte Skizzen malen, als sich an einem perfekten Kunstwerk abzuarbeiten!

Eine flotte Skizze:

Flotte Aquarellskizze ohne Vorzeichnen – entstanden in Basel, gleich hinter dem Aldi.

Diese kleine, verlassene Straße liegt irgendwo im Niemandsland zwischen Schweiz und Frankreich.

Während ich dort gemütlich malte, tauchte plötzlich die Zollpolizei auf.

„Was machen Sie denn hier?“, fragte mich ein Zollpolizist.

„Malen“, antwortete ich.

Er schaute sich um und meinte völlig verdutzt:

„Du liebe Güte, was will man denn hier malen?“

Doch flotte Skizzen allein reichen nicht. Denn wer immer wieder dieselben Fehler macht, übt sie sich nur noch gründlicher ein.

Spiegelneuronen nutzen – bei den Profis abgucken!

Unser Gehirn lernt nicht nur durch eigenes Tun, sondern auch durch Beobachten.

Dabei werden unter anderem Nervenzellen und Netzwerke aktiv, die sowohl auf eigene als auch auf beobachtete Bewegungen reagieren.

Hier spielen sogenannte Spiegelneuronen eine Rolle.

Es kann deshalb helfen, sich auf YouTube einen geschätzten Maler bei der Arbeit anzusehen. Aber bitte nicht nur auf das entstehende Bild schauen!

Beobachte ganz bewusst seine Pinselführung:

• Wie spielerisch bewegt er den Pinsel?
• Wie verändert er den Druck?
• Malt er mit der Spitze oder mit der Seite?
• Führt er den Pinsel in einer einzigen schwungvollen Bewegung, fast wie beim One-Line-Drawing?

Wichtig ist, die beobachteten Bewegungen anschließend selbst auszuprobieren.

Denn Zuschauen ist schön und gut, aber davon allein wird die eigene Pinselführung noch nicht besser!

Raus aus der Betriebsblindheit!

Die Pinselarbeit, also der Pinselduktus, wird nicht von allein locker und flüssig. Dazu gehört Übung. Doch genauso wichtig ist es, aus der eigenen Betriebsblindheit herauszukommen.

Ich merke es selbst: Sobald ich nicht mehr bewusst auf meine Pinselführung achte, falle ich in alte Bewegungsmuster zurück.

Und die sitzen verdammt tief!

Hier kann ein Pinselwechsel helfen.

Manche Pinsel reagieren extrem empfindlich auf jede Bewegung deiner Hand. Ihre Spitzen sind regelrecht nervös! Plötzlich musst du wieder bewusst darauf achten, was deine Hand eigentlich macht.

Mehr Druck? Der Strich wird dicker. Weniger Druck? Er wird feiner.

Genau solche Erfahrungen helfen deinem Gehirn, die Bewegungen besser abzustimmen und deine Pinselführung zu verfeinern.

Eine nervöse Pinselspitze ist wie eine Diva: hochsensibel, eigenwillig und immer für eine Überraschung gut!

Und damit beginnt ein zweiter wichtiger Lernprozess. Normalerweise bewerten wir alles, was nicht unseren Vorstellungen entspricht, sofort als Fehler.

Doch ein solcher Pinsel hat seinen eigenen Kopf. Seine Striche werden oft lebendiger und interessanter, aber längst nicht immer so, wie wir sie geplant haben.

Die eigentliche Übung besteht darin, kleine Abweichungen nicht als Fehler, sondern als Bereicherung zu betrachten.

Ein Pinsel, der macht, was er will!

Ich habe einen Pinsel, der beim Malen ziemlich genau das Gleiche bewirkt wie eine Kalligrafiefeder beim Zeichnen.

Ehrlich gesagt weiß ich nicht einmal genau, wie er heißt!

Er sieht aus wie eine längere, spitzere Variante eines Schwertpinsels. Im Grunde ist es ein Flachpinsel, der in einer unglaublich feinen Spitze endet.

Dieser Pinsel reagiert geradezu gierig auf deine Bewegungen.

Mal zieht er hauchfeine Linien, mal dickere Striche und dann wieder richtig breite Pinselspuren. Drehst du ihn nur ein wenig, verändert sich sein Strich vollkommen.

So wirst du dir plötzlich deiner eigenen Pinselführung bewusst. Ein wunderbares Trainingsgerät!

Alle Pinsel, die dir ein Stück weit die Kontrolle nehmen, sind großartige Werkzeuge, um deine Hand-Auge-Koordination zu trainieren.

Denn plötzlich musst du Bewegungen bewusst steuern, die sonst ganz automatisch ablaufen.

Siehst du die beiden Pinsel ganz rechts? Diese Pinselform nennt man Schlägleiner. Ich benutze sie besonders gerne, wenn ich kleine Details male. Warum? Weil ich mit ihnen gar nicht genau kontrollieren kann, was ich tue! Und genau das ist der Trick. Die kleinen Details werden dadurch wunderbar locker. Gerade Fenster, die sonst schnell steif und akkurat aussehen, bekommen so eine herrlich lebendige, unregelmäßige Form. Ein bisschen Kontrollverlust tut unseren Aquarellen eben manchmal richtig gut!

In dieser kleinen Aquarellskizze, die übrigens ganz frei und ohne jede Vorzeichnung entstanden ist, siehst du, wie sich beim Zeichnen mit dem Pinsel eine ganz eigene Handschrift entwickelt. Ja, ich sage hier ganz bewusst „zeichnen“ und nicht „malen“! Denn vieles, was wir als persönliche Handschrift eines Malers wahrnehmen, hat in Wirklichkeit zeichnerische Elemente.

Mit dem kleinen Schwertpinsel erledige ich unglaublich viel zeichnerische Arbeit. Gerade weil ich ihn nicht hundertprozentig kontrollieren kann, entsteht ein wunderbar lockerer, lebendiger Pinselduktus. Die Linien werden unregelmäßiger, spontaner und bekommen dadurch ihren ganz eigenen Charakter.

Für den eigenen Pinselduktus, also die persönliche Handschrift mit dem Pinsel, ist spielerisches Experimentieren enorm wichtig. Und genau dazu lädt dieses kleine Wunderding ein!

Leider sind solche Pinsel schwer zu finden. Meinen habe ich vor drei Jahren auf einem Malfestival bei einem No-Name-Anbieter gekauft. Und jetzt habe ich den Salat! Ich würde gerne mehrere nachbestellen, weiß aber nicht einmal mehr, woher er stammt.

Mehr Mut zu kleinen Entgleisungen!

Zum Schluss möchte ich euch noch einen Blogartikel über das Schraffieren empfehlen. Diesmal aber nicht, um eine neue Technik zu lernen, sondern um den Mut zu kleinen Entgleisungen zu entdecken!

Von Zeichnern können wir lernen, dass nicht jeder Strich ordentlich und korrekt sein muss.

Denn Ausdrucksstärke entsteht nicht durch absolute Kontrolle. Manchmal wird ein Bild gerade dann lebendig, wenn wir den Pinsel von der Leine lassen und zeigen, was in uns steckt.

Auch den kleinen Sturm, der manchmal in uns tobt!

Viele liebe Grüße und ganz viel Spaß beim Ausprobieren und Nachmachen!

Eure Tine

Hey, macht dir mein Blog Spaß? Wunderbar! Aber auch gute Ideen brauchen ein Budget. Leider bin ich kein Opernhaus mit Millionenförderung, sondern eine Künstlerin mit Pinseln, Papier und einer ziemlich großen Portion Begeisterung. Wenn du möchtest, dass es hier weiterhin kostenloses Gehirnfutter gibt, dann unterstütze meinen Blog mit einer kleinen Spende. Kultur lebt schließlich nicht von Luft und Liebe allein!

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Schraffur! Alles andere als Langweilig!

Klein kann flott. Groß kann Wumms.

Fast jeder von uns hat irgendwann Lust, so richtig groß zu malen. Kein Wunder:

Große Aquarelle wirken einfach enorm viel stärker als kleines Gekritzel.

Sie wirken schon aus der Entfernung, ziehen den Blick auf sich und sind wunderbar an der Wand.

Aber der Umstieg auf ein großes Format ist so eine Sache. Ich zum Beispiel habe mich an das kleine Gekritzel ziemlich gewöhnt. Ich bin Aquarelllehrerin und zeige oft Techniken. Dafür brauche ich kein riesiges Format. Im Gegenteil: Je einfacher und manchmal auch je kleiner die Übung ist, desto besser.

Ich male aber nicht nur klein, weil das beruflich praktischer ist. Ich liebe diese schnellen, leichten und problemlosen Skizzen.

Doch wenn ich selbst auf ein großes Format umsteige, passiert etwas Merkwürdiges:

Plötzlich ist meine Sicherheit weg.

Denn groß zu malen bedeutet nicht, einfach alles ein bisschen größer zu machen. Mit dem Format verändert sich auch die Art, wie wir malen.

Schaffe ich es, dass meine XXL Aquarelle genauso locker aussehen wie meine kleinen?

Große Aquarelle malen – was sich verändert

Auf unserem Lieblingsformat haben wir uns eine bestimmte Motorik angewöhnt. Hand und Auge sind ein eingespieltes Team. Wir wissen fast automatisch, wie groß eine Form werden muss, damit unser Motiv aufs Blatt passt.

Ist das Blatt plötzlich doppelt oder dreimal so groß, ist diese wunderbare Automatik weg.

Das kleine Bild unten ist eine Seite aus meinem Reiseskizzenbuch – flott und locker gemalt. Das große Bild bedeutet dagegen nicht einfach nur doppelt so viel Arbeit.

Und wenn etwas nicht klappt, was ich sonst mit Leichtigkeit meistere, ist bei mir das Meckern nicht weit. Dann wird geschimpft! Doch Unsicherheit macht vorsichtig – und vorsichtiges Herumstochern ist das Letzte, was ein großes Aquarell gebrauchen kann.

Große Formate malen braucht Übung – unser Gehirn lässt sich schließlich nicht einfach auf XXL umschalten.

Große Formate malen – Arbeitsabläufe und Techniken

Wenn ich groß male, arbeite ich fast viermal größer als sonst. Entsprechend riesig werden meine Farbflächen. Während ich unten noch male, kann die Farbe oben schon trocken sein.

Deshalb muss ich meinen Arbeitsablauf verändern.

Ich teile das Blatt in Bereiche, die ich nacheinander bearbeite.

„Große Dinge entstehen durch eine Reihe kleiner Dinge, die zusammenkommen.“
– Vincent van Gogh

Ich unterteile mein Blatt in Flächen, die ungefähr der Größe entsprechen, die ich sonst auch bearbeite.

Damit das fertige Aquarell nicht wie ein Flickenteppich aussieht, brauche ich etwas, das diese Bereiche verbindet:

dieselben Farbmischungen.

Deshalb mische ich von Anfang an größere Mengen Farbe an.

Muss ich während des Malens ständig nachmischen, trocknet mir währenddessen die Fläche weg.

Große Farbmengen auf der Palette nehmen mir diesen Stress und sorgen gleichzeitig dafür, dass sich dieselben Farben durch das gesamte Bild ziehen.

Ein Beispiel aus meinem Aquarell

Schau mal hier auf das Foto meines Bildes. Ich habe zuerst den linken Uferbereich gemalt und danach den rechten. Die Farben auf beiden Seiten sind identisch, weil ich sie vorher in größeren Mengen auf der Palette angerührt habe und während des Malens jederzeit darauf zugreifen kann.

Das macht mich ruhig. Während ich male, kann ich mich ganz aufs Malen konzentrieren.

Ich muss nicht zwischendurch hektisch neue Farben mischen, während mir auf dem Papier schon die Flächen trocknen.

Es ist übrigens enorm wichtig, dass die Aquarellfarbe feucht bleibt. Denn sonst verliert das Aquarell eine seiner schönsten Eigenschaften: dieses Strahlende, Flüssige und Leichte.

Ist die Farbe erst einmal trocken, bildet jeder neue Farbauftrag eine harte Kante. Das Weiche, Lockere und wunderbar Fließende entsteht dagegen, wenn ich in leicht feuchter Farbe weitermale. Genau deshalb spielt das richtige Timing beim großen Format eine so entscheidende Rolle.

Große Aquarelle malen – die Sprühflasche

Große Flächen bleiben leider nicht freiwillig feucht. Sie trocknen schneller, als man gucken kann.

Deshalb wird die Sprühflasche wichtig. Das Wasser sprühe ich nicht direkt auf das Aquarell, sondern fein in die Luft darüber. Dabei bleibt die Flasche in Bewegung. So legt sich ein feiner Wassernebel auf das Papier.

Sprüht man zu nah oder mit einer schlechten Sprühflasche, können größere Tropfen Einschlagspuren in der Farbe hinterlassen.

Mein Tipp: Schaut euch im Kosmetikbereich um. Leider sind diese Sprühflaschen oft viel besser als alles, was man im Kunsthandel kaufen kann. Föhnlotion!

Große Aquarelle malen – die Verführung des Details

XXL verführt dazu, plötzlich viel mehr Details zu malen. Und genau dadurch sehen großformatige Aquarelle oft schlechter aus als unsere flotten, lockeren Skizzen.

Ein einfacher Trick hilft enorm: große Pinsel!

Beim großen Format muss der Pinsel mitwachsen. Ist er zu klein, zerfallen die schönen großen Farbflächen schnell in viele kleine, schmierige Striche.

Kauf dir zunächst die Pinsel, die du wirklich liebst, mehrere Nummern größer. Du kennst sie bereits und weißt, wie sie reagieren. Das gibt Sicherheit.

Trotzdem kann es sinnvoll sein, auf andere Pinselformen umzusteigen.

Kleine Aquarellskizzen lassen sich wunderbar mit Rundpinseln malen. Sie sind kontrollierbar und geben nicht zu viel Wasser ab.

Auf großen Formaten brauchen wir jedoch Pinsel, die viel Wasser und Farbe speichern und große Flächen schnell versorgen können.

XXL-Format und der Lasurpinsel

Dafür sind große Lasurpinsel ideal.

Sie sehen Rundpinseln ähnlich, sind aber nicht wesentlich größer und können trotzdessen viel mehr Wasser und Farbe aufnehmen.  Links Rundpinsel rechts Lasurpinsel. Oft erkennt man sie an weichem Naturhaar oder Naturhaar-Mix und an der französischen Drahtbindung.

Diese Pinsel entwickeln oft keine ausgeprägte Spitze. Deshalb wurden sie von so manchem Maler wahrscheinlich längst aussortiert:

Der taugt nichts!

Dabei haben wir ihm nur den falschen Job gegeben. Lasurpinsel sind nicht für Details gemacht. Ihre Stärke ist die Fläche. Sie sollen große Mengen Wasser und Farbe aufnehmen und schnell, satt und großzügig wieder abgeben.

Große Aquarelle malen – warum Naturhaar plötzlich wichtig wird

Ich bin kein großer Freund von Naturhaarpinseln. Auf kleinen Formaten ist es überhaupt nicht notwendig, viel Geld dafür auszugeben. Dass ein Pinsel dort nicht Unmengen Wasser abgibt, ist sogar hilfreich, denn so lassen sich Wasserflecken leichter vermeiden.

Beim großen Format sieht das anders aus. Jetzt brauchen wir Pinsel, die viel Wasser und Farbe speichern und schnell wieder abgeben können, bevor die Fläche trocknet.

Ein großer Flachpinsel mit Naturhaar kann deshalb extrem hilfreich sein. Mit ihm lassen sich große Flächen schnell und möglichst ansatzfrei lasieren.

Die nötigen Details kann man später mit einem sehr großen Rundpinsel auftragen.

XXL-Aquarell – erst die Orga, dann die Muße

Große Aquarelle malen bedeutet auch, den Arbeitsplatz neu zu organisieren.

Wir brauchen mehr Platz, eine größere Palette und vielleicht Tubenfarben, weil der normale Farbkasten bei XXL irgendwann an seine Grenzen kommt.

Der Sprung aufs große Papier braucht Zeit und Ruhe. Fang deshalb nicht gleich mit einem superteuren, riesigen Bogen Aquarellpapier an und setz dich damit unnötig unter Druck.

Mach erst einmal große Skizzen. Misch genügend Farbe an, leg dir große Pinsel zurecht und organisiere deinen Arbeitsplatz so, dass du entspannt malen kannst.

Gib deiner Hand ein bisschen Zeit, sich an XXL zu gewöhnen.

Denn irgendwann soll sich das große Format genauso leicht und selbstverständlich anfühlen wie das kleine.

Jetzt wünsche ich dir viel Spaß beim Ausprobieren! Ich hoffe, dass dir auch der heutige Beitrag etwas gebracht hat. Wenn du keinen neuen Artikel verpassen möchtest, freue ich mich, wenn du den Blog abonnierst.

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Liebe Grüße
Tine

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Auf dem Papier mischen – spektakulär!

Ich glaube, wir haben beim Aquarell alle einen kleinen Widerspruch im Kopf.

Wir möchten locker malen. Aber bitte mit einem kontrollierten Ergebnis.

Wir möchten den Farben Freiheit geben – aber natürlich sollen sie genau dorthin fliessen, wo wir sie haben wollen.

Und wir lieben den Zufall – solange er sich gefälligst an unsere Pläne hält.

Kommt dir das bekannt vor?

Mir jedenfalls sehr.

Auf dem Papier mischen – die locker-leichte Aquarellskizze

Ich liebe es, Farben direkt auf dem Papier zu mischen. Denn sobald wir nicht jede Farbe fertig auf der Palette anrühren, passiert etwas Spannendes:

Das Wasser übernimmt einen Teil unserer Arbeit.

Farben laufen ineinander, Übergänge und kleine Unregelmässigkeiten entstehen.

Das Bild bekommt Eigenleben.

Location: Rheinfelden an der Brücke.

Das sieht man hier wunderbar: Die Farben des Baumes laufen ganz von selbst ineinander. Ein grosser Pinsel, ein paar Farben locker aufs Blatt und dunklere Töne hinein.

Das ist schnell und Spass pur!

Wer das Mischen auf dem Blatt beherrscht, erzeugt spektakuläre Ergebnisse. Aber ich kenne auch die andere Situation: Plötzlich macht sich das Wasser selbstständig und Farbe läuft quer durchs Bild.

Oh nein! Was passiert denn jetzt?

Dabei weiss ich es eigentlich besser. Ich unterrichte Aquarellmalerei und erkläre anderen Menschen, dass sie Wasser und Pigmente arbeiten lassen sollen.

Ich weiss das alles!

Und trotzdem geht irgendwo in meinem Kopf die Alarmanlage los:

Das wird nichts!

Also greife ich ein. Mein Pinsel schiesst vor und matscht in der Farbe herum. Eigentlich möchte ich doch nur das zarte Grau des Mastes in die Wellen ziehen.

Hier ein bisschen. Da ein bisschen. Noch ein bisschen!

Und aus einer wunderschönen, lebendigen Mischung wird langsam eine kontrollierte Pampe. Schau dir den Mast im Wasser an!

Grauenhaft!

Ich hätte mich in den Arsch beissen können. Und vielleicht musst du gerade lachen, weil du genau weisst, wovon ich spreche.

Denn oft wissen wir ganz genau, was wir tun müssten.

Wir trauen uns nur nicht, es geschehen zu lassen.

Auf dem Papier mischen – Loslassen mit Gefühl

Aquarell malen und gleichzeitig die Kontrolle abgeben – das kann Panikattacken auslösen. Wenn da die Farbe mitten im Bild läuft, müsste ich eigentlich die Hände über die Augen schlagen, damit ich das ertragen kann.

Vielleicht ist genau das unser Problem: mangelndes Grundvertrauen.

Ich kann das gar nicht aushalten, wenn die Farbe da so wild runterläuft.

Dabei muss man sich unter uns Aquarellmalern immer wieder in Erinnerung rufen, dass gerade die schwer auszuhaltenden Techniken oft die besten Aquarellbilder machen.

Die Lösung kann also nicht sein, den Zufall abzuschaffen.

Wir müssen ihm nur einen Rahmen geben. Nicht so viel Kontrolle, dass wir dem Aquarell sein Eigenleben nehmen – aber genug, damit wir nicht die Hände über die Augen schlagen müssen.

Auf dem Papier mischen – Wasser ist der kleine Unruhestifter

Das größte Chaos entsteht beim „Auf dem Papier mischen“ meistens gar nicht durch die Farbe.

Es ist das Wasser.

Ist davon zu viel auf dem Papier, ist es irgendwann, als hätte man einen Farbeimer mitten ins Bild gekippt. Die Farbe suppt los und nimmt keine Rücksicht mehr auf das, was wir eigentlich vorhatten.

Das ist der Moment, in dem aus erwünschtem Zufall schlicht Chaos wird.

Und sofort kommt dieser wunderbare Reflex:

Pinsel rein und retten!

Eins kann ich dir schon mal ganz genau sagen: In den allermeisten Fällen ist hier der beste Tipp einfach:

Pfoten weg!

In 90 Prozent der Fälle ruinierst du das ganze Bild mit deiner Rettungsaktion! Wenn du jetzt in der Farbe herumrührst, erzeugst du einen matschigen Farbbrei – und der ist wirklich nicht schön anzusehen.

Dabei lässt sich das Problem erstaunlich einfach vermeiden:

Wir brauchen ein bisschen Wasserkontrolle.

Ausgerechnet der Wassertopf kann beim „Auf dem Papier mischen“ zum größten Mörder werden. Eigentlich machen wir alles richtig: Wir spülen unseren Pinsel sorgfältig aus, weil wir klare, schöne Farben möchten.

Vollkommen löblich, aber nicht hilfreich!

Denn der Pinsel kommt nicht allein zurück aufs Papier. Er bringt jedes Mal Wasser mit – und davon haben wir dort ohnehin schon genug.

Deshalb mache ich etwas ganz Einfaches: Wenn ich mit dem Pinsel in den Wassertopf gehe, schüttele ich ihn danach aus oder drücke ihn ein wenig aus.

Der Pinsel soll keineswegs trocken sein. Die Farbe soll ja laufen!

Aber sie soll nicht davonrennen.

Ist die Farbe etwas trockener und nicht mehr klatschnass, vermischen sich die beiden Farben sehr schön. Natürlich passieren auch dann kleine Unfälle, aber die bleiben im Rahmen – und genau sie geben dem Aquarell seine spektakuläre Optik.

Klatschnass schaut so aus! Kann aber auch zauberhaft sein!

Feucht gibt dir Kontrolle. Schau in die Bäume!

Bei sehr viel Wasser ist es dagegen wie Milch im Kaffee: Einmal hineingekippt, lässt sich die Mischung nicht mehr aufhalten.

Beim Aquarell möchten wir genau den kleinen Moment davor erwischen. Die Farben sollen sich begegnen, ineinanderfließen – und trotzdem noch etwas von sich selbst behalten.

Nicht weniger Mut. Nur ein bisschen weniger Wasser.

Auf dem Papier mischen – hilfreiche Tipps

Du darfst dir dieses Unterrichtsmaterial gerne herunterladen. Dann gib ein kleines bisschen zurück. Mit deiner Spende hilfst du mir, weiterhin gutes Unterrichtsmaterial für alle frei zugänglich zu machen.

Hier noch weitere Tipps:

Die zweite Farbe darf etwas sämiger sein.

Ist das Papier schon feucht, brauchst du nicht noch mehr Wasser. Setze die nächste Farbe etwas konzentrierter hinein. So entstehen schöne Farbinseln, statt dass alles davonschwimmt.

Schau auf den Glanz.

Glänzt das Papier stark, läuft die Farbe wie verrückt. Wird der Glanz seidig, wird sie ruhiger. Wird das Papier matter, läuft sie kaum noch. Der Glanz ist unsere kleine Fernbedienung für den Zufall.

Pfoten weg vom Pinsel!

Setze die Farbe hinein und lass sie machen. Sobald du anfängst herumzurühren, mischst du wieder selbst – und aus den schönen Zufälligkeiten wird schnell Farbbrei.

Kippe lieber das Blatt.

Will die Farbe nicht dorthin, wo du sie haben möchtest, dann schiebe sie nicht mit dem Pinsel. Kippe das Papier ein wenig. Die Schwerkraft kann erstaunlich gut malen.

Ein letzter Tipp:

Und vielleicht ist das heute mein wichtigster Tipp an dich: Wenn du das nächste Mal vor deinem Bild sitzt und denkst:

„Oh Gott, das wird nichts!“, dann denk an mich.

Mit dem Pinsel in der Hand, dem dringenden Wunsch, irgendetwas zu retten – und hoffentlich inzwischen mit genug Verstand, ihn einfach wieder hinzulegen.

Wir müssen beim Malen nicht immer alles im Griff haben. Vielleicht verbindet uns genau das: Wir lernen gemeinsam, der Farbe ein bisschen mehr zu vertrauen.

Probier es aus. Lass sie laufen.

Ganz liebe Grüße
Tine

P.S.

Du darfst dir diese Grafik sehr gerne ausdrucken oder speichern. Sie stammt aus meinem Unterrichtsmaterial, denn ich möchte, dass du aus diesem Blog wirklich etwas für dein Malen mitnimmst.

Solche Inhalte entstehen allerdings nicht nebenbei. Dahinter stecken viel Arbeit, Erfahrung und Fachwissen. Wenn dir meine Arbeit hilft, unterstütze den Blog bitte mit einer kleinen Spende. So können solche Inhalte weiterhin für alle frei bleiben.

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Granulierende Farben:

Lebhaft zu sein bedeutet, das Leben laut zu lieben.

Granulierende Farben wirken sehr lebhaft. Sie machen Bilder lebendig.

Granulierende Farben sind Aquarellfarben, deren Pigmente sich beim Trocknen nicht gleichmäßig verteilen.

Stattdessen sammeln sie sich in den Vertiefungen des Papiers und bilden eine körnige, lebendige Struktur.

Deshalb sehen die Bilder aus, als wären sie von Impressionisten gemalt. Genau dieser Effekt ist der Grund, warum sie derzeit so beliebt sind.

Granulation erzeugt fast von selbst Strukturen, die an Stein, Felsen, Erde oder verwitterte Mauern erinnern.

Gerade Landschaftsmaler profitieren davon. Die Bilder sehen natürlicher und lebendiger aus!

Wer Granulation beherrscht, malt lebendige Bilder.

Granulierende Farben sind Charakterköpfe.

Sie haben manchmal ihren eigenen Willen. Viele Hobbymaler haben festgestellt: Bei Profis sehen granulierende Farben toll aus. Malt man selbst damit, ist das Ergebnis oft nicht so schön – oder die Granulation tritt erst gar nicht auf. Warum?

Man muss also ein bisschen Fachwissen haben, um granulierende Farben zu beherrschen.

Die folgenden Absätze helfen dir, den Effekt besser zu verstehen.

Nicht jede Farbe granuliert.

Es gibt nur einige wenige Farben, die wirklich granulieren. Das sind die folgenden Pigmente:

Wenn man nur die wichtigsten granulierenden Pigmente nennen möchte, sind es:

• PB29 – Ultramarin (der Klassiker schlechthin)
• PB28 – Kobaltblau
• PB35/PB36 – Cerulean Blue
• PG50 – Kobalttürkis
• PV14 – Kobaltviolett

Meistens sind dies Blautöne. Es gibt aber auch ein paar Naturtöne, die granulieren. Meistens steckt Eisenoxid in den Pigmenten.

Granulierende Gelbtöne

Warum?
Gelboxide und Ocker sind natürliche oder synthetische Eisenoxide. Ihre Pigmente sind relativ grob und erzeugen deshalb eine feine Körnung.

Granulierende Rottöne

Granulierende Naturtöne:

Es gibt nur wenige Pigmente, die von Natur aus stark granulieren. Meist handelt es sich um Blautöne, aber auch einige Rot-, Gelb- und Naturtöne zeigen diesen Effekt. Der Grund ist fast immer derselbe: Die Pigmente sind entweder besonders grob oder enthalten Eisenoxide. Dadurch setzen sie sich beim Trocknen in den Vertiefungen des Papiers ab und erzeugen die charakteristische körnige Struktur.

Granulierende Farben können oft den Eindruck erwecken, als würden sie gar nicht granulieren.

Meist liegt das jedoch an der Verarbeitung.

Aquarellfarben brauchen viel Wasser – granulierende Farben sogar noch etwas mehr. Warum? Die Pigmente müssen im Wasser „schwimmen“ können, damit sie sich beim Trocknen ungleichmäßig in den Vertiefungen des Papiers absetzen. Wer die Farbe zu pastos oder mit zu wenig Wasser verwendet, wird kaum einen Granulationseffekt erzielen.

Das Pigment granuliert, wenn es schwimmt!

Ein weiterer Grund ist die Haltung des Aquarellpapiers. Normalerweise ist es sinnvoll, das Brett leicht schräg zu stellen, damit das Wasser eine Fließrichtung erhält. Granulierende Farben benötigen jedoch etwas Zeit, damit sich die meist schweren Pigmente absetzen können. Ist das Papier zu steil geneigt, fließen die Pigmente mit dem Wasser mit, anstatt sich auf dem Blatt niederzulassen.

Der Trick:

Wer eine möglichst starke Granulation erzielen möchte, sollte das Blatt möglichst waagerecht oder nur ganz leicht geneigt halten.

So haben die Pigmente genügend Zeit, sich abzusetzen und ihre charakteristische körnige Struktur zu entwickeln.

Granulierende Farben und die Gefahr von Dreck!

Natürlich haben die Hersteller von Aquarellfarben mittlerweile bemerkt, dass granulierende Farben schwer im Trend liegen. Deshalb kann man unendlich viele granulierende Töne kaufen.

Granulierende Farben kann man recht einfach selbst mischen, denn ist eine granulierende Farbe in der Mischung enthalten, granuliert auch der Mischton – wenn auch nicht so stark wie das ursprüngliche granulierende Pigment.

Hier granuliert Französisches Ultramarin.

Besonders eignen sich PB29 (Französisches Ultramarin) sowie PB35 und PB36 (Cobalttöne), um andere Farben zum Granulieren zu bringen.

Granulierende Farben und die Marktwirtschaft.

Ich möchte jedoch von gekauften granulierenden Mischfarben ein wenig abraten.

Die Hersteller haben nämlich das gleiche Problem wie du. Sie müssen ein stark granulierendes Pigment in ihre Farbmischungen bringen.

Sehr häufig ist dies Französisches Ultramarin, denn diese Farbe granuliert besonders stark.

Französisches Ultramarin ist allerdings der wärmste Blauton. Deshalb kann man damit zum Beispiel kein schönes Grün mischen. Jetzt beginnt man zu tricksen, und in den gekauften Farben stecken dann zwei oder sogar vier Pigmente.

Wenn du beginnst zu mischen, stecken dann drei, vier oder sechs Pigmente in deinem Farbton. Die Folge ist, dass sich einige der Pigmente gegenseitig neutralisieren. Das heißt:

Du produzierst beim Mischen Dreck!

Hinzu kommt, dass auch Eisenoxidpigmente in den granulierenden Erdtönen deine Farben dämpfen.

Viele der granulierenden Farben haben sehr schöne, bildhafte Namen. Oft erinnern sie an Natur und Wüste, weil sie Erdpigmente und Oxide enthalten.

Im Grunde heißt das: Diese Farben dämpfen die Leuchtkraft deiner Mischungen garantiert!

Generell kann man die granulierenden Mischfarben der Hersteller benutzen. Es gibt auch einige sehr gelungene Farbtöne.

Aber man bezahlt dafür mit dem Verlust der Leuchtkraft beim Mischen.

Granulation mit Gefühl statt Zufall.

Generell möchte ich gar nicht über die Farbhersteller schimpfen. Sie folgen schließlich nur den Bedürfnissen des Marktes.

Dennoch haben die Hersteller wesentlich bessere Farben im Programm. Es gibt wunderschöne granulierende Farbtöne, die nur aus einem oder wenigen Pigmenten bestehen. Deshalb ist es deutlich sinnvoller, sich eine kleine Auswahl solcher Farben zuzulegen.

Wer die einzelnen Pigmente kennt, kann ihre Wirkung beim Mischen gezielt steuern. Das ist wesentlich besser, als fertige Mischfarben mit vielen Pigmenten zu kaufen.

Die wichtigsten granulierenden Farben.

PB29 – Französisches Ultramarin
Der Klassiker unter den granulierenden Pigmenten. Es granuliert besonders stark und eignet sich hervorragend zum Mischen vieler granulierender Farbtöne. Dies ist die Basisfarbe aller granulierenden Aquarelle. Es mischt allerdings nur matte, dumpfe Grüntöne.

PG50 – Kobalttürkis
Eines der leuchtkräftigsten granulierenden Pigmente. Ideal für Wasser, Himmel und frische Türkistöne mit faszinierenden Strukturen. Es gleicht die Schwächen des Französischen Ultramarins beim Mischen von Grüntönen aus.

PR101 – Caput Mortuum
Ein stark granulierendes Eisenoxidpigment. Perfekt für warme Rot-, Braun- und Violetttöne sowie Felsen, Dächer und Mauern. Doch diese Farbe empfehle ich nur mit Bauchschmerzen. Sie muss mit viel Fingerspitzengefühl angewendet werden. Es ist eine Farbe, die in kleinen Mengen Struktur verleiht.

PY43 – Goethit
Ein natürliches Erdpigment mit schöner Granulation. Hervorragend für Sand, Erde, Herbstlandschaften und warme Gelbtöne.

PB35 oder PB36 – Cerulean
Ein klassisches Himmelblau mit feiner bis kräftiger Granulation. Unverzichtbar für atmosphärische Himmel, Wasser und kühle Mischungen.

Dies ist eine kleine Liste granulierender Farben, die beim Erstellen von Bildern sehr hilfreich sein können. Mit dieser eher kleinen Auswahl kann man viele Mischfarben granulieren lassen.

Viel Spaß beim Ausprobieren!

Ach, stopp! Noch ein kleiner Tipp.

Nicht immer ist Granulation erwünscht. Granulierende Farben sprenkeln besonders stark, wenn viel Wasser im Spiel ist – also ausgerechnet bei Himmel und Wasserflächen. Und ein Himmel voller Flecken ist nicht jedermanns Sache!

Deshalb kann es sinnvoll sein, eine nicht oder weniger granulierende Alternative im Farbkasten zu haben. Sie sieht farblich fast gleich aus, macht aber deutlich weniger Krümel.

Bei French Ultramarin ist das zum Beispiel Ultramarin feinst, bei Cerulean kann Lavender eine Alternative sein.

Und noch ein Tipp, für den ich selbst sehr dankbar war: Wasser wechseln! Granulation ist nämlich ansteckend. Pigmentteilchen landen im Malwasser und wandern von dort in die nächste Farbe. Wer nicht möchte, dass plötzlich alles sprenkelt: frisches Wasser!

So, jetzt weißt du, warum es in manchen Farben heimlich glitzert, krümelt und sprenkelt. Probier es einfach aus – denn am Ende lernt man Aquarellfarben am besten kennen, wenn man sie machen lässt.

Ich wünsche dir ganz viel Freude beim Malen, ein bisschen Mut zum Zufall und natürlich genau die richtige Menge Krümel im Bild.

Bis nächste Woche und liebe Grüße
Tine

Kostenloses Fachwissen ist eine feine Sache. Besonders für den, der es liest. 😉

Fachwissen frei zugänglich zu machen, ist allerdings nicht ganz kostenlos. Irgendjemand muss Farben kaufen, ausprobieren, recherchieren und diesen ganzen Kram auch noch aufschreiben. Seltsamerweise erledigen das die Heinzelmännchen nicht.

Damit es hier weiterhin jede Woche Wissen, Experimente und neue Ideen gibt, braucht dieser Blog Menschen, die sagen: Das ist mir etwas wert!

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St.Gallen

Ich sitze auf der Straße, direkt unter dem Standbild eines Reformators, und male. Eigentlich bin ich ganz gut im Fluss.

Da tritt eine ältere Dame auf mich zu. Sie ist begeistert von meinem Bild – und offensichtlich auch von allem, was es rundherum noch zu entdecken gibt.

„Schauen Sie mal hier!

Und das da in der Schnitzerei ist mein Lieblingselefant. Und wenn Sie sich jetzt einmal umdrehen: Der Erker ist ganz wunderbar! Haben Sie eigentlich schon die zweite Kirchenspitze gesehen? Sie sind hier sicher im Urlaub.“

Ich lächle freundlich. Dann ist sie weg. Aber erst, nachdem sie mich total konfus gemacht hat!

Und ich schaue auf mein Bild.

Wo war ich gerade noch mal?

Ich habe keine Ahnung mehr, wie viele Kirchenspitzen dieser Turm eigentlich hat. Noch schlimmer: Wie war die Aufteilung? Wo saß was?

Das Gespräch könnt ihr heute noch wunderbar in meinen etwas krummen Kirchenspitzen sehen.

Was mir in diesem Moment den Hintern gerettet hat, war Grau.

Grau ist im Aquarell und ganz besonders beim spontanen Skizzieren eine wunderbar hilfreiche Farbe. Ist es dunkel genug, kann es bereits aufgetragene Farbe strukturieren und  manchen kleinen Fehler im Nu verschwinden lassen.

Doch das ist gar nicht seine wichtigste Aufgabe.

Grau schafft Ruhe. Es hält sich zurück und gibt damit den anderen Farben Raum.

Die kleine graue Maus lässt die anderen Farben leuchten.

Ausgerechnet Grau – wie Grau Farben schön macht!

Grau hat ein ausgesprochen schlechtes Image.

Grau ist Nebel. Grau ist November. Grau ist still und trüb, während Rot, Gelb und Türkis auf dem Tisch tanzen.

Aber genau das ist seine Aufgabe!

Dadurch, dass Grau eben nicht auf dem Tisch tanzt, können die anderen zeigen, wie schön und farbig sie sind.

Denn wer ein Bild malt, in dem alles gleich bunt und gleich wichtig ist, malt meistens ein ziemlich langweiliges Bild. Wenn alle Farben gleichzeitig rufen: „Schau mich an!“, weiß unser Auge irgendwann überhaupt nicht mehr, wohin es schauen soll.

Das ist eines der kleinen Paradoxe der Malerei:

Wir müssen Farbe zurücknehmen, damit Farbe stärker wirken kann.

Grau im Aquarell – ein wunderbarer Farbenschmeichler

Damit Grau diese Rolle übernehmen kann, muss es einiges leisten. Es muss sich anpassen, verbinden, beruhigen und manchmal einen Gegenpol bilden.

Ein gutes Grau ist deshalb keineswegs immer einfach nur grau.

Viele Aquarellmaler greifen zu einem fertigen Grau wie Payne’s Grey. Und daran ist zunächst überhaupt nichts falsch. Es schafft Dunkelheiten, beruhigt Flächen und bringt schnell Struktur ins Bild.

Doch damit verschenken wir Möglichkeiten.

Der Hersteller hat bereits etwas für uns angerührt. Ob genau dieses Grau zu unserem Bild und unseren Farben passt, ist mehr oder weniger Zufall.

Vielleicht braucht unser Bild einrötliches  Grau, das ein Blau unterstützt. Oder ein kühles, leicht bläuliches Grau, neben dem Orange plötzlich Feuer fängt. Vielleicht brauchen wir ein violettes, grünliches oder rötliches Grau.

Dies sieht man im Bild ganz genau: Neben den orangen Dächern wird das Grau blau.

Denn Grau ist nicht einfach die Abwesenheit von Farbe. Grau kann genau die Farbe enthalten, die unser Bild gerade braucht.

Wer sein Grau selbst mischt, bekommt ein Werkzeug, mit dem er die anderen Farben schöner machen kann.

Grau im Aquarell – warum fertiges Grau nur die zweite Wahl ist

Schon wenn man Grau aus nur zwei Farben mischt, zum Beispiel aus Ultramarinblau und gebranntem Siena, wird es lebendig.

Und plötzlich habe ich etwas Entscheidendes in der Hand: Ich kann mein Grau steuern.

Ich kann es dunkler oder heller, wärmer oder kühler machen. Mal darf das Blau stärker hervortreten, mal das Braun.

Grau ist also letztendlich gar nicht grau.

Schaut euch meinen Kirchturm an. Hier ist mein Grau so dunkel, dass es fast schon Dunkelblau oder Schwarz ist. Damit strukturiere ich den Turm – und ganz nebenbei kann ich meine etwas verunglückten Kirchenspitzen wieder in den Griff bekommen.

Doch das dunkle Grau kann noch mehr.

Das Grün der Kirchturmspitze im Hintergrund beginnt daneben stärker zu leuchten.

Der deutliche Hell-Dunkel-Kontrast trennt den Turm von seiner Umgebung und macht ihn zum Hingucker.

Gleichzeitig bekommt er durch das Spiel aus Licht und Schatten Volumen.

Mit Grau kann ich die Farbstimmung steuern

Nun schaut euch meine Schatten an. Sie sind keineswegs neutral grau. Viele davon sind fast violett. Schau ins Bild!

Aus Ultramarin und gebranntem Siena bekomme ich wunderbare Grautöne, aber einen solchen violetten Schatten kann ich damit kaum gezielt mischen.

Deshalb mische ich meine Grautöne und Schatten sehr gerne aus meinen Grundfarben.

In diesem Bild arbeite ich mit

Indischgelb, Permanent Rose – also einem kühlen, pinkfarbenen Rot – und meinem Ultramarin Blau.

Mit diesen drei Grundfarben kann ich mein Grau in fast jede Richtung schieben:

Mehr Blau – und es wird kühler. Mehr Permanent Rose – und es wandert Richtung Violett. Mehr Gelb – und es wird wärmer oder neutralisiert sich, je nachdem, welche Farbe vorher überwogen hat.

Ich mische nicht irgendein Grau. Ich mische genau das Grau, das mein Bild braucht.

Grau kann Farben zum Leuchten bringen

Mein Bild enthält sehr viele Grau- und Blautöne. Das birgt eine Gefahr: Es kann schnell kalt und trüb werden.

Deshalb gebe ich meinen Grautönen Farbe.

Der blaue Turm bekommt zum Beispiel einen warmen violetten Schimmer. Dadurch wirkt das Bildzentrum freundlicher und farbiger.

Und nun schaut auf das rötlich-gelbe Haus neben dem Kirchturm. Es ist ein Hingucker – aber nur, weil es in seiner Umgebung dieses große graue Haus gibt.

Gelb und Violett sind Komplementärfarben.

Stehen sie nebeneinander, steigern sie gegenseitig ihre Wirkung. Das Gelb erscheint leuchtender, weil das Violett ihm einen Gegenpol bietet.

Genau das ist die Macht der Komplementärfarben.

Mit Grau kann ich zeigen, was wichtig ist

Damit wird Grau zu einem Werkzeug für den gesamten Bildentwurf.

Die farbigeren Grautöne und stärkeren Kontraste konzentrieren sich dort, wo ich den Blick des Betrachters haben möchte. Unwichtige Bereiche dürfen ruhiger und neutraler werden. Im Bildzentrum dagegen lasse ich die Farben miteinander spielen.

Mit Grau schaffst du immer Kontraste.

Das heißt: Ist das Bild zu kühl, wird dein Grau warm. Ist eine Farbe nicht leuchtend genug, dann gibst du ihr Dunkelheit oder einen Komplementärkontrast.

Der Komplementärkontrast

Mische ich beispielsweise aus Blau und Permanent Rose einen violetten Ton und breche ihn anschließend mit einem Hauch meines Gelbs, entsteht ein wunderschönes violettes Grau. Dieses Grau stärkt das gelbliche Haus durch den Komplementärkontrast.

Komplementärkontraste sind Farben, die sich genau auf der anderen Seite des Farbkreises gegenüberliegen.

Dadurch liegen die Wellenlängen weit auseinander und lassen sich gegenseitig leuchten.

Gleichzeitig steckt in meinem gemischten Grau bereits dasselbe Gelb, das auch an anderer Stelle im Bild vorkommt.

Die Farben sind also Gegenspieler – und trotzdem miteinander verwandt.

Genau deshalb erzeugt das Mischen von Grautönen aus den Grundfarben eine enorme Farbharmonie. Die gleichen Farben tauchen immer wieder auf, nur in völlig unterschiedlichen Mischungsverhältnissen.

Und genau darin liegt für mich die eigentliche Stärke von Grau: Ich kann damit Fehler ausbügeln, Formen strukturieren, Licht und Schatten erzeugen, Farben zum Leuchten bringen und den Blick des Betrachters lenken.

Die kleine graue Maus ist also gar nicht so unscheinbar.

Eigentlich führt sie im ganzen Bild Regie.

Ich wünsche dir eine gute Zeit und viel Spaß beim Malen!

Tine

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Weiterlesen bei Tine:

https://blog.herz-der-kunst.ch/grundfarben-simplify/

Grundfarben! Simplify!

Auf der Straße malen

Heute möchte ich euch darauf vorbereiten, auf der Straße zu malen.

Letzte Woche gab es keinen Blog. Ich war nämlich auf einer wunderbaren Urban-Sketching-Veranstaltung in St. Gallen. Dort treffen sich Menschen, die gemeinsam auf der Straße zeichnen und malen. Und ich kann euch nur sagen:

Dieses Gefühl ist großartig.

Auf der Straße waren sicherlich 300 Menschen, die malten und zeichneten. Gerade am Anfang gibt dir diese Masse unglaublich viel Schutz. Denn wenn es alle tun, ist es plötzlich nicht mehr peinlich. Du sitzt nicht mehr allein mit deinem Skizzenbuch irgendwo auf der Straße und denkst:

Um Gottes willen, jetzt gucken alle auf mich.

Denn ein Bild sieht, während du es malst, oft längst nicht so hübsch aus wie das fertige Bild.

St. Gallen in der Kugelgasse. Hier habe ich nicht nur gemalt, sondern auch jede Menge Menschen kennengelernt. Sie haben mich gelobt, ich habe ihr halbes Leben erfahren und ganz nebenbei noch eine kleine Stadtführung bekommen, weil mir jeder etwas über seine Stadt erzählte.

Die Leute sehen sofort:

Hier ist etwas los!

Denn an jeder Ecke sitzen Menschen, malen und zeichnen.

Ich wurde unglaublich oft angesprochen: „Was ist denn hier los? Warum malen hier alle? Und wie kann ich da mitmachen?“

Und genau dazu möchte ich heute auch dich animieren:

Mach mit!

Um Gottes willen, jetzt sehen alle, was ich hier mache!

Natürlich kostet es Überwindung, sich mit seinem Skizzenbuch auf die Straße zu setzen.

Aber genau das verliert sich erstaunlich schnell.

Schon klar: Die Leute, mit denen du zusammen zeichnest und malst, sind meistens sehr nett. Ihr habt gemeinsame Interessen, schaut gemeinsam auf die Welt und deshalb kommt man schnell miteinander ins Gespräch.

Aber was ist mit den anderen Leuten auf der Straße?

Denn sobald ihr auf der Straße malt, passiert etwas Merkwürdiges:

Wildfremde Menschen sprechen euch an.

Ganz oft bildet sich ein kleiner Menschenauflauf, wenn du beginnst zu zeichnen oder zu malen. Ich habe hier ein Bild aus Malaysia. Dieses Phänomen ist international – und auch in der Schweiz werden dich immer wieder Menschen ansprechen. Denn in St. Gallen hatte ich kaum einen Moment, in dem nicht jemand hinter mir stand, zuschaute oder fotografierte.

Kein anderer Beruf würde so behandelt wie ein Künstler auf der Straße. Niemand würde zu einem Koch, der gerade Würstchen brät, gehen und sagen:

„Also, ich kann auch Würstchen braten. Und ich kann Ihnen eines sagen: Ich würde ganz andere Würstchen nehmen!“

Bei einem Künstler ist das vollkommen normal.

„Also!!! Meine Tante Elli malt ganz wunderbar.“

Die Leute bleiben stehen, schauen dir über die Schulter und erzählen dir, dass sie auch malen, früher einmal gemalt haben. Und erstaunlich viele haben auch gleich einen guten Ratschlag für dich.

Durch Kunst erwacht der Mensch zum Leben

Warum behandeln dich wildfremde Menschen plötzlich so, als würden sie dich seit Jahren kennen?

Niemand würde zu einem Elektriker gehen, mit ihm über Drähte fachsimpeln und ihm dann noch Tipps geben, obwohl er überhaupt keine Ahnung von Elektrik hat.

Wenn du auf der Straße malst, wird deine Arbeit sichtbar. Die meisten Menschen üben ihre Berufe und Hobbys hinter verschlossenen Türen aus. Doch du sitzt mitten auf der Straße.

Das macht dich interessant.

Du wirst also zu einer Person des öffentlichen Lebens.

Die Menschen können beobachten, wie aus einem weißen Blatt langsam ein Bild entsteht. Und das löst etwas aus: Gefühle, Erinnerungen, Neugier und manchmal auch Widerspruch.

Viele Menschen sind es gar nicht mehr gewohnt, ihre Umgebung wirklich anzuschauen. Sie laufen täglich durch ihre Stadt und nehmen vieles kaum noch bewusst wahr.

Und du malst genau das Haus, an dem dieser Mensch vielleicht seit zwanzig Jahren jeden Morgen vorbeiläuft.

Plötzlich schaut er hin.

Mach dir ganz einfach klar: Du erweckst Menschen, die jahrelang blind durch ihre Stadt gelaufen sind, zum Leben.

Du wirst zum Augenöffner.

Deine Kunst erzeugt Sehen im Gehirn des Anderen.

Deshalb sind die Kommentare der Menschen auch nicht unbedingt ein Urteil über dein Bild. Oft erzählen sie viel mehr über den Kopf des anderen Menschen als über deine Kunst.

Von der großen Bewunderung

Wenn man auf der Straße malt, schämt man sich manchmal ein bisschen. Besonders in den Phasen, in denen das eigene Bild noch etwas schäbig aussieht.

Doch mach dir klar: Viele Menschen sind ein bisschen neidisch auf dich.

Du kannst besser malen und zeichnen als die allermeisten Menschen. Viele wären selbst gerne kreativ, haben aber nicht den Mut dazu.

Die Menschen suchen nicht die Verbindung zu dir, weil sie dein Bild doof finden.

Sie suchen die Verbindung zu dir, weil du sie anregst und inspirierst.

Die meisten Menschen würden selbst gerne malen. Einen Künstler anzusprechen erlaubt ihnen, für einen kleinen Moment an deiner wunderbaren Welt teilzuhaben.

Warum reden eigentlich alle mit Künstlern?

Wenn Menschen dir beim Malen zusehen, können sie für einen kleinen Moment durch deine Augen schauen.

Sie vergleichen: Was ist dort auf der Straße? Was sieht sie? Was sehe ich? Und was malt sie jetzt gerade?

Dadurch zeigst du ihnen eine Art des Sehens, die sie vielleicht selbst gar nicht haben.

Und genau das erklärt auch, warum sie so wenig Scheu haben, mit dir Kontakt aufzunehmen.

Wenn also ein wildfremder Mensch auf dich zukommt, dann mach dir eines klar:

Wahrscheinlich hat dieser Mensch schon eine ganze Weile hinter dir gestanden und mit dir zusammen gesehen.

Für dich ist er noch ein Fremder. Für ihn bist du es längst nicht mehr.

Vielleicht nervt es dich manchmal, dass dich so viele Menschen ansprechen. Aber denk daran:

Du bist eine Inspirationsquelle.

Vielleicht hat dieser Mensch jahrelang keinen Fremden auf der Straße angesprochen. Und nun hast du ihn so bewegt, dass er auf dich zugeht.

Mensch, Mann, Kind, Hund

Auf der Straße zu malen ist ein Bad in der Menge. Man lernt sie alle kennen: Mensch, Mann, Kind, Hund.

Tatsächlich bereichert mich das Reisen auch beim Malen und Zeichnen. Man erlebt etwas, man sieht Orte und Menschen, lernt andere Blickwinkel kennen – und das Leben ist alles andere als langweilig.

Meistens sind diese Kontakte sehr positiv. Menschen sagen dir, wie wunderbar sie dein Bild finden. Sie fragen nach Malunterricht oder möchten ein Bild kaufen.

Und manchmal wird es etwas spooky.

Die Gefühle brechen aus den Menschen heraus und sie erzählen dir Dinge, über die sie sonst wahrscheinlich mit niemandem sprechen würden.

Irgendwer erzählt dir dann, dass das alles so wunderschön ist und dass Malen sicher auch bei den eigenen psychosomatischen Problemen und dem Brechdurchfall helfen würde.

Da weiß ich manchmal nicht, ob ich lachen oder weinen soll.

Aber mach dir klar: Du hast diesen Menschen bewegt.

Natürlich bist du trotzdem kein unbezahlter Psychotherapeut.

Wie hält man sich lästige Plagegeister vom Hals?

Du musst nicht mit jedem Menschen reden, der dich anspricht.

Freundlichkeit bedeutet nicht, dass du deine Konzentration verschenken musst.

Wenn du deine Ruhe möchtest, mach dich ein bisschen unzugänglich. Kopfhörer sind dafür großartig – selbst wenn gar keine Musik läuft.

Auch dein Blick ist wichtig. Sobald du Blickkontakt aufnimmst, öffnest du die Tür zum Gespräch. Malst du einfach weiter, verstehen die meisten Menschen, dass du konzentriert bist.

Und wenn nicht, darfst du freundlich sagen:

„Danke schön! Ich muss mich gerade sehr konzentrieren.“

Oder noch besser:

„Entschuldigung, ich muss jetzt wirklich weitermalen, sonst trocknet mir die Lasur weg.“

Das ist beim Aquarell nicht einmal gelogen.

Auch dein Sitzplatz entscheidet darüber, wie viel Publikum du bekommst. Direkt an der Fußgängerzone oder neben einem Café? Publikum garantiert. Etwas seitlich, mit dem Rücken zu einer Wand oder einem Baum? Viel mehr Ruhe – und niemand kann direkt hinter dir stehen.

Wenn du dagegen Lust auf Menschen hast, mach genau das Gegenteil. Sitz offen, schau hoch, lächle und rede mit ihnen.

Du entscheidest, wie weit du deine Tür öffnest.

Und lass dich von ungefragter Kritik nicht aus der Ruhe bringen. Der Mensch, der drei Minuten hinter dir gestanden hat und sagt: „Da fehlt aber noch ein Fenster“, ist nicht plötzlich dein Mallehrer geworden.

Lächle.

Und mal weiter.

Denn beim Malen auf der Straße gehört nicht nur Mut dazu, sich hinzusetzen. Man muss auch lernen, seine eigenen Grenzen freundlich zu verteidigen.

Und denk immer daran:

Du bist wunderbar!

Liebe Grüße
Tine

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Machst du mit?

Malen und Zeichnen ist eine Leidenschaft. Und noch viel mehr Spaß macht es, diese Leidenschaft gemeinsam mit anderen zu teilen.

Hier gebe ich dir nun einige Adressen, über die du Urban Sketchers in deiner Umgebung findest. Schau nach Treffen, Sketchwalks und größeren Events – und dann trau dich einfach und geh hin!

Und jetzt bist du dran!

Möchtest du selbst einmal so ein schönes Event besuchen und mit anderen auf der Straße malen und zeichnen?

Schweiz:
Urban Sketchers Switzerland

Deutschland:
Urban Sketchers in Deutschland – Übersicht der regionalen Gruppen

Weltweit:
Urban Sketchers – weltweite Chapter-Karte

Dort kannst du nach einer Gruppe in deiner Nähe suchen. Mittlerweile gibt es weltweit fast 600 offizielle Urban-Sketchers-Chapter.

Und das Schöne daran: Du musst nicht erst „gut genug“ sein. Die Treffen sind zum gemeinsamen Zeichnen da.

Also: Skizzenbuch einpacken und los!

Noch 2 Plätze in Zürich frei:

Aktuelle Kurse mit Tine Klein

Heute möchte ich über das Malen mit einer erweiterten analogen Farbpalette schreiben.

Klingt erst einmal ein bisschen nach Farbtheorie – ist aber eigentlich ganz einfach.

Und beim Malen ausgesprochen praktisch.

Was ist überhaupt eine analoge Farbharmonie?

Eine analoge Farbpalette bewegt sich nur auf einer Seite des Farbkreises. Du benutzt also Farben, die dort mehr oder weniger nebeneinanderliegen, zum Beispiel:

 Gelb-Grün -Blau.

Das Schöne daran:

Diese Farben verstehen sich untereinander sehr gut.

Denn sie sind durch das Mischen miteinander verwandt. Das Bild wirkt angenehm, ruhig und wie aus einem Guss. Schrille Gegensätze und starke Komplementärkontraste fehlen. Ein kräftiges Blau, das einem Orange ordentlich Konkurrenz macht, kommt beispielsweise gar nicht erst ins Spiel.

Das bedeutet natürlich nicht, dass solche Bilder langweilig sein müssen. Ganz im Gegenteil. Die Farbwirkung kann ausgesprochen reich und lebendig sein – nur eben harmonischer und geschlossener.

Und beim Malen hat das enorme Vorteile. Man muss nicht ständig aufpassen, ob sich die Farben gegenseitig beißen. Vieles darf ineinanderlaufen, sich auf dem Blatt mischen und ganz selbstverständlich miteinander verbinden. Hier sieht man das in Gelb-Orange-Rot

Doch nur Gelb, Orange und Rot?

Der Vorteil ist, dass die Farben ohne Störung stark wirken. Doch wenn man mit solchen nah verwandten Farbpaletten malt, kann einiges schiefgehen:

Denn fehlen die Kontraste, wird es langweilig!

Und genau deshalb wird es interessant: Wir erweitern die analoge Farbpalette um gebrochene Farben, Grau, Braun und Violett.

Damit bekommen wir plötzlich Dunkelheiten, Schatten und wunderbar zurückhaltende Zwischentöne – ohne die gemeinsame Farbstimmung des Bildes zu zerstören.

Und genau darum geht es heute.

Farbharmonie braucht Kontraste!

Die Falle für analoge Farbharmonien liegt in ihrer Kontrastarmut, denn alle Farben sind miteinander verwandt. Genau das macht sie so schön harmonisch – und kann gleichzeitig zum Problem werden.

Denn ein Bild braucht Kontraste!

Fehlen sie, wird aus harmonisch ganz schnell langweilig. Die Farben liegen zu nah beieinander, Flächen beginnen miteinander zu verschwimmen und dem Auge fehlt etwas, woran es hängen bleiben kann. Das Bild ist zwar schön einheitlich, aber es passiert einfach zu wenig.

Auch hier sieht man: Die Kontraste machen es! Durch die Komplementärfarbe Lila wirkt das Ganze viel intensiver.

Bei einer analogen Farbpalette, also wenn ein solcher Farbkontrast fehlt, ist es umso wichtiger, andere Kontraste gezielt einzusetzen.

…der Hell-Dunkel-Kontrast besonders wichtig.

Wenn starke Farbkontraste fehlen, müssen Licht und Dunkelheit die Arbeit übernehmen. Ein tiefdunkler Schatten neben einer hellen, leuchtenden Fläche bringt sofort Spannung ins Bild.

Doch es gibt noch andere Möglichkeiten. Leuchtende Farben können neben gebrochenen Farben stehen, warme neben kühleren, kräftige neben grauen oder braunen Tönen. Auch harte und weiche Kanten schaffen Kontraste.

Das Wichtigste ist: Harmonie bedeutet nicht, dass alles ähnlich aussehen muss. Ein gutes Bild braucht Gegensätze. Gerade bei einer analogen Farbpalette muss man sie ganz bewusst erzeugen.

Und hier kommt die erweiterte analoge Farbpalette ins Spiel.

Farbharmonie: Welche Farben wurden benutzt?

• Indischgelb
• Zitronengelb
• Permanent Rose
• Alizarin Crimson

Und nun kommt die erweiterte Farbpalette ins Spiel:

• Ultramarinblau

Farbharmonie die Erweiterung durch Kontrast:

Aus den gelben und roten Farbtönen lassen sich zauberhafte Farbverläufe zwischen Gelb, Orange und Rot erzeugen.

Diese Farben eignen sich besonders gut für eine analoge Farbpalette, denn Rot ist an sich schon aufregend und bringt ordentlich Spannung ins Bild.

Aber warum wurde dieser Farbpalette nun Ultramarin hinzugefügt ?

– also ausgerechnet eine Farbe von der anderen Seite des Farbkreises? Und warum sieht man das Blau im fertigen Bild eigentlich gar nicht?

Genau hier kommt die erweiterte analoge Farbpalette ins Spiel.

Das Ultramarin ist nicht dazu da, als Blau sichtbar zu werden. Es wird benutzt, um die vorhandenen Farben zu verändern.

Besonders wichtig ist die Dunkelheit!

Denn mit Gelb und Rot allein lässt sich keine richtige Dunkelheit mischen.

Mehr Farben verderben den Effekt. In diesem Bild sind exakt die gleichen Farben unterwegs. Doch es wirkt viel unruhiger, weil die analoge Farbharmonie nicht mehr im Vordergrund steht. Die Farben werden nicht mehr wie durch einen Leitfaden miteinander verbunden.

Gebrochene Töne:

Ein weiterer Punkt sind die gebrochenen Töne. Erst im Zusammenspiel mit gebrochenen Farben werden strahlende Farben als besonders aufregend wahrgenommen. Wir kennen diesen Kontrast in vielfältiger Form:

Denn die Schöne wirkt neben dem Biest erst so richtig schön!

Im Grunde arbeiten wir ein bisschen wie Hollywood.

Wir werfen dem Auge eine gebrochene Farbe hin, damit es die strahlenden Farben als besonders schön empfindet.

Wir brechen also Gelb, Rot und Orange zu neutralen Tönen wie Grau, Braun und Grauviolett, damit der Rest so richtig schön strahlen kann.

Dabei zerstören wir die Farbharmonie aus Gelb, Rot und Orange nicht. Wir machen sie interessanter – durch den Kontrast zwischen strahlend und gebrochen.

Kultur lebt nicht von Klicks. Sie lebt von Menschen, die sie unterstützen.

Liebe Grüße Tine

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Weiterlesen bei Tine – ein ganz alter Blog, trotzdem hilfreich:

https://blog.herz-der-kunst.ch/farbharmonie/