Bei mir daheim: Basel Sehr einfach und doch spektakulär: eine Zeichnung mit Zimmermannsbleistift.

Es gibt einen Fehler, den ich beim Zeichnen und Malen immer wieder sehe.
Er ist unspektakulär, alltäglich und so tief verankert, dass wir ihn kaum hinterfragen.

Und genau deshalb wirkt er so zerstörerisch auf Linie, Farbe und Ausdruck.

Der heimliche Killer deiner Bilder ist deine Handhaltung!

Stift- und Pinselhaltung und ihre Tücken:

Der Stift wird fest und nah an der Spitze gehalten, der Pinsel ebenso.  Die gesamte Last liegt auf der Spitze des Werkzeugs. Die Hand klammert, das Handgelenk wird fixiert, der Arm ausgeschaltet.

Alles konzentriert sich auf diesen einen Punkt: Die Spitze.  Was zunächst nach Kontrolle aussieht, ist in Wahrheit das Gegenteil.

Beim Zeichnen führt diese Haltung fast zwangsläufig zu harten, dunklen Linien. Der Druck auf die Spitze ist zu hoch, die Linie wird gleichförmig, schwer,  zu präsent.  Das ist perfekt für das leserliche Schreiben.

Aber für die Kunst?

Eine harte Linie macht Korekturen schwierig! Die Linie verliert ihre schwingende Heiterkeit!

Schau dir dieses Video auf Instagram an, dann siehst du, wie ein Stift tanzen kann:

Und noch etwas! Das Gute und Schöne hat es in sozialen Netzwerken extrem schwer, weil wir seltener geteilt und kommentiert werden als das Chaos der Welt. Also teil mich, kommentiere – so kann ich auch mit dir ins Gespräch kommen!

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Du siehst, ich halte den Stift weit hinten, halte mit der Hand Abstand vom Blatt, damit der Stift tanzt und nicht beschwert wird!

Beim Malen wird das Problem noch deutlicher.
Ein Pinsel, der unter zu viel Druck steht, kann nicht mehr halten, was er trägt. Er beginnt zu spucken. Wasser und Farbe entladen sich unkontrolliert. Es entstehen dicke Linien und  Wasserflecken.

Viele versuchen dann, dieses Problem durch noch mehr Kontrolle zu lösen.

Sie greifen fester, korrigieren langsamer, arbeiten vorsichtiger. Doch genau das verschärft die Situation.

Denn die Ursache liegt nicht im Werkzeug. Sie liegt im Kontrollfreak der dahinter sitzt!

Stift- und Pinselhaltung macht unsere Kunst klein.

Solange die Führung des Stifts oder Pinsels aus einer verkrampften, statischen Haltung heraus geschieht, kann keine delikate, spielerische Linie entstehen. Die Bewegung bleibt klein. Die Linie bleibt gefangen. Die Malerei verliert Leichtigkeit.

Und hier zeigt sich das nächste, tiefere Problem:

Wir sind auf die Spitze fixiert.

Unsere Handhaltung zwingt uns geradezu, ausschließlich mit der Spitze zu arbeiten. Sie erlaubt uns kaum, den Stift oder Pinsel wirklich zu bewegen.

Statt eines Instruments haben wir plötzlich ein starres, gut fixiertes Werkzeug in der Hand. Mehr Hammer als Taktstock!

Zahlreiche Wege um Pinsel und Stift zu bewegen:

Dabei liegen abseits der Spitze ungeahnte Zeichen- und Malmöglichkeiten.

Ein Stift kann kippen und damit kann er flächig arbeiten, weich, suchend, tastend. Ein Pinsel kann das gleichen. Doch viele Techniken bleiben uns verschlossen, solange alles halten wie eine fixierte Säge.

Professionelle Zeichnungen und Malereien entstehen nicht durch maximale Kontrolle, sondern durch ein vielfältiges Repertoire an Bewegungen.

Wer professionell zeichnen und malen möchte, muss bereit sein, diese Haltung zu verändern.

Wer weiter hinten greift , hat nicht das gesamte Gewicht des Armes auf dem Stift liegen.

Sobald sich die Last von der Spitze löst, verändert sich alles. Die Linie wird heller, lebendiger, variabler. Sie darf dünn sein, dann wieder verschwinden, dann wieder dick werden.

Wer den Druck auf der Hand reduziert, kann sich besser bewegen. Die Hand liegt nicht mehr auf dem Tisch, ergeben sich unzählige neue Bewegungsmöglichkeiten.

Plötzlich ist die Hand nicht mehr kontrolliert und fixiert! Mann kann aus der Hand, aus dem Handgelenk und mit dem Arm arbeiten. Wer sich hinstellt, wird völlig frei. Nun kann man die Zeichnung und Malerei wie Musik in Bewegung umsetzen. Dein Körper kann die Zeichnung fühlen und Die Gefühle in Bewegung umsetzen und dadurch wird die Zeichnung ausdrucksstark. Das wichtigste an der neuen Stift- und Pinselhaltung ist, das sie Bewegung zulassen muss.

Also nicht statisch und gebeugt über dem Stift oder Pinsel hocken! Ihm die Haltung einer Königin an! Und ihr Jungs dürft Herrscher sein!

Stift- und Pinselhaltung -Bewegung fühlt sich an, wie der Verlust der Kontrolle:

Wenn wir beginnen, den Stift oder den Pinsel weiter hinten zu fassen, passiert zunächst etwas sehr Verunsicherndes:

Wir verlieren scheinbar die Kontrolle.

Die Linie fühlt sich ungenau an, der Strich wird größer, die Bewegung weniger berechenbar. Viele beschreiben dieses Gefühl als unkontrollierbar oder fremd. Und das ist völlig normal.

Diese Handhaltung ist ungewohnt, weil wir sie im Alltag kaum benutzen.

Wir wurden auf Kontrolle trainiert, nicht auf Freiheit, Feingefühl oder Wildheit XD.

Doch dieses Gefühl gibt sich. Du erlangst einfach mehr Repertoire. Nicht sofort, aber spürbar.

Denn was wir anfangs als Kontrollverlust empfinden,

ist in Wahrheit nur der Verlust einer sehr engen, begrenzenden Kontrolle.

Tipp 1: Fass denn Stift im hinteren Drittel an und beginne zu Zeichnen. Aber Obacht, deine Hand wird immer wieder nach unten rutschen!

Sobald sich der Körper an diese andere Handhaltung gewöhnt, zeigen sich deutliche, positive Veränderungen.

Zunächst wird die Bewegung größer.
Nicht nur die Finger arbeiten, sondern das Handgelenk, der Unterarm, manchmal sogar der ganze Arm. Linien entstehen aus Schwung, nicht aus Druck. Sie werden ruhiger, klarer, lebendiger.

Der Druck auf die Spitze nimmt ab.
Das ist entscheidend. Linien werden heller, variabler. So kann man suchend arbeiten, den die zarten hellen Linien stören später nicht. Beim Malen hört der Pinsel auf zu spucken.  Wasser und Farbe werden gehalten statt herausgepresst. Der Farbauftrag wird kontrollierter –

paradoxerweise gerade weil wir weniger kontrollieren wollen.

Plötzlich werden ganz feine Linien möglich und unser Pinselstrich wird delikat.

Mehr Möglichkeiten durch neue Stift und Pinselhaltung:

Besonders spannend wird es, wenn man beginnt, mit den verschiedenen Bereichen des Werkzeugs zu arbeiten.  Hält man Stift und Pinsel weiter hinten, kann man die Hand drehen und kann das Werkzeug von der Seite benutzen.

Dadurch erhält man in einer Bewegung nicht nur eine starke Veränderung der Strichstärke und dies wird deine Bilder enorm ausdrucksstark machen.

 Ein Stift kann flächig eingesetzt werden, weich, suchend, skizzenhaft.  So kann man rasant Schraffieren. Oder einen Schatten in einer Linie setzen ohne abzusetzen.

Ein Pinsel kann streifen, kippen, gleiten. Er kann in einem Moment lasieren und mit einer drehung des Handgelenkes ausdrucksstarke gebrochene Striche erzeugen. Diese Vielfalt erschließt sich erst, wenn die Handhaltung Bewegung erlaubt.

So ist es sinnvoll mehrere Hand- und Körpehaltungen auszuprobieren.

Stift- und Pinselhaltung – Hand- und Körperhaltung -nicht eine sondern mehrere:

• Wenn ich wild ind frei arbeite- halte ich das Werkzeug hinten! Lasse es schwingen wie einen Taktstok.
• Wenn ich Flächig arbeite und schnelle gebrochene Linien möchte dann liegt mein Pinsel oder Stift in meiner Hand wie in einem Korb. So erreiche ich, das das Werkzeug auf der Seite liegt.
• Bei Langen feinen Linien stehe ich neben dem Blatt und schleife, schleppe den Stift oder Pinsel ohne druck auf mich zu. Die Bewegung kommt aus meinem Arm und mein Körper ist weit weg vom Blatt.

Meisterhafte Zeichnungen und Bilder brauchen eine trainierte und Abwechslungsreiche Motorik. Und das schwierigste daran ist nicht dein Mangeldes Talent, sondern eine Motorik die uns nicht erlaubt gut zu malen und zu Zeichnen!

Oft braucht man Hilfe um aus diesen Mustern herraus zu kommen. Mit etwas glück sind noch plätze in den nächsten Kursen frei!

Kurs

Ein oft unterschätzter Aspekt ist dabei die Zeichengeschwindigkeit.

Langsam zeichnen wirkt zunächst sorgfältig. Doch zu langsames Zeichnen ist häufig ein Zeichen von Unsicherheit. Die Linie wird zögerlich, mehrfach angesetzt, korrigiert. Sie verliert ihre Klarheit.

Der Mensch sieht leider sofort wenn ein anderer Mensch unsicher ist!

Mit einer geöffneten Körperhaltung kann man schnell und stark arbeiten.

Eine gute Handhaltung ermöglicht Geschwindigkeit.

Nicht Hast – sondern Fluss.

Schnellere Linien entstehen aus dem Arm, nicht aus den Fingern. Sie sind entschiedener, ehrlicher.  Paradoxerweise sehen sie oft richtiger aus als mühsam konstruierte Linien.

Die Handhaltung ist nicht nur Technik! Sie ist innere Freiheit!

Wer großartig Zeichnen und Malen will braucht 2 Grundzutaten:

Eine gute Haltung und Furchtlosigkeit!

Lebendigkeit schlägt Perfektion!

Liebe Grüße Tine

Wie du selbst weißt, ist Kunst nicht nur ein schönes Ergebnis – sie bedeutet Zeit, Hingabe und unzählige Stunden Arbeit. Dahinter stecken Begeisterung, Erfahrung und ganz viel Herzblut. Genau so ist es auch bei mir. Und gerade deshalb brauchen kreative Projekte ein Budget, damit sie weiter wachsen und entstehen können.

Wenn du meine Arbeit unterstützen möchtest, freue ich mich über deine Spende. Du hilfst damit, für Dich zu schreiben! Danke, dass du Teil davon bist.

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Hast du Lust im neuen Jahr deine Zeichnungen und Aquarelle direkt besser zu machen?

Dann lege ich dir Zeichnen mit Graphit ans Herz.

Graphit ist der normale Bleistift, also eine Sache die dich preiswert und schnell gut macht! Aber Graphit gibt es  in den unterschiedlichsten Formen! Als Staub oder als Aquarellfarbe!

Auch Aquarellisten sollten diesen Artikel ruhig lesen, denn die Tonwerte sind nicht nur der häufigste Fehler beim Zeichnen, sondern auch eine kniffelige Sache mit Aquarell.

Im Aquarell kann man die Grundlagen des Tonwertes kaum lernen, denn  es ist extrem schwierig sich auf das Aquarellieren und den Tonwert gleichzeitig zu konzentrieren. Oft gilt, ein gutes Aquarell braucht eine gute Tonwertskizze und so sind wir beim Thema Zeichnen mit Graphit.

Warum wirken so viele Zeichnungen schwach, obwohl sie sauber gezeichnet sind?

Fast immer liegt es an fehlenden oder zu zaghaften Tonwerten.

Eine Zeichnung ohne Tonwerte ist wie ein Satz ohne Betonung.

Es gibt ja auch keine Musikstücke, die man nur mit einer Note spielt, selbst eine Trommel hat unter schiedliche Klänge.

Das Auge hat Sensoren für Hell und Dunkel, sie heißen Stäbchen. Und wenn man diese gut reizt, wirkt ein Bild immer gut!

das hier ist ein Bild mit flüssigem Graphit, also wie Aquarell vermalbar.

Hat man keine Tonwertunterschiede, dann wirken Bilder immer ausdruckslos und das kennen Zeichner und Aquarellisten sehr gut! Stuft man aber die Grautöne, wie oben im Bild stark ab, wird es nicht langweilig.

Zeichnen mit Graphit! Fehlende Tonwerte haben Auswirkungen.

Zeichnungen mit fehlenden Tonwerten bleiben flach, weil sie dem Auge keine Abstufungen anbieten. Alles ist gleich hell, gleich wichtig, gleich laut. Das menschliche Sehsystem funktioniert jedoch über Kontraste. Alle Objekte im Licht haben eine helle und eine dunkle Seite. Wir erkennen Formen nicht über Linien, sondern über Hell-Dunkel-Unterschiede.  Ist das Licht gleich gibt es keinen Raum.

Deshalb stehen Kontraste und Licht im Zentrum jeder starken und räumlichen Zeichnung.

Warum sind Zeichnungen mit Licht so attraktiv?

Weil Licht sexy macht! Sexy ist, dass unser Auge an Licht gewöhnt ist! Das Auge erkennt die Art von Schatten genau. Wir sehen sie ja seitdem wir das erste Mal die Augen aufgeschlagen haben.

Lichtseite, Halbschatten, Kernschatten, Reflexlicht.

Das ist das was uns Informationen über den Raum gibt! Hast du diese 4 Lichtstufen, dann erwacht eine Zeichnung zum Leben!

Selbst Zeichnungen, die ganz einfach sind oder auch massiv fehlerhaft, werden durch Licht zum Leben erweckt.

Licht ist die Sprache des Auges!

Also merke, deine Zeichnungen brauchen immer 3 bis 4 Tonwertstufen.

Beim Zeichnen mit Graphit ist das besonders einfach machbar. Graphit kann extrem Zart, aber auch tief dunkel sein. Dieses Spannungsfeld macht den Reiz aus.

Das Material beim Zeichnen mit Graphit:

Zarte Tonwerte:

Also ist es wichtig unterschiedliche Graphit Stifte zu benutzen.

Die etwas härteren Graphit Stifte sind zart und silbergrau. Mann kann jeden Graphitsift durch Druck in der Helligkeit variieren. Ich empfehle hier Hb , H, 2B, 4B

Tipp: Aufgepasst bei jeder Firma sind die Härten anders!

Der zarte Ton ist alleine langweilig und ausdruckslos, wird aber beim Zeichnen mit Graphit gebraucht um eine Brücke zwischen Hell und Dunkel zu bauen.

Also sollte man mindestens 2 Stifte haben.

Einen der heller ist und einen ganz weichen Stift, mit dem man die dunklen und scharzen Tonwerte erzeugt.

Lichter beim Zeichnen mit Graphit:

Lichter kann man bei Graphit im nachhinein in die Zeichnung radieren. Wunderbar sind auch Knetradierer, die das Graphit besonders gut radieren und die man in jede beliebige Form bringen kann.

Besonders gut sind ebenfalls harte eckige Radierstifte, mit ihnen kann man auch helle Linien in die Zeichnung einfügen.

Das sieht man wunderbar in dem Bild was gleich kommt! Das sieht enorm attraktiv aus. Und entfaltet in deiner Zeichnung eine starke Wirkung.

Ein Radierstift oder ein Knetradierer ist dabei Gold wert. Du kannst Licht regelrecht zurückholen. Zeichnen mit Graphit ist kein Einbahnstraßenprozess, sondern ein Dialog zwischen Auftragen und Wegnehmen.

Zeichnen mit Graphit, der Mittelton, oft sind dies die großen Flächen!

Um schwierigsten sind übrigens die großen mausgrauen Flächen im Mittelton zu gestalten.

Hier sollte man eher malerisch Zeichnen, denn Flächen werden oft ungewollt zum Killer guter Zeichnungen, weil sie hässliche Strukturen enthalten.

Du bist genervt von der Fläche und schon kritzelst du los!

Ein normaler Papierwischer für ein paar Rappen oder Cent hilft dir gleichmässige Flächen mittleren Tonwertes anzulegen. Mit ihm lassen sich Tonwerte weich verteilen, Flächen verbinden und Übergänge erzeugen. Viele haben Angst davor, weil sie denken, das sei „Schummeln“. Ist es nicht. Es ist Zeichentechnik.

Der vierte Tonwert ist Schwarz.

Und Schwarz ist wie Salz und Pfeffer.

Ein bisschen davon hebt alles an, zu viel zerstört das Gericht. Schwarz setzt man sparsam ein, gezielt, bewusst. Es ist kein Flächenfüllton, sondern ein Akzent. Dort, wo maximale Tiefe gebraucht wird: in Kernschatten,.

Für diesen Schatten braucht man weiche Graphit stifte oder einen Graphitstift den man flüssig vermalen kann.

Im Härtegrad arbeite ich gern mit 6B und 8B oder…. mit wasserlöslichem Graphit.

Tipp: Taucht man einen Löslichen Graphitstift kurz ins wasser erzäugt er, eine enorme Schwärze!

Tonwerte sind kein Beiwerk.

Tonwerte sind das Fundament für lebendige Aquarelle und Zeichnungen. Das Zeichnen mit Graphit hift dir zu erkennen wie du Bilder mit Licht und Schatten attraktiv gestaltes.

Warum bügeln Tonwerte selbst bei lockeren Zeichnungen so viele Fehler aus?
Weil Tonwerte Struktur schaffen, wo Linien unsicher sind. Eine Zeichnung darf wackelig, skizzenhaft oder frei sein – wenn die Tonwerte stimmen, wirkt sie trotzdem überzeugend.

Weil das Licht wie im Leben ist.

Tonwerte stabilisieren eine Zeichnung. Sie halten sie zusammen.

Liebe grüße Tine

Hier gibt’s Inhalte statt Klickfallen, Tiefe statt Werbung und Kunst ohne Hintergedanken. Klingt gut? Finde ich auch. Aber so ein Ort entsteht nicht von allein. Farben, Papier, Zeit, Energie – all das kostet. Wenn du willst, dass es diesen Raum weiterhin gibt, dann unterstütz ihn. Nicht aus Pflichtgefühl, sondern weil du ihn magst.

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Wir möchten alle locker zeichnen und kolorieren.

Zeichnen und Kolorieren wirken auf den ersten Blick wie klar definierte Tätigkeiten. Man zeichnet etwas, danach wird es ausgemalt. Diese Vorstellung ist tief verankert und begleitet viele Menschen seit der Kindheit. Sie ist vertraut, logisch – und gleichzeitig erstaunlich einschränkend.

Anders ist dies in meinen Kursen: https://blog.herz-der-kunst.ch/aktuelle-kurse/

Ich saß in meiner Kindheit am Küchentisch und habe Malhefte ausgefüllt. Meine Mutter kochte, und wenn ich nicht ordentlich ausgemalt habe, gab es ein bisschen Gemecker.

Die erste Vorstellung von Zeichnen und Kolorieren ist bei vielen stark vom Ausmalen geprägt.

Und ich glaube, ich bin nicht die Einzige, die diese Erfahrung aus Kindheit und Schule in sich trägt.

Diese Erfahrung ist begrenzend.

Sie setzt uns von Anfang an Grenzen im Kopf. Grenzen, die sich später schwerwiegend in unseren Zeichnungen zeigen und auch unsere Malerei einschränken.

Denn Zeichnen und Kolorieren können weit mehr sein als das saubere Ausfüllen vorgegebener Formen. Sie können ein offener, spielerischer Prozess sein, in dem Linie, Fläche und Farbe miteinander tanzen, sich annähern, trennen und neu verbinden.

Serendipity beschreibt den glücklichen Zufall, der entsteht, obwohl man ihn nicht geplant hat. In der Zeichnung und beim Malen zeigt er sich im Zusammenspiel von Linie und Farbe: Ein Verlauf läuft anders als gedacht, eine Linie trifft unerwartet auf eine Farbfläche – und plötzlich entsteht etwas Lebendiges. Freilich ist dieser Glücksgriff nicht wirklich zufällig.

Er entsteht aus Erfahrung, Offenheit und der Fähigkeit, das Unerwartete nicht als Fehler zu verwerfen, sondern als Chance zu erkennen und weiterzuführen.

Zeichnen und Kolorieren ist ein Tanz.

Serendipity nutzen heißt zu entdecken, dass die Verbindungen zwischen Zeichnung und Farbe viel vielfältiger sind, als man denkt.

Trotzdem bedeutet lockeres Zeichnen und Kolorieren nicht Beliebigkeit.

Es bedeutet bewusste Freiheit.

Tatsache ist: Man braucht keine harte Linie, um die Farbe zu begrenzen.

Linie und Farbe können sich voneinander trennen. Auch wenn sie sich nicht an die gleichen Linien und Formen halten, können sie dennoch zusammenwirken.

Wenn sich Linie und Farbe trennen.

Aus herkömmlicher Sicht wird das oft als Unsauberkeit wahrgenommen.

Aus künstlerischer Sicht hat es jedoch riesige Vorteile. Denn Farbe und Linie können dann so eingesetzt werden, dass sie ihre Möglichkeiten optimal ausschöpfen.

Man kann die Kombination von Farbe und Linie neu zusammensetzen. Das eröffnet dem lockeren Zeichnen und Kolorieren ganz neue Möglichkeiten.

Freiheit:

Trennen sich Farbe und Linie, kann man ganz einfach Fehler korrigieren.
Hat man zum Beispiel etwas zu groß gemalt, dann zeichnet man es einfach kleiner – siehe Turm 1.

Dieser lockere Umgang macht den Zeichner frei.
Er führt zu einzigartigen, freien Kunstwerken.

Man könnte meinen, ich korrigiere meine Fehler dabei eher schlecht als recht. Doch es ist anders: Ich kann zwei verschiedene Sichtweisen auf einmal zeigen. Das macht das Motiv unglaublich spielerisch und interessant.

Trennt man Fläche und Linie, öffnet sich ein Raum für neue Möglichkeiten. Die Farbe darf größer, kleiner, freier sein als die Zeichnung. Sie darf über Ränder hinauslaufen oder sich bewusst zurückhalten. Die Linie wiederum kann unabhängig reagieren:

Sie kann korrigieren, kommentieren oder sogar widersprechen.

Deshalb ist es erstaunlich klug, nicht immer alles einförmig und korrekt zu machen.

Tipp: Locker werden ist leicht, wenn Fehler erlaubt sind.

Interessante Effekte:

Apropos interessant!

Wenn ich zum Beispiel einen Turm anders zeichne als male, bekommt das Zeichnen und Kolorieren einen zweiten Aspekt.

Der spielerische Umgang mit der Form erzeugt Interesse.

Der vermeintliche Fehler wirkt spannend und stärkt damit die Bildaussage.

Tipp: Gerade im Hauptmotiv wirken interessante Effekte Wunder.

Was als „Fehler“ empfunden wurde, wird plötzlich zu einem Gestaltungsmittel.

Neue Informationen durch freies Zeichnen und Kolorieren:

Laufen Linie und Farbe absolut parallel, wirkt alles sehr ordentlich.
Ordentlich sein ist oft wünschenswert, doch in der Kunst kann es hinderlich sein, weil es uns um Ausdrucksmöglichkeiten beraubt.

Beispiel:
Links neben dem ersten Turm gibt es ein Dach. Die Dachlinie wurde quer durch die Farbe geschwungen. Ein Fehler? Nein.

Besonders interessant wird es, wenn Fläche und Linie unterschiedliche Informationen transportieren. Die Farbe kann Masse, Material oder Alter zeigen, während die Linie Bewegung, Instabilität oder Licht andeutet. Ein Dach, dessen Linie durch die Farbe hindurchläuft, erzählt mehr als eine saubere Kontur: Es wirkt eingesunken, alt, müde.

Das Bild beginnt zu sprechen.

Tipp: Der Stift kann auf der Farbe oder Fläche neue Details zeigen, ohne dass es zu auffällig wird.

Interesse steuern beim Zeichnen und Kolorieren:

Unterhalb von Turm 1, am unteren Rand der Zeichnung, gibt es eine ganze Reihe Häuser. Diese Häuser würden das Bild zerstören.

Warum?
Weil ein neues Motiv unter einem Hauptmotiv die Aufmerksamkeit vom Wesentlichen abzieht.

Bilder zerbrechen daran, dass sie chaotisch wirken.

Die Lösung:
Ich male mit brauner Tinte auf brauner Farbe. Das Motiv ist vollständig vorhanden, aber die Aufmerksamkeit bleibt im Bildzentrum.

Läuft eine Linie neben der Farbe, erzeugt sie viel mehr Aufmerksamkeit als eine Linie, die ohne großen Tonwertunterschied auf einem farblichen Untergrund verläuft.

Eine Linie mit starkem Kontrast ist laut.

Beim zweiten Turm rechts verläuft die rechte Turmlinie durch das weiße Papier. Das erzeugt deutlich mehr Aufmerksamkeit, als wenn sie fast unsichtbar an die Farbe gekoppelt wäre.

Ob der Strich also mit der Farbe verläuft oder sich von ihr löst, macht einen starken Unterschied in der Wahrnehmung des Betrachters.

Tipp:
Eine Linie auf weißem Papier zieht sofort Aufmerksamkeit auf sich. Sie wirkt klar, präsent, fast laut. Wird dieselbe Linie auf einer ähnlich dunklen oder farbnahen Fläche gesetzt, tritt sie zurück. Sie ist noch da, aber sie drängt sich nicht auf.

Das Licht einfangen:

Das Entkoppeln der Linie von der Farbe hat noch einen weiteren wunderbaren Effekt.
Entkoppelt man die Linie, fängt man das Licht ein.

Das sieht man beim zweiten Turm rechts. Er wirkt viel lichter als die braune Turmspitze daneben.

Tipp: Die Linie auf der Lichtseite entkoppeln oder ganz weglassen.

Doch es geht auch anders.
Ganz links im Bild gab es kaum noch Licht, das Bild wirkte trist.
Ein kleiner Schwung mit der Linie ins weiße Papier holt das Licht zurück ins Motiv.

Tipp: Wird die Linie bewusst vom Farbauftrag gelöst, entsteht Helligkeit. Das Motiv atmet.

Zeichnen und Kolorieren wird viel vielfältiger durch die Entkopplung von Farbe und Linie.

Die Farbe gibt das Gefühl, die Linie wirkt stärker in der Formgebung.

Die Linie macht den Klecks zum Baum. Besonders spannend ist dieser Effekt in natürlichen Formen. Ein Farbklecks allein ist abstrakt. Erst die Linie macht ihn lesbar. Ein paar gezielte Striche – und der Klecks wird zum Baum. Die Farbe liefert das Gefühl, die Linie gibt Form und Charakter.

Locker zeichnen und kolorieren – weniger ist mehr.

Locker zeichnen und kolorieren heißt also nicht, weniger zu können, sondern mehr zuzulassen. Fehler werden zu Möglichkeiten. Korrekturen werden sichtbar und damit ehrlich. Das Bild zeigt nicht nur ein Motiv, sondern auch den Weg dorthin. Doch eine Linie ist eine starke Aussage.

In unwichtigen Bereichen lässt man Linien bewusst weg.

Sei ehrlich und zeige, was du liebst. Bei den Dingen, die du nicht liebst, machst du weniger. Das ist hochinteressant, denn so zeigst du, wie du die Welt siehst.

Liebe Grüße ins Wochenende
Tine

Deutschsprachige Kultur entsteht nicht von allein.
Sie braucht Zeit, Erfahrung – und Menschen, die sie möglich machen.

Hast du hier etwas gelernt?
Hat dir das Fachwissen geholfen, freier zu sehen, anders zu denken oder mutiger zu arbeiten?

Dann stell dir eine einfache Frage:
Was ist dir dieses Wissen wert?

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In 14 Tagen startet der erste Kurs der Kursserie.
Sei doch dabei. Lesen ist das eine – verstehen ist die andere Seite.
Komm spontan zu uns in die Kurse.
Ich freue mich sehr, dich zu sehen und zu unterstützen.

Aktuelle Kurse mit Tine Klein

Weiterlesen bei Tine:

Kolorieren: 5 Tipps zum lockeren Kolorieren

https://blog.herz-der-kunst.ch/kolorieren-5-tipps-zum-lockeren-kolorieren/

Kann dir ein 100 Jahre alter Zeitungsartikel helfen, besser zu zeichnen und zu malen?

Oh ja, denn man muss das Rad nicht immer neu erfinden. Das, was jetzt folgt, ist nicht langweilig und schon gar nicht veraltet.  In meiner neuen Unterrichtsserie lehre ich unter anderem gestisches Zeichnen. Braucht du Unterstützung komm in den Kurs: https://blog.herz-der-kunst.ch/aktuelle-kurse/

Gestisches Zeichnen ist eine Art des Zeichnens, die nicht über viele kleine Linien zur fertigen Zeichnung führt.

Gestisch Zeichnen – man sucht die große Bewegung!

Deine spontanen Zeichnungen und Pinselskizzen werden durch diese Technik sofort besser.

Weil man mit zwei, drei Strichen das Wesentliche festhält, bleibt die wirkliche Aussage erhalten. Die Zeichnung oder auch die Pinselskizze bekommt dadurch eine enorme Stärke! Gleichzeitig lernt man sogar, Bewegungen festzuhalten, weil man sich auf den wesentlichen Schwung konzentriert.

Und damit füllt sich dein Skizzenbuch mit aufregenden und lebensechten, lebendigen Zeichnungen.

Ich kenne den besagten Artikel schon sehr lange. Er lag im Kämmerchen meiner Großmutter und stammt aus dem Nachlass meines Großvaters. Er hat wahrscheinlich nur überlebt, weil sie ihn als Schrankpapier benutzt hat. Für die Jüngeren von euch: Was ist Schrankpapier? Das macht man auf Regalbretter, damit das Holz nicht verschmutzt.

Es ist also die Ironie der Geschichte, dass der Artikel, der mich künstlerisch am meisten beeinflusste, unter den selten genutzten Schuhen meiner Großmutter lag.

Gestisch zeichnen – die Tanzkurven von Kandinsky.

„Tanzkurven: Zu den Tänzen der Palucca“ (1926)

Leider kann ich hier das Werk nicht hochladen, weil ich nicht weiß ob es copyrightfrei ist!es trotz allem noch nicht copyrightfrei ist. Aber auf Pinterest findet ihr alles.

Die Tanzkurven findet ihr auf Pinterest.

Der Artikel von Wassily Kandinsky entstand aus seiner Zusammenarbeit mit der Tänzerin Gret Palucca. Ausgangspunkt waren Fotografien ihrer Tanzbewegungen.

Kandinsky nutzte diese Fotos jedoch nicht, um den Tanz zu dokumentieren, sondern um ihn für die Zeichnung zu analysieren.

Er zeigt die Bewegung der Tänzerin ohne jegliches anatomische Detail.

Kandinsky findet die einfachste Linie. Dies ist fast brutal.

 Und die entstehenden Striche und Kurven sind erstaunlich erzählerisch.

Wir können davon lernen, wie wenig man braucht, um das Wesentliche in Zeichnung und Malerei festzuhalten. Das gestische Zeichnen wird dich überraschend stark und schnell machen, weil du Dinge ohne großen Aufwand zeigen kannst.

Es geht nicht um Äußerliches, sondern um die innere Gesetzmäßigkeit der Bewegung.

Und das macht es so gut und so einfach!

Tanzkurven: Diese Linien folgen nicht der Kontur des Körpers, sondern der Richtung, dem Schwung und der Spannung der Bewegung.

Gestisch Zeichnen -so geht es.

Ich selbst benutze dieses System, wenn ich gestisch zeichne.

Wenn ich eine Person zeichne, dann halte ich die Körperposition in zwei Linien fest.

Die eine Linie geht vom Kopf bis zum Boden.

Diese kann noch durch ein zweites Bein ergänzt werden.

Die andere Linie ist der Winkel der Arme zueinander.

Zwei Linien, und ich habe die Position! Das macht mich schnell und spontan! Ich konzentriere mich auf das Wesentliche, und damit sitzt es!

Gestisches Zeichnen – die innere Ordnung.

Einfach!

Für Menschen, die zeichnen und malen, ist dies besonders wichtig. Denn es lässt dich das Wesentliche sehen.

Ein zentraler Gedanke des Artikels ist, dass jede Bewegung einer inneren Ordnung folgt.

Kandinsky betont, dass diese Kurven keine dekorativen Linien sind. Sie sind Analyseinstrumente.

Sie reduzieren die Bewegung so weit, dass nur noch ihr Kern übrig bleibt.

Und dies mache ich mir beim gestischen Zeichnen zunutze!

Gestisches Zeichnen sorgt also dafür, dass alles verständlicher wird.

Schnickschnack macht deine Zeichnungen kaputt.

Mit dem gestischen Zeichnen kann man schnell Serien erstellen.

Und natürlich: Wenn man flott zeichnet oder malt, dann entstehen Fehler. Die eine schnelle Skizze wird gut, eine andere eben nicht!

Die rechte finde ich gruselig, die linke richtig gut!

Die meisten Zeichner, die nicht gut zeichnen können, scheitern nicht an ihrer Unfähigkeit und auch nicht an mangelndem Talent. Sie scheitern daran, dass sie sich in ihren vielen kleinen Linien verirren. Alles wird schwer und kompliziert. Dadurch gehen die wesentlichen Proportionen und die wesentliche Aussage flöten!

Die meisten Bilder und Zeichnungen gehen durch zu viel kaputt!

Legst du aber zuerst die grundlegende Geste auf das Blatt, dann verdichtest du die grundlegende Aussage und hast es dann später beim Zeichnen einfacher!

Du kannst schnelle Serien malen und zeichnen, und nichts macht dich besser!

Gestisches Zeichnen – jeder Zeichner und Maler muss neu sehen lernen.

Die Tanzkurven stehen exemplarisch für eine neue Form des Sehens. Sie zeigen, dass Kunst nicht abbilden muss, um zu erfassen. Sie kann reduzieren und ordnen – und dadurch zu größerer Klarheit gelangen.

Und deshalb solltest du zuerst lernen, die wesentlichen Linien und Schwünge zu beobachten.

Zusammengefasst würde ich über Kandinskys Artikel sagen:

Der Artikel ist keine Tanzkritik und auch kein kunsthistorischer Text, sondern eine methodische Untersuchung, wie man schnell und effektiv Bewegung festhält.

Kandinskys Ideen sind nützlich und übertragbar, egal auf welche Kunstrichtung.

Hier sieht man ein Drei-Minuten-Aquarell, darunter liegt in Beige die Tanzkurve. Kannst du Reste der Tanzkurve erkennen?

Der große Fortschritt liegt nicht darin, immer mehr richtig zu machen, sondern darin, das Wesentliche nicht zu verwässern.

Es einfach rauszuhauen!

Kandinsky selbst hätte das Hinzufügen von Details wahrscheinlich als Verwässerung empfunden!

Ich jedoch sage:

Mach mit diesem wertvollen Wissen, was du möchtest, aber nutze es!

Sei pragmatisch. und das bedeutet benutze einfaches Material!

Sei pragmatisch. Und das bedeutet: Benutze einfaches Material!

Ein praktisches und schnelles Werkzeug ist angesagt.

Wir brauchen zuerst eine grobe Linie, die die Geste, das Strichmännchen, festhält.

Dann sollte der Stift oder Pinsel in der Lage sein, der Linie Volumen zu verleihen.

Ich benutze deshalb dicke Werkzeuge. Gerne arbeite ich mit japanischen Pinselstiften, gefüllt mit Tusche, Zimmermannsbleistiften oder dicken Pinseln.

Wichtig ist: Feine Stifte oder Pinsel eignen sich für diese Technik nicht! Sie können die Tanzkurve nicht in eine Fläche umwandeln. Noch schlimmer: Sie verleiten zu vielen Linien und Details!

Gestisch zeichnen heißt, dass man sich vom absoluten Minimum an das richtige Maß an Detail herantastet.

Und weniger ist mehr, deshalb lieber dicke Werkzeuge!

Fügt man Detail hinzu, wird die Skizze an einem Punkt umkippen. Sie wird verwässert, überfrachtet, hässlich und aussagelos. Der Kipppunkt ist überschritten, die Zeichnung zerfällt.

Lasse gute Skizzen so, wie sie sind! Diese hier wurde mit einem Tuschepinsel mit Tank gemacht.

Liebe Grüße
Tine

Liebe Grüße Tine!

Wertvolles Wissen!

5000 lesen – nur eine Handvoll spendet.
Ein bisschen peinlich… und deshalb ein umso größerer Dank an euch!
Ihr seid die stillen Heldinnen und Helden im Hintergrund.
Danke, dass ihr Kultur nicht nur genießt, sondern tragt. 

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Die neuen Zeichenkurse sind da!

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Schnee zeichnen ist eine kleine Zumutung, die trotzdem Spaß macht.

Ähh, wie zeichnet man ein reflektierendes Nichts? Eigentlich möchte man sich dabei am Kopf kratzen.

Gerade mit Tinte geht es für mich gefühlt gar nicht. Dieses typische Schneegefühl stellt sich nur ein, wenn man unglaublich viel Zeit hineinsteckt.

Lasst uns mal einen kleinen Schlenker machen. Dieser Blog wird ja von Menschen gelesen, die gerne zeichnen und malen. Und ein kleiner Blick über den Tellerrand kann enorm helfen!

Schnee malen ist einfacher als Schnee zeichnen.

Beim Malen hat man es einfacher.

Denn Schnee ist beim Malen nicht nur weiß. Beim Malen kann man zu einem kleinen Trick greifen.

Schnee ist kalt.

Und das kann sich jeder Maler zunutze machen.

Denn möchte man Schnee malen, dann kann man einfach zu blauer Farbe greifen, und der Betrachter merkt: Ah, da ist etwas auf dem Boden, und es ist kalt.

Der kleine Trick mit der blauen Farbe macht es uns einfach!

Doch auch Aquarellmaler sollten diesen Artikel lesen, denn das kleine Philosophieren über das Schneezeichnen hilft uns, auch beim Malen viele Fehler auszubügeln.

Schnee ist eigentlich nichts!?

Das ist natürlich Quatsch. Wer schon mal Schnee geschaufelt hat, weiß:

Ders hat eine ganze Menge Volumen, und Schnee ist schwer.

Und genau hier beginnt das Problem beim Malen und Zeichnen. Man muss sich zwingen, das Blatt weiß zu lassen. Malt und zeichnet man den Schnee aber nur weiß, dann ist das Blatt leer.

Trotzdem: Finger weg! Ist das weiße Papier weg, ist auch der Schnee weg!

Schnee zeichnen ist schwarz-weiß!

Ist ja schon verrückt, weißen Schnee mit einem schwarzen Stift zu zeichnen!

Das geht nur mühsam. Also gucken wir uns doch mal das Aquarellbild in Schwarz-Weiß an, vielleicht hilft dies.

Hier steckt unglaublich viel drin, das uns beim Zeichnen hilft.

Aha, da ist also noch eine Menge heller Fläche, obwohl da vorher Farbe war!

Aber schaut mal genau hin!

Der Schnee hat Kanten!

Der Schnee hat eine ganze Menge Volumen, und an den Kanten des Schnees entstehen Schatten.

Also entstehen an den Schattenseiten des Schnees zarte Schattentöne. Denn selten haben wir bei Schneewetter strahlenden Sonnenschein.

Aber eines bleibt sicher:

Die Kante malt und zeichnet den Schnee.

Schnee zeichnen – Schnee ist schnell dreckig:

Wer den Schnee flächig zeichnet oder malt, erhält schnell schwere, graue oder dreckige Bilder.

Der bessere Tipp ist, sich auf die Kanten am Schnee zu konzentrieren.

Und dieser Tipp ist beim Aquarellieren genauso gut wie beim Zeichnen.

Wer beim Schnee zu viel zeichnet, gibt ihm Gewicht und macht ihn dreckig. Dies gilt auch fürs Aquarell.

Besonders wichtig sind für mich die Kanten.

Schnee lebt von Übergängen.

Manche sind weich und verlaufen so sanft, dass man sie kaum wahrnimmt. Andere sind plötzlich scharf:Eine verdichtete Spur, ein gebrochener Rand. Diese Wechsel zeichne ich bewusst. Nicht mit mehr Linien, sondern mit verändertem Druck.

Struktur ist gefährlich. Sie verführt. Ein paar Striche zu viel – und der Schnee ist weg.

Schnee liegt auf dem Gelände:

Struktur gebe ich beim Zeichnen nur dort, wo der Schnee eine Richtung hat.

Schnee häuft sich an. Er liegt über dem Gelände und Gegenständen. Schnee liegt selten zufällig. Er folgt Gelände, Wind, Gewicht.  Flächen kippen leicht. Und deshalb hat der Schnee oft eine Richtung, und es macht Schneezeichnungen häufig besser, wenn man das Volumen des Schnees zeigt.

Aber Vorsicht: Trotz der Strukturen muss genug Weiß bleiben.

Schnee zeichnen – zuerst die großen Strukturen und Kanten.

Ich arbeite lange ohne Radiergummi. Das zwingt mich, klare Strukturen und Formen anzulegen. Dann jedoch ist Radieren kein Werkzeug zum Reparieren.

Das Radiergummi ist praktisch zum Schnee zeichnen.

Schnee ist ein Reflektor. Er bricht und reflektiert das Licht, und deshalb wirkt die Landschaft bei Schnee so wie weichgezeichnet.

Mit dem Radiergummi kann ich nun dunkle Flächen und Linien brechen.

Das verstärkt den Eindruck von Schnee.

Beim Aquarellieren muss man oft Kanten brechen und auswaschen, um guten Schnee zu malen.

Beim Schnee zeichnen mit Graphit und Radiergummi hat man es einfacher.

Schnee zeichnen und malen – Dunkelheit spielt eine Schlüsselrolle.

Die dunklen Farben, zum Beispiel das Holz, das am Haus meiner Freundin Helena hervorblitzt, spielen eine Schlüsselrolle beim Zeichnen von Schnee.

Schnee zeichnen gelingt nicht, wenn man keine Dunkelheit hat.

Denn Schnee wirkt nur weiß, wenn es auch Schwärze im Bild gibt. Ich zeichne sie klarer, entschiedener. Sie geben dem Weiß Raum, sichtbar zu werden.

Schnee zeichnen ist ein Wechselspiel zwischen hell und dunkel.

Der größte Fehler beim Schneezeichnen ist, gleichmäßig hellgrau zu schraffieren. Warum? Wie schon oben erklärt, liegt der Schnee über der Landschaft und den Gegenständen. Deshalb braucht man beim Schneezeichnen viele Grautöne. Beim Aquarellieren benutze ich viele verschiedene graue, violette und blaue Schattierungen.

Schnee zeichnen – Zurückhaltung lohnt sich:

Obwohl der Schnee lebendig ist und viele Schattierungen hat, müssen doch große zusammenhängende weiße Flächen bleiben. Rhythmus ist sehr wichtig, um Schneebilder zu gestalten. Was ist Rhythmus? Rhythmus ist die Abfolge von hellen und dunklen Flächen. Kein Schnee ohne Formen – und diese entstehen durch den Wechsel von hell und dunkel.

Doch merke: Wer Schnee nur hell zeichnet, erzeugt gähnend langweilige Bilder.

Oder der Schnee bleibt unsichtbar. Könnte auch im Sommer sein.

Liebe Grüße Tine:

Und die Zeichenkurse beginnen bald!

Aktuelle Kurse mit Tine Klein

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Weiterlesen zum Thema Schnee:

Schnee malen – so wird’s frostig auf dem Papier

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Frohes neues Jahr. Schön, dass du hier bist und dir Zeit nimmst, das hier zu lesen.

Übrigens, die neuen Zeichenkurse sind da!

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Die Zeit zwischen Weihnachten und Neujahr ist für viele voller Glanz und Wärme. Für andere ist sie anstrengend. Auf diesen Tagen lastet ein enormer Erwartungsdruck. Harmonisch?

Ich persönlich finde diese Zeit herausfordernd. Lange Wege, alte familiäre Spannungen, Eifersucht, politische und soziale Gegensätze, die plötzlich ungefiltert am Tisch liegen. Eine Mischung, die man kaum kontrollieren kann. Man bemüht sich – und scheitert trotzdem daran, es allen recht zu machen.

Und genau hier berührt sich das Leben mit der Kunst.

Du kannst es nicht allen recht machen und das musst du auch nicht.

So sehr wir uns an Rückmeldungen, Anerkennung und Likes gewöhnt haben: Kunst ist etwas zutiefst Persönliches.

Irgendwann tauchen diese Fragen auf – leise oder sehr laut: Warum mache ich Kunst? Was gibt sie mir? Wohin will ich damit?

Ich mache Kunst, weil sie mich bereichert:

Sonntagmorgen, sehr früh, eile ich durch das eisige neue Jahr zum Bahnhof, noch tut mir als Morgenmuffel alles weh!

Mein Ziel? Kreativ sein, was erleben!

Meine Freundin und ich nutzen den Wintertag, um zu malen, wir gehen zum Neujahrstreffen der Urban Sketchers in Zürich. Aber das eigentliche Ziel sind schöne Beobachtungen. Der Zug fährt durch eine gefrorene Landschaft. Über dem Fluss stehen geisterhafte Schwaden, ein Ruderer rudert tapfer auf der Reuss, es sieht aus, als würde er in gefrorene, glitzernde Kristallluft rudern.

In Zürich bin ich deutlich früher als erwartet da, mittlerweile ist die Sonne aufgegangen, und das Licht fällt zauberhaft in die kalte Halle.

Und das alles nehme ich in mir auf!

Jetzt kommt meine Freundin, ich werde mit einer Umarmung belohnt! Wir starten bei eisigem Wetter zu einer Malexpedition!

Für mich hat das Kunstmachen drei zentrale Bedeutungen und deshalb brauche ich mehr Zeit fürs Malen und Zeichnen..

Die erste ist innere Ruhe.

Wenn ich male oder zeichne, verlagert sich meine Aufmerksamkeit vollständig ins Beobachten. Ich beobachte mit Haut und Haaren.

Gedanken, die sonst kreisen, werden still. Der Kopf wird ruhig, der Körper entspannt sich.

Ärger verliert an Gewicht.

Mit etwas Abstand werden Dinge, über die ich mich geärgert habe, unwichtig, und das ist eine schöne Sache, die mir sehr gut tut.

Strich für Strich gehe ich auf die Zufriedenheit zu.

Es ist kalt, wir sind dick verpackt, und die Sonne scheint uns auf den Pelz. Schöner als erwartet! Im Botanischen Garten ist es ländlich, ein Motiv, das man nicht in Zürich erwartet!

Ich genieße diese Zeit mit Gleichgesinnten. Aber woher nimmt man die Zeit?

Der zweite Aspekt ist die Naturbeobachtung.

Natur gibt es selbst in der Innenstadt (Botanischer Garten)

Draußen zu malen verändert alles. Licht, Kälte, Wind, Gerüche – die Welt drängt sich nicht auf, sie öffnet sich.

Farben werden intensiver, Formen klarer.

Ich fühle mich lebendig.

Selbst im Winter, wenn die Sonne tief steht und kalt ist, liegt darin ein unglaublicher Reichtum. Wer regelmäßig so arbeitet, verändert seinen Blick auf die Welt.

Und auf lange Sicht auch den Blick auf sich selbst.

Ich stelle fest, die winterliche Landschaft ist erstaunlich abwechslungsreich!

Genuss und Selbsttherapie liegen hier erstaunlich nah beieinander.

Der dritte Punkt ist Entwicklung.

Ich möchte besser werden.

In mir ist eine Triebfeder, die mich vorantreibt. Ich würde es nicht als Ehrgeiz beschreiben, eher als die Frage:

Was ist für mich möglich?

Wie geht es Dir dabei? Ich bin mir sicher, du kannst besser werden als du denkst!

Lernen empfinde ich nicht als Pflicht, sondern als Spiel.

Die Leute beim Treffen sind überrascht: Tine, hast du das Schwarz-Weiße gemacht? Toll, aber ich hab dich nicht erkannt!

Aufwärmen im Trophenhaus – Wintersketching ist auf dauer kalt XD.

Ich arbeite immer wieder bewusst in Schwarz-Weiß. Weil es die Kernfrage aller Maler und Zeichner berührt! Der Tonwert, das Licht ist eine lebenslange Herausforderung, die nicht langweilig wird.

Für Maler genauso wie für Zeichner.

Wer sich darauf einlässt, wächst – leise, aber nachhaltig.

Ich würde dir empfehlen, dich immer phasenweise auf bestimmte Dinge zu konzentrieren. Ich arbeite im Moment viel in Schwarz-Weiß für die neuen Zeichenkurse, und ich merke, wie es die Bilder und Zeichnungen stärkt.

Merkst du, dass du gestresst bist, dann würde ich mich eher auf die schönen Aspekte des Malens konzentrieren.

Male draußen, male Motive, die dir gut tun.

Hast du jedoch Zeit zu lernen, dann würde ich dir vorschlagen, dich intensiv mit einem Thema auseinanderzusetzen.

Zeit fürs Malen und Zeichnen heißt auch: Wohin möchte ich!

Nimm dir die Zeit, kritisch zu hinterfragen, was du gerne verbessern möchtest. Da reicht einmal an etwas herumdoktern nicht.

Malen und Zeichnen brauchen Muße und Zeit.

Es ist oft besser, sich auf eine Sache beim Malen oder Zeichnen zu fokussieren. Warum? Es ist nicht nur so, dass dein Kopf begreifen muss, wie etwas funktioniert. Beim Malen und Zeichnen muss die Erkenntnis auch in Feinmotorik umgesetzt werden.

Die Erkenntnis muss in die Finger!!!!

Dein Gehirn muss genau wissen, wie es deinen Arm zu bewegen hat. Ein hochkomplizierter Weg zwischen dem Sehen, deinem Gehirn, der Kreativität und deiner Fähigkeit, es in eine Technik oder Bewegung umzusetzen.

Dein Wachstum braucht drei Dinge: dranbleiben, Zeit und die Akzeptanz, dass etwas nicht auf Anhieb klappen kann.

Mut, alte Gewohnheiten zu hinterfragen. Keine Angst vor Fehlern und die Zeit, um neue Wege wirklich zu gehen.

Zeit fürs Malen und Zeichnen hat oft etwas mit Aufräumen im Leben zu tun.

Und hier kommt das Thema Verzicht ins Spiel. Nicht als Mangel, sondern als bewusste Entscheidung.

Für jedes Plus braucht es ein Minus, denn das Budget ist nicht unbegrenzt.

Viele Ratgeber erklären ausführlich, was man alles tun sollte, um besser zu werden.

Kaum jemand spricht darüber, woher die Zeit dafür kommen soll.

Ich selbst kenne chronischen Zeitmangel gut. Beruf, Haushalt, Verpflichtungen, gesundheitliche Themen – der Tag ist schnell voll. Und trotzdem bleibt dieses leise Wissen:

Wenn ich wirklich malen will, muss ich mir Raum und Zeit dafür schaffen.

Und hier kommt das Thema Verzicht ins Spiel. Nicht als Mangel, sondern als bewusste Entscheidung.

Für jedes Plus braucht es ein Minus, denn das Budget ist nicht unbegrenzt.

Zeit fürs Malen und Zeichnen – nicht durch mehr Leistung, sondern durch Weglassen.

Es gibt erstaunlich viele Dinge im Alltag, die wir aus Gewohnheit tun. Einkaufen, Medienkonsum, Termine, die nichts nähren. Wenn man ehrlich hinschaut, lässt sich hier Zeit zurückholen.

Kleine Entscheidungen, die in Summe viel verändern.

Ein fester Malplatz. Materialien griffbereit. Eine Tasche im Auto mit Zeichenmaterial. Ein Sonntagmorgen draußen statt im Bett.

Ein bewusstes Nein an anderer Stelle.

Zeit fürs Malen fällt nicht vom Himmel. Sie ist eine Entscheidung.

Wer malen will, braucht Gelegenheit – und was wäre das bei dir? Wo könnte man etwas streichen, am besten etwas Dummes, um diese Zeit zu gewinnen?

Zeit fürs Malen und Zeichnen – Ich zeige dir meine Rechnung:

Einmal weniger einkaufen gehen pro Woche = 1 Stunde
Ein monatliches Treffen mit meiner Freundin zum Draußenmalen = 3 Stunden
Einmal pro Woche früher aufstehen = 1 Stunde

Hört sich wenig an? Sind aber 11 Stunden pro Monat!

Und ich finde, 11 Stunden für etwas, was mich glücklich macht, sind ganz schön viel! Hast auch du Tricks, wo du Zeit zum Malen herbekommst? Schreib mir dies auf Instagram!

Ich freue mich sehr auf deine Anregungen. Gib uns deine Detox-Tipps: Was tun wir weniger, um mehr Zeit fürs Malen und Zeichnen zu bekommen?

Bitte gib deine Kommentare hier ab:

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Kultur stirbt nicht laut. Sie verschwindet leise.

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Das ist kein Zufall, sondern menschliche Psychologie: Laut schlägt leise. Schnell schlägt tief. Wenn du willst, dass Malerei, Zeichnen und echtes Wissen eine Zukunft haben, dann braucht es dich.
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Liebe Grüße Tine

Noch ein unterhaltsamer Artikel zum Thema:

Zeit zum Malen lernen

https://blog.herz-der-kunst.ch/zeit-zum-malen-lernen/

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Es gibt eine Sache, über die ich immer wieder lachen muss.

Manchmal tun wir Dinge immer wieder, obwohl wir wissen, dass es so nicht klappt. Einfach duselig!

Wissen und nichts zu tun, ist wie nichts wissen!

Das ist ein Zitat des Dalai Lama, und ich musste lange darüber nachdenken. Irgendwie finde ich das Zitat merkwürdig.

Was steckt eigentlich dahinter? Wieso tun wir immer wieder das Gleiche? – Obwohl es nicht klappt?  Das ist doch ein bisschen verrückt! Wobei ein bisschen verrückt sein ja absolut sympathisch ist.

Eine dieser Fragen ist: Warum sind meine Aquarellfarben zu blass?

Verrückt ist: Die Aquarellfarben sind zu blass! Und wir malen immer wieder gleich.

Diesen Kampf beobachte ich bei meinen Schülern ständig! Ich finde das Zitat vom Dalai Lama wahrscheinlich so merkwürdig, weil wir manchmal Sachen die gerade vor unserer Nase liegen, doch nicht sehen!

Schade, denn die Sache liegt klar auf dem Tisch.

Warum sind meine Aquarellfarben zu blass?!

ChatGPT ist ein guter Hinweis darauf, was Leute im Netz so denken.

ChatGPT würde nun ein wenig rumschwurbeln, das zusammentragen, was man im Netz am häufigsten liest. Es sind die Farben! Es ist das Papier! Aber in einem Punkt hat ChatGPT recht!

Der häufigste Grund: zu viel Wasser, zu wenig Pigmente auf dem Papier!

Aber das wissen wir ja eigentlich!

Warum passiert es dann trotzdem? Blasse Farben?

Die Farben sind nicht blass, die Art wie wir sie verarbeiten macht sie blass.

Ganz normale Aquarellfarben können sogar schwarz werden! Und diese Dunkelheit braucht man selbst in den hellsten Motiven.

Aquarellfarben sind zu blass, weil wir Verarbeitungsfehler machen!

Aquarellfarben zu sind blass! Obwohl sie beim Malen klasse aussehen!?

Das erste Problem ist die Versuchung der Schönheit! Wenn meine Aquarellfarben beim Malen so schön aussehen und ich mich freue, wie wunderbar mein Bild ist, dann ist das Bild schon verdorben!

Wie bitte?

Sieht die Farbe beim Malen großartig aus, wird sie später zu blass! Farbe trocknet sehr viel heller.

Ein beim Malen gut aussehendes Bild hat also später keine Ausdrucksstärke!

Warum sind meine Aquarellfarben zu blass? Weil zu wenig Farbpigmente auf dem Papier sind und die Pigmente nicht mehr so leuchten, wenn sie trocken sind. Deshalb solltest du Farben viel greller malen, als du es gerne hättest.

Merke: Farben müssen beim Malen übertrieben werden.

Sieht dein Bild zu grell aus, ist es genau richtig!

Warum sind meine Aquarellfarben zu blass? Weil Pinsel wie Schwämme konstruiert sind!

Ein Pinsel ist dazu gebaut, Wasser aufzunehmen!

Wenn ich nun Farbe anrühre, gehe ich davon aus, dass diese Farbe passt. Dies stimmt auch oft, doch dann macht man einen unbewussten Fehler!

Ich mische meine Farbe, zum Beispiel Grün, gebe noch etwas Blau hinzu, und nun ist die Farbe dunkel genug! Damit ich meine Farbe nun nicht mehr verändere, wasche ich meinen blauen Pinsel ordentlich aus. Der Pinsel saugt sich voll Wasser, und unbewusst schaufle ich das Wasser in meine fertig gemixte Farbe.

Rumms!!

Dir ist das vielleicht nicht bewusst, aber so startest du von Anfang an mit zu blasser Aquarellfarbe, weil du nochmal Wasser reingerührt hast.

Verarbeitungsfehler haben Konsequenzen:

Die Fehler, die dazu führen, dass unsere Aquarellfarben zu blass sind, sind meist nicht bewusste Verarbeitungsfehler. Sie passieren immer dann, wenn der Pinsel in Wasser getaucht wird.

Du arbeitest eine Weile auf feuchten Aquarellfarben. Der Pinsel saugt das Wasser aus der Farbe in den Pinsel! Und so verdünnst du wiederum unbewusst deine angemischten Pigmente.

Tipp: Der Pinsel sollte von Zeit zu Zeit abgetrocknet werden, damit er nicht ständig Wasser abgibt, anstatt die angerührte Farbe aufzunehmen.

Anders als uns das in der Grundschule beigebracht wurde, muss der Pinsel nicht ständig in den Wassertopf, sondern von Zeit zu Zeit in den Lappen.

Wenn du dir berühmte Künstler bei der Arbeit ansiehst, wirst du immer feststellen, dass sie Strategien haben, um überschüssiges Wasser loszuwerden. Du wirst oft Schwämme auf dem Tisch sehen, Lappen – und achte mal darauf: Oft benutzen professionelle Aquarellisten ihren Wasserbehälter vergleichsweise selten.

Aquarellfarben zu blass, heißt zu viel Wasser.

Hier ein paar simple Tricks, die dir sofort kräftigere Farben bescheren:

– Mache deinen Wasserbehälter nicht ganz voll. So kannst du den Pinsel im Glas schütteln, um überschüssiges Wasser loszuwerden.
– Arbeitest du draußen, schlage den Pinsel aus!
– Mache den Pinsel nach dem Auswaschen mit dem Lappen trocken und sauge dann deine angerührte Farbe auf. Achtung, aus diesem Grund musst du wesentlich mehr Farbe anrühren als gewohnt!
– Es gibt wasseraufsaugende Schwämme, die speziell dafür gemacht sind, Wasser aus Pinseln zu saugen.

Ganz zum Schluss gebe ich dir noch 2 der wichtigsten Tipps:

Wer viele Pigmente braucht muss sie leicht aufnehmen können.

Wer nicht mit Tubenfarben arbeitet, sollte seinen Farbkasten mehrfach ansprühen.

Die Farbe wird cremig und so gibt der Kasten viel Pigment her.

Sieh dir aufmerksam an was du anrührst!

Beobachte die von dir angerührte Farbe auf der Palette. Ist sie wässrig-dünn, sind deine Aquarellfarben immer zu blass. Mit etwas Erfahrung und Beobachtung lernt man, dass die Farbe auf der Palette etwas dicker sein muss. Zieht man den Pinsel durch die Farbe, entstehen Schlieren. Je dicker die Farbe, desto deutlicher die Schlieren und desto ausdrucksstärker ist die Farbe. Die Schlieren in der feuchten Farbe sagen einem erfahrenen Maler, wie leuchtstark die Farbe nach dem Trocknen sein wird.

Achte darauf!

Die Beobachtung deiner Mischpalette ist der Schlüssel zum Erfolg!

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Liebe Grüße Tine

 

Nimm dir einen Moment und stell dir vor, du hebst einen Pinsel an. Sein Griff ist aus einer Bambusstange. Warm liegt er in der Hand. Schon das erste Gefühl verrät: Dieses Werkzeug lebt anders, reagiert anders und verhält sich anders als die Pinsel, die du seit deiner Kindheit gewohnt bist.

Du stutzt, das gewohnte Malgefühl ist weg!

Jetzt kommt es auf deine Neugier an!

Bist du bereit, dich auf eine ganz andere Handwerkstradition einzulassen

– zu finden, was dir dieser Pinsel Neues bringen könnte?

Asiatische Kalligraphiepinsel haben andere Haare!

Asiatische Naturhaarpinsel bestehen am häufigsten aus Ziegenhaar. Aber man findet auch oft Wolf-, Wiesel- oder Pferdehaar.

Kolinsky oder moderne Synthetikmischungen verhalten sich ganz anders!

Bei asiatischen Kalligrahiepinseln formt sich die Pinselspitz nicht automatisch spitz. Das Haar gibt schneller nach, federt aber nicht so zurück in die Form, wie wir es gewohnt sind. Im ersten Moment ist man überrascht.

Man hat das Gefühl, die Pinselspitze tut absolut nicht das, was sie tun soll!

Wenn du schon hier aufgibst, wirst du niemals erfahren, was diese Art von Pinsel für dich tun kann!

Asiatische Kalligraphiepinsel – dahinter steckt eine andere Philosophie!

Sie sind nicht gebaut, um exakt zu sein! Sie wurden gebaut für Ausdrucksstärke!

Für viele Aquarellisten ist das ein Geschenk, dass es Pinsel gibt, die sich beim Malen völlig anders verhalten! Der Pinselkopf eines asiatischen Kalligraphiepinsels kann diverse Formen annehmen, und dies bringt eine wunderbare Leichtigkeit ins Arbeiten:

Linien werden lebendiger, wilder und Waschgänge fließender, große Farbflächen entstehen fast wie von selbst.

Im ersten Moment fühlt sich das an wie Unkontrollierbarkeit, denn Europäer sind eine konstante Pinselspitze gewohnt.

Asiatische Kalligraphie und ihre Bauweise.

Ein wesentlicher Grund für die Beliebtheit des asiatischen Kalligraphiepinsels liegt in der Bauweise. Asiatische Pinsel besitzen meist einen üppigen Bauch, der beeindruckende Mengen Wasser speichern kann.

Manchmal sind sie länger, als wir das von einem europäischen Pinsel gewohnt sind.

In der Praxis bedeutet das: Du ziehst lange, harmonische Verläufe, ohne ständig neu in die Farbe tauchen zu müssen. Ist der Pinsel mit Wasser vollgeladen, zerfallen viele dieser Pinsel zu Flachpinseln.

Die Form der Spitze unterscheidet sich oft deutlich von europäischen Pinseln. Während wir runde, feine Spitzen mit präziser Rückstellkraft gewohnt sind,

haben viele asiatische Pinsel eine keilförmige oder flach anmutende Spitze, wenn sie feucht sind.

Dies erinnert an die breiten Kalligrafiefedern in europäischen Füllhaltern.

Man merkt also: Die Bauform kommt aus der Kalligraphie und macht den Pinsel erstaunlich vielseitig. Mit derselben Spitze kannst du breite, weiche Flächen anlegen und im nächsten Moment zur scharfen Kante wechseln, um feine Linien oder rhythmische Akzente zu setzen.

Vielseitigkeit – Man muss den Pinsel nur wenden!

Gerade dieser Wechsel zwischen Fläche und Linie begeistert viele Künstler.

Asiatische Kalligraphiepinsel – ein Werkzeug, das man erforschen darf!

Natürlich hat auch dieses Werkzeug seine Eigenheiten. Die Weichheit des Haares ohne Punktspitze bedeutet zuerst ein Gefühl von Unsicherheit.

Das Ziegenhaar ist zwar weich und trotzdem irgendwie zäh!

Man kann es in eine Spitze formen. Das Haar bleibt irgendwie stehen, schnellt aber nicht automatisch in eine feine Spitze zurück.  Wer eine klare, exakt formbare Spitze sucht, wird sich zunächst umstellen müssen.

Ist der Pinsel voll Wasser, lasiert er wunderbar.

Wird er jedoch trockener, bricht die Spitze, macht gebrochene, ausdrucksstarke Striche. Schau dir mal die gebrauchten Pinsel an, ich habe sie in der Form, so wie sie waren, trocknen lassen.

Mitunter verharrt der Pinsel stur in der Form, die du beim Malen erzeugt hast. Ein bisschen eigenwillig XD! Vom Strubbelkopf bis zur Doppelspitze, alles dabei.

Doch für viele Malerinnen und Maler liegt genau darin ein Gewinn: Die Pinsel fördern eine großzügige, gestische Handschrift und ermutigen dazu, die Kontrolle punktuell loszulassen.

Natur ist chaotisch – da ist ein wilder Pinsel ein Gewinn!

Apropos loslassen! Es gibt noch einen anderen Grund, warum der asiatische Pinsel so populär ist: Arbeitet man mit ihm trockener, benutzt ihn sogar gegen den Strich, dann beginnt er sich zu spreizen. Der Strich wird rauer, trockener, bricht in kleine Fragmente. Künstler „misshandeln“ den Pinsel regelrecht, bis die Haare strubbelig stehen – und genau dann zeigt er eine ganz eigene Schönheit.

Das ist perfekt für Vegetation!

Siehst du die hüpfende Kante am Baum?

Diese Art zu malen erzeugt äußerst natürliche, gebrochene Strukturen, die besonders für Vegetation, Steine oder Wolken faszinierend sind. Es entstehen weiche, wilde Kanten, die locker wirken, fast so, als hätte ein Windhauch die Farbe geformt. Für viele ist das einer der größten Reize dieser Pinsel: Sie erlauben Textur, ohne dass man sich dafür anstrengen muss.

Warum sind sie also so populär? Sie verbinden technische Möglichkeiten mit künstlerischer Freiheit.

Ist der Pinsel feucht, erlaubt er weiche Verläufe, breite atmosphärische Flächen. Benutzt man ihn feucht, entstehen dynamische Linien. Benutzt man ihn trocken und auf der Seite, entstehen trockene Striche und eine beeindruckende Ausdrucksstärke – alles mit einem einzigen Werkzeug!

Trockener Strich

Mal was Anderes!

Viele Aquarellisten empfinden das als inspirierenden Gegenpol zu unseren westlichen Pinseln, die eher auf Präzision und Formtreue ausgelegt sind.

Der asiatische Kalligraphiepinsel wäre aus dem Blick eines europäischen Pinselbauers einfach grauenhaft.

Für den Künstler ist er aber trotzdem ein Gewinn, weil er sich wie ein Chamäleon verhält.

Wie erhält man Steuerbarkeit des asiatischen Kalligraphiepinsels?

Die Steuerung des Pinsels erfolgt noch viel stärker als beim europäischen Pinsel durch die Menge an Wasser, die man in den Pinsel getankt hat. Ist viel Wasser im Pinsel, ist es ein weicher Flachpinsel, dessen Kante auch feine Linien machen kann.

Ist weniger Wasser im Pinselbauch, wird der Pinsel ausdrucksstärker, er wird unwilliger, seine Form zu ändern. Sein Strich wird wild und kratzig.

Kauf und Preis eines asiatischen Kalligraphiepinsels

In Europa bezahlt man für gute asiatische Naturhaarpinsel meist zwischen 7 und 40 Euro oder Franken, abhängig von Größe, Material und Hersteller. Oft sind die Pinsel atemberaubend schön verpackt. Vorsicht! Ein schöner Kasten sagt nichts über den Pinsel!

Viele dieser Pinsel stammen aus kleinen Werkstätten, oft Familienbetrieben, in denen traditionell gearbeitet wird. Das hat seinen Charme, bringt aber auch eine Eigenheit mit sich: Häufig lässt sich nicht zuverlässig nachvollziehen, welche Haare tatsächlich verarbeitet wurden. Manche Pinsel sind qualitativ eher einfach gebaut, die Haarmischungen nicht ganz klar definiert. Doch erstaunlicherweise schmälert das die besonderen Maleigenschaften kaum. Selbst ein Pinsel von eher schlichter Qualität kann unglaublich interessante Strukturen erzeugen, einen lebendigen Strich fördern und genau diese charaktervolle Wildheit besitzen, die wir an asiatischen Pinseln so schätzen.

Doch ihr nerviger Nachteil ist dann, dass sie Haare verlieren wie ein ungebürsteter Hund!

Für mich ist dieser Pinsel unverzichtbar! Er ist einer meiner Reisepinsel. Ich schätze an ihm, dass er mir hilft, Aquarellskizzen schnell und ausdrucksstark auf das Papier zu bringen. Das heutige Bild wurde damit gemalt.

Wie immer gilt: Probiere es einfach aus.

Liebe Grüße
Tine

Museen bekommen Fördergelder – ich nicht. Meine Arbeit lebt allein von Menschen wie dir. Tausende genießen die Inhalte, aber nur wenige tragen sie wirklich mit.

Wenn du willst, dass diese Kultur weiterlebt, liegt es in deiner Hand. Jede Spende zählt.
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Noch mehr kostbares Wissen über Pinsel:

Der richtige Pinsel fürs richtige Ergebnis!

https://blog.herz-der-kunst.ch/der-richtige-pinsel-fuers-richtige-ergebnis/

Liebe Leser,

diese Woche gibt es ausnahmsweise keinen neuen Blogbeitrag. Ich sitze nämlich an etwas Besonderem für euch – eine kleine Überraschung, die gerade Form annimmt und hoffentlich eure Neugier weckt.

Denn je tiefer man in die Welt der Materialien eintaucht, desto leichter öffnen sich Türen zu mehr Ausdruck, Feinheit und Freude beim Malen.

Wer schon einmal versucht hat, eine wirklich feine Linie mit dem Pinsel zu ziehen, spürt sofort, wie entscheidend gutes Materialwissen ist.

Materialwissen ist kein lästiger Anhang, sondern ein Schlüssel, der uns erlaubt, besser und freier zu arbeiten.

Linien ziehen mit Aquarellfarbe … Liner – Schlepper und Konsorten

In der kommenden Woche bleiben wir weiterhin bei den Pinseln, deshalb ist dies wichtiges Vorwissen!

Liebe Grüße
Tine