Heute darf ich euch eine schöne Ankündigung machen: Im Herbstkurs geht es um das Malen von Wasser – und das ist ein spannendes Thema!

Denn Wasser ist eben nicht einfach nur Wasser!

Aber zuerst kommt noch ein richtig wichtiger Kurs in Zürich!

Tolle Farben sind kein Zufall. Wer Farben sicher mischen kann, malt entspannter, freier und mit deutlich mehr Freude. Ich freue mich auf euch!

https://blog.herz-der-kunst.ch/aktuelle-kurse-tine-klein/

Das Raffinierte an Wasser ist, dass es immer anders aussieht. Nicht nur die Farbe wechselt, sondern auch die Oberfläche und die Art, wie wir es sehen!

Aber keine Angst, Wasser zu malen ist nicht schwer, wenn man gelernt hat, genussvoll zu beobachten und das passende Rüstzeug hat. Und dies werde ich euch im Herbst geben.

Heute geht es jedoch um das Thema, wie Wasser in unterschiedlicher Entfernung wirkt.

Altnau Ch am Bodensee

Wasser in der Entfernung:

Wasser ist in der Entfernung nicht ruhiger oder unbewegter als das Wasser, das vor unseren Füßen an das Ufer schwappt.

Dennoch wirkt Wasser in der Entfernung ruhig und weich. Warum?

In der Entfernung verändert sich unsere Wahrnehmung, alles wird kleiner, auch die Wellen. Die Wellen werden winzige Punkte. Zusätzlich bewegen sich die Wellen ständig und deshalb sieht unser Auge sie unscharf.

Zwischen unseren Augen und dem entfernten Wasser liegt Luft. In dieser Luft befinden sich Feuchtigkeit, Staub und kleinste Partikel. Sie streuen Licht und reduzieren Kontraste.

Wasser wirkt in der Entfernung unscharf und deshalb wirkt das Wasser in der Entfernung viel weicher als das Wasser im Vordergrund.

Wasser malen in der Entfernung:

Oft werden:

• Farben heller und matter
• das Wasser verliert seine Kanten, Formen erscheinen weicher, Wellen sind nicht sichtbar

Vielleicht hast du Lust, das mal auf deinem nächsten Spaziergang zu beobachten.

Die Faustregel für das Wasser malen heißt: Je weiter weg, desto weniger Details!

Oft malt unser Kopf Dinge, die wir wissen, obwohl wir sie nicht sehen.

Deshalb sollte man sich vor dem Malen noch einmal bewusst machen:

Wellen haben in der Entfernung nichts zu suchen!

Die passende Technik für Wasser in der Entfernung ist die Lasur! Und Nass-in-Nass-Techniken, die keine harten Kanten erzeugen.

Pinsel: Weiche, runde Pinsel, die das Wasser gut speichern. Für feuchte Lasuren ist Naturhaar gut geeignet.

Wasser malen im Mittelgrund – erste Wellen entstehen.

Im Mittelgrund erkennt man das erste Mal die Bewegung des Wassers.

Nun erkennt man zarte Wellenformen. Schatten im Wasser fransen leicht aus.

Manchmal kann man auch Lichtreflexe und Schattenbereiche sehen.

Der wichtigste Merksatz zum Wassermalen im Mittelgrund ist:

Weniger ist mehr!

Oft reicht es, die Spiegelungen leicht zu verwischen. Zarte horizontale Linien zeigen die Bewegung des Wassers. Diese zarte Bewegung kann man durch mehrere Methoden erreichen.

Zwei, drei zarte Linien reichen, um das Wasser anzudeuten.

Man malt das Wasser in schnellen horizontalen Linien mit einem dünnen Pinsel.

Werkzeug:

Oft kann ein synthetischer kleiner Flachpinsel sehr hilfreich sein. Man benutzt nur die Spitze dieses Flachpinsels und zieht kleine horizontale Linien in die Spiegelung. Daraus macht unser Auge Wellen. Diese Technik funktioniert nass, aber auch trocken. Hier wischt man trockene Farbe aus, und die Wellen entstehen durch die Lichter.

Wasser malen auch Perspektive spielt eine Rolle:

Wer zuviel macht erzeugt Flecken!

Wer Wellen ganz regelmässig in ein Wasser setzt, bildet zwar ab was auf dem Wasser wirklich passiert, erzeugt aber ein unnatürliches fleckig hässliches Wasser.

Hinten ist das Wasser Weich. Ererst im Mittelgrund beginnt man Wellen zu sehen, Diese sollte man jedoch Sparsam setzen. Weil Bilder Ruhe brauchen.

Durch Perspektive erscheinen Wellen:

• weiter hinten klein
• nach vorne breiter und mit größerem Abstand

Während Wllen hinten nur kleine Linien sind werden sie nach vorne immer größer!

Wasser im Vordergrund – Struktur, Energie und Bewegung

Die Großaufnahme von Wasser in der Nähe ist wunderbar! Hier sieht man alles Mögliche: scharfe Wellen, Farben und Schatten. Erst im Vordergrund werden Spiegelungen plastisch!

Nur im Vordergrund sind Spiegelungen von Booten oder Häusern, Bäumen etc. absolut scharf zu sehen. Die Formen werden im Vordergrund härter und schärfer. Auch dunkle Farben kommen bei Schatten und Spiegelungen ins Spiel, denn die Feuchtigkeit in der Luft verwischt diese Formen nicht mehr.

Oft sind die Farben von Spiegelungen trüber als die originalen Farben des Motivs an Land!

Wasser malen mit Aquarell bedeutet, dass die Technik wechselt.

Technik: Wir malen nun Nass auf Trocken – im Hintergrund Nass in Nass weil es weicher ist.

Die gute Nachricht ist, diese Technik ist am leichtesten.

Als Werkzeug sind Pinsel mit guter Spitze geeignet.

Liebe Grüße

Tine

Hat dir dieser Artikel etwas gebracht?

Dann gib etwas zurück.

Mit deiner Spende finanzierst du keine Werbung und keine Gewinne, sondern neues Wissen. Neue Versuche. Neue Bilder. Neue Artikel, die allen kostenlos zur Verfügung stehen.

Jeder Beitrag – egal wie klein – hilft dabei, die Aquarellkunst lebendig zu halten.

Danke, dass du ein Teil davon bist.

CHF——

Euro

https://blog.herz-der-kunst.ch/wasser-malen-aquarell-das-heisst-wasser/

Wasser malen – Aquarell, das heißt Wasser!

Nass-in-Nass gilt als eine der anspruchsvollsten Techniken im Aquarell. Oft hört man, sie sei nur etwas für Könner. Ich sehe das anders.

Am Anfang wirkt sie kompliziert, weil sie vor allem eines verlangt: gutes Timing.

Und ein Gefühl für das richtige Timing entsteht nicht über Nacht.

Unser Gehirn lernt jedoch erstaunlich gut. Es ist wie eine Kiste voller Legosteine – Stein für Stein, entsteht etwas Neues.

Wie entwickelt man also das nötige Fingerspitzengefühl für die Nass-in-Nass-Technik?

Wissbegierig? Perfekt! Genau für solche Menschen sind meine Kurse gemacht.

Aktuelle Kurse mit Tine Klein

https://blog.herz-der-kunst.ch/aktuelle-kurse-tine-klein/

Dranbleiben! Der Schlüssel zum Erfolg.

Dranbleiben! Der Schlüssel zum Erfolg.

Wer etwas lernen möchte, braucht Übung.

Das klingt banal, ist aber einer der wichtigsten Bausteine beim Malen.

Oft erlebe ich, dass meine Schüler eine Technik im Unterricht wunderbar beherrschen. Sechs Monate später funktioniert sie plötzlich nicht mehr. Warum?

Ganz einfach: Ein einmaliger Erfolg reicht nicht aus. Unser Gehirn muss Bewegungen, Abläufe und Entscheidungen immer wieder wiederholen, damit daraus eine dauerhafte Fähigkeit wird. Erst durch Wiederholung entstehen sichere Verbindungen im Gehirn.

Genau deshalb ist Üben so wichtig.

Nicht stundenlang, sondern kurz und regelmäßig.

Also keine großen Motive, sondern nur zielgerichtet üben, was man braucht.

Keine Verwirrung! Timming braucht stabile Grundlagen:

Wer im Aquarell Fingerspitzengefühl entwickeln möchte, braucht vor allem eines: verlässliche Bedingungen.

Nass in Nass ist eine dieser Techniken, man muss beim Malen merken, wann der richtige Zeitpunkt ist, eine feuchte Farbe in eine feuchte Lasur zu geben.

Dieses Gefühl entsteht jedoch nicht, wenn ständig Papier und Pinsel gewechselt werden.

Stell dir vor, du möchtest Klavierspielen lernen. Nach jeder Übungsstunde werden die Tasten anders angeordnet. Niemand käme auf die Idee, dass man so Fortschritte machen könnte.

Genau das passiert jedoch vielen Aquarellmalern.

Heute ein Papier, morgen ein anderes.

Dann wieder ein neuer Pinsel. Dabei verändert sich jedes Mal, wie viel Wasser gespeichert wird und wie schnell es wieder abgegeben wird.

Wechselst du ständig Papier und Pinsel, werden deine Lernversuche zur Nass in Nass Technik krachend scheitern.

Das Gehirn sucht nach Mustern. Es möchte verstehen: »Wenn ich das tue, passiert jenes.« Bekommt es jedes Mal andere Voraussetzungen, kann es diese Zusammenhänge nicht zuverlässig lernen.

Das richtige Material für Nass in Nass:

Beim Thema Nass in Nass hält sich ein Mythos besonders hartnäckig:

Ohne teures Baumwollpapier gehe gar nichts??

Doch das Material entscheidet nicht darüber, ob die Technik funktioniert – es verändert lediglich das Zeitfenster, in dem sie funktioniert.

Baumwollpapier speichert Wasser länger. Dadurch bleibt die Lasur länger offen,

und du hast mehr Zeit, den richtigen Moment zu erwischen.

Das kann gerade am Anfang angenehm sein. Manchmal wartet man allerdings gefühlt eine Ewigkeit auf genau den richtigen Feuchtigkeitsgrad.

Ein gutes heißgepresstes Papier kann genauso hervorragende Ergebnisse liefern.

Hier läuft die Uhr nur etwas schneller.

Wer das weiß, passt seine Arbeitsweise einfach an.

Wichtiger als der Preis ist deshalb die Qualität. Das Papier sollte stabil sein und mindestens 300 g/m² besitzen. So verhält es sich zuverlässig und gibt dir eine gute Grundlage zum Üben.

Auch der Pinsel spielt eine entscheidende Rolle. Er bestimmt, wie viel Wasser und Farbe tatsächlich auf dem Papier landen.

Deshalb ist der Begriff „Nass in Nass“ eigentlich etwas irreführend. In der Praxis arbeitet man meist mit einer relativ cremigen Farbe in einer feuchten Lasur. Würde beides tropfnass sein, würden die Farben unkontrolliert ineinanderlaufen. Oder anders gesagt: Wenn du Milch in den Kaffee gießt, entsteht kein schönes Bild.

Sanfte Wellen – Nass in Nass mit Fingerspitzengefühl

Sanfte Wellen gehören zu den schönsten Anwendungen der Nass-in-Nass-Technik. Das Geheimnis liegt dabei nicht im Pinselstrich, sondern im richtigen Zeitpunkt.

Zuerst legst du eine gleichmäßige, feuchte Lasur an.

Sie sollte überall denselben Feuchtigkeitsgrad haben. Achte darauf, dass keine Pfützen entstehen und die Oberfläche gleichmäßig glänzt. Ist eine Stelle trockener als die andere, verlaufen die Farben später unterschiedlich.

Preiswerter Tipp: Sprühflaschen für Haarpflegeprodukte erzeugen einen viel feineren Nebel als herkömmliche Wassersprühflaschen. Damit bleibt deine Lasur gleichmäßig feucht. Plündere dein Badezimmer!

Nun beginnt der wichtigste Teil: das Warten.

Beobachte das Papier genau. Direkt nach dem Auftragen ist die Lasur zu nass. Würdest du jetzt die Wellenschatten malen,

würden sie sofort auseinanderlaufen und ihre Form verlieren.

Das Wasser übernimmt die Kontrolle.

Nach kurzer Zeit verändert sich der Glanz. Die Oberfläche glänzt nicht mehr spiegelnd, sondern wirkt seidig. Genau jetzt beginnt das Zeitfenster, in dem die  Nass-in-Nass-Technik gut klappt. Das Papier ist feucht aber nicht nass.

Nimm nun einen Pinsel, der fast cremige Farbe enthält, aber nicht nass ist. Er sollte Farbe enthalten, jedoch nur wenig zusätzliches Wasser. Der Pinsel darf die Lasur nicht erneut fluten.

Die Aufgabe des Pinsels ist es lediglich, Pigmente in den feuchten Farbfilm einzubringen.

Male jetzt mit ruhigen Bewegungen die Wellenschatten. Die Linien dürfen ruhig unregelmäßig sein, denn Wasser bewegt sich niemals mathematisch exakt.

Während du malst, werden die Striche von selbst etwas weicher.

Genau das ist erwünscht. Die feuchte Lasur nimmt die Farbe langsam auf und lässt harte Kanten verschwinden.

Sollten die Striche dagegen scharf stehen bleiben, war das Papier bereits zu trocken.

Dieses Problem entsteht auf heißgepresstem Papier. Also Sprühen!

Verlaufen deine Wellen zügig zu breiten Flecken, war die Lasur noch zu nass.  DIes Passier auf Baumwollpapier oft!Genau zwischen diesen beiden Zuständen liegt der ideale Moment.

Je näher eine Welle am Betrachter liegt, desto kräftiger und kontrastreicher darf ihr Schatten sein. In der Ferne werden die Schatten immer feiner, heller und flacher.

So entsteht ganz von selbst räumliche Tiefe.

Fazit!

Viele glauben, die Nass-in-Nass-Technik sei unberechenbar. Tatsächlich folgt sie klaren Regeln. Das Papier bestimmt den richtigen Zeitpunkt, der Pinsel liefert die passende Farbmenge und Feuchtigkeitsmenge. Du musst lernen, wann beides zusammenpasst.

Genau deshalb ist Nass in Nass weniger eine Frage des Talents als des Beobachtens.

Liebe Grüße Tine

Die neuen Kurse sind da!

https://blog.herz-der-kunst.ch/aktuelle-kurse-tine-klein/

Ich sitze jede Woche an der Tastatur, weil ich Kunst liebe. Ob es draußen brütend heiß ist oder ob tausend andere Dinge auf mich warten – ich nehme mir die Zeit.

Warum? Weil ich weiß, dass dieses Wissen verloren geht, wenn niemand es weitergibt. Und weil ich möchte, dass auch Menschen, die sich keinen Kunstunterricht leisten können, Zugang zu fundiertem Fachwissen haben.

Jeder Artikel auf diesem Blog kostet viele Stunden Arbeit. Tausende lesen mit, doch nur wenige unterstützen diese Arbeit finanziell.

Wenn dir diese Artikel helfen, inspirieren oder Freude machen, dann werde Teil der Menschen, die diese Kultur möglich machen. Mit deiner Spende hilfst du dabei, Wissen zu bewahren, weiterzugeben und für alle zugänglich zu halten.

Spende heute – damit die Kunst und das Wissen dahinter lebendig bleiben.

CHF——

Euro

„Kunst ist meine Sprache, Stifte und Pinsel sind meine Rüstung.“ Lord Gibson

Pinselgröße und Strichstärke im Aquarell:

Wer wirklich ausdrucksstarke Bilder schaffen möchte, muss lernen, durch dick und dünn zu gehen

– im wahrsten Sinne des Wortes.

Die Strichgröße gibt den Ausschlag für die Wirkung eines Aquarellbildes.

Wer mit zu kleinen Pinseln arbeitet, wird nie das lockere und weiche Ergebnis erreichen, das man beim Skizzieren und in der Aquarellmalerei so schätzt.

Wer schnell arbeitet, erzeugt dadurch weiche Übergänge zwischen den Farben. Denn die Geschwindigkeit ermöglicht, dass die Farben verlaufen, und dies gibt dem Bild eine natürliche Leichtigkeit. Diese entsteht durch den Arbeitsprozess. In der ersten Phase des Aquarells arbeitet man mit hellen Farben. Diese Farben sind so hell, dass man sie später vollkommen mühelos übermalen kann. Das heißt, die Formen werden erst in der nächsten Phase des Malens herausgearbeitet, und deshalb erhält der Maler eine enorme Freiheit.

Die erste Phase im Aquarell – der Dicke Pinsel und viel Wasser!

Rund ums Haus wurde mit einem dicken Pinsel gemalt! Das macht es skizzenhafter, es ist ein Spiel mit der Leichtigkeit, so wie es sich jeder Aquarellmaler wünscht. Die Lockerheit entsteht dadurch, dass der Maler mit einem großen Pinsel und viel Wasser einfach loslegt und ohne Angst die ersten Farben des Bildes aufträgt. Der Betrachter bemerkt später, dass hier mit viel Freiheit gearbeitet wurde. Genau das erzeugt den Eindruck von Leichtigkeit, den man am Aquarell so liebt.

Der Effekt der durchs Bild flutenden Farben ist allerdings wunderschön.

Die passenden Pinsel für diese ersten Schritte sind große Lasurpinsel. Ich bevorzuge jedoch Pinsel mit synthetischen Haaren, die einen sehr großen Pinselkopf und gleichzeitig eine feine Spitze besitzen. Diesen Pinseltyp nennt man Manteliner. Die Pinselgröße ist so groß, dass sie einen Lasurpinsel ersetzen kann. Er kann große Mengen Farbe aufnehmen und ermöglicht dadurch großzügige, fließende Pinselstriche. Trotz seiner Größe bleibt die Spitze fein genug, um bei Bedarf auch kleinere Formen anzulegen.

Doch in der ersten Phase haben kleine Details nichts zu suchen.

Hier geht es um großzügige Farbverläufe und wunderbar aquarellige Flächen, die dem Bild von Anfang an Leichtigkeit und Atmosphäre verleihen.

Und so ist die große Pinselgröße oft der ausschlaggebende Faktor für ein lockeres und gelungenes Aquarell.

Beim Pinsel ist es ein Spiel aus groß und klein.

Welche Pinselgröße benötigt man in der ersten Phase des Aquarells?

Stell dir vor, dieses Wissen wäre plötzlich weg.

Keine Tipps mehr, keine Erfahrungen, keine kleinen Tricks, die einem das Malen leichter machen.

Mit deiner Spende hältst du die Fackel weiter hoch. Du sorgst dafür, dass auch der nächste Mensch Freude am Aquarell entdeckt.

Danke, dass du dieses Wissen bewahrst.

CHF——

Euro

Weiterlesen bei Tine, mehr Wissen über Pinsel:

https://blog.herz-der-kunst.ch/der-richtige-pinsel-fuers-richtige-ergebnis/

In eigener Sache!

Viele Schüler haben den Wunsch geäußert, dass ein Kurs zum Thema Mischen angeboten wird. Kein Wunder – das Mischen von Farben sorgt beim Malen immer wieder für Unsicherheit. Welche Farben passen zusammen? Warum wird die Mischung stumpf? Wie entstehen leuchtende oder natürliche Farbtöne?

Dabei muss das gar nicht kompliziert sein. Wer die Grundlagen versteht, mischt sicherer, gezielter und mit deutlich mehr Freude. Genau darum wird es in diesem Kurs gehen.

https://www.buchbeglinger.ch/veranstaltungen/mischen-ist-kein-zufall-wie-funktioniert-farbe

Es ist heiß! Ich sitze im Schatten, die Tropfen meines Schweißes kullern meinen Körper hinunter und verbinden sich mit dem Genfersee. Der See ist spiegelblank. So ruhig und so heiß, aber die Spiegelungen liegen geschmolzen und still auf dem Wasser.

Gemächlich beginne ich, unzählige Grüntöne zu mischen – von strahlendem Gelbgrün bis zu schlammigem Seegrün …

Grün mischen lernen

Eigentlich hätte ich diesen Artikel gern „Grün mischen lernen mit dem Farbkreis“ genannt, doch bei dem Wort Farbkreis erleiden viele schon vorsorglich den nahen Hirntod. 😉

In jedem Kurs, egal zu welchem Thema, bekomme ich immer wieder Fragen zum Mischen!

• Warum entsteht nicht die Farbe, die ich erwartet habe?
• Warum werden meine Farben schmutzig?
• Welche Farben soll ich wählen?

Diese Fragen zeigen, wie groß die Unsicherheit beim Mischen ist.

Insgesamt sind es etwa 10–15 Fragen, die mir ständig gestellt werden.

Alle beruhen auf Farbtheorie und wirken zunächst kompliziert.

Doch sie sind wie ein Riese, der zu einem Zwerglein schrumpft, wenn man ihm näherkommt.

Kommt man meinen Schülern mit Farbtheorie, fallen viele schon vorausschauend ins Koma!

Dabei ist das totaler Nonsens, denn Wissen macht frei und entspannt.

Viele lernen das Mischen nicht treffsicher, weil sie die Feinheiten des Farbkreises nicht kennen.

Muss ich Farbtheorie wirklich lernen? Die Antwort lautet: Ja!

Die gute Nachricht: Es ist viel einfacher, als die meisten denken.

In vielen Büchern wird Farbtheorie trocken und ohne praktischen Nutzen vermittelt. Dabei ist sie überraschend einfach, wenn man den richtigen Einstieg findet.

Das Ziel ist, völlig frei und sicher mischen zu können.

Doch bevor das gelingt, muss das Wissen erst einmal in den Kopf hinein.

Schauen wir uns das heute einmal am Beispiel von Grün an!

Grün mischen!

Ich beantworte hier mal ein paar Fragen zum Grün mischen.

Warum sieht mein Grün künstlich aus?

Die wohl häufigste Frage überhaupt. Viele mischen ein kräftiges Gelb mit einem kräftigen Blau und erhalten ein leuchtendes, fast neonartiges Grün.

Das erinnert eher an Plastikspielzeug als an etwas Natürliches.

 

Hier hilft die Farbtheorie:

Kalte Farbtöne, das sind die Gelbtöne und Blautöne, die auf dem Farbrad dem Grün am nächsten liegen, mischen strahlendes, manchmal fast chemisches Grün!

Zum Beispiel Phthaloblau und Zitronengelb. Warum?

Die ganze Farbtheorie ist einfach: Je näher eine Farbe im Farbrad an der zu mischenden Farbe liegt, desto klarer das Ergebnis.

Nah im Farbkreis heißt leuchtend!

Sieh mal hier: ein zitronengelbes Grün oben im Baum.

Wie macht man natürliche Grüntöne?

Möchte man natürlichere Grüntöne, hilft wieder ein Blick in den Farbkreis.

Mischt man jeweils eine kalte und eine warme Grundfarbe, dann wird Grün harmonisch.

Ultramarin und Zitronengelb bilden ein natürliches sommerliches Grün. Warum?

Das Zitronengelb (kalt) ist ganz nah am Grün. Das warme Blau Ultramarin (warm) ist  weiter weg vom Grün. Dadurch bricht das Grün und ist nicht mehr grell.

Merkst du etwas? Wenn du die Finger wieder auf den Farbkreis legst: Ein Finger ist nah am Grün, einer weiter weg.

Wir haben hier also in Bezug auf Grün eine nahe und eine fernere Farbe! Das heißt, das Grün ist nicht mehr so intensiv, es ist harmonisch.

Merke: Je weiter eine Grundfarbe von der Mischfarbe weg ist, desto gebrochener das Ergebnis!

Die wärmeren Grundfarben warmes Gelb und warmes Blau sind weiter weg vom Grün.

Phthaloblau (kalt) und Hansa-Gelb (warm) oder Indischgelb (warm) bilden ebenfalls ein schönes natürliches Grün. (siehe im Bild)

Warum werden meine Grüntöne grau oder matschig?

Ultramarin (warm) liegt dem Grün relativ fern, denn es liegt nahe am Violett.

Viele meiner Schüler mischen ihre Grüntöne mit dem schönen Ultramarin (warm), doch dieses kann nur gedämpfte Grüntöne erzeugen.

Das Gleiche gilt für das warme, fast orange Hansa-Gelb oder Indischgelb.

Sie sind weiter weg vom Grün und erzeugen daher gedämpfte Grüntöne. Z.B. Olivgrün

Legst du deine Finger auf den Farbkreis, dann siehst du:

Warmes Blau und warmes Gelb sind sehr weit weg vom Grün.

Weit weg von der Mischfarbe bedeutet: keine Strahlkraft, sehr gedämpft.

Trifft beim Mischen warm auf warm, wird dein Grün müde, herbstlich oder oliv! Je nachdem, wie warm dein Blau und dein Gelb waren, können deine Farben nun ins Olive oder gar Matschige kippen.

Oft werden gekaufte Grüntöne verwendet. Diese Grüntöne sehen ungemischt wunderbar aus. Doch beim Mischen werden sie zur Gefahr.

Alle zu warmen Töne machen Grün matschig, herbstlich und verfallen.

Grün + Rot = Braun oder Grau.

Möchte man ein Grün natürlich wirken lassen, dann gibt man ihm kleine Spuren von rötlichen und Naturpigmenten, und so arbeiten auch die Farbhersteller.

Die korrekte Schreibweise lautet:

Rötliche Töne sehen in Bäumen gut und natürlich aus. Schau in den Baum.

Zuviel Rot macht es aber dunkel oder schlammig!

„Aber Vorsicht: Zu viel Rot lässt die Mischung schnell dunkel und schlammig wirken!“

Wenn du mit fertigen Mischfarben mischst, wirst du deshalb oft hässliche Mischfarben erzeugen. Die in den fertigen Farben verborgenen rötlichen Pigmente machen die grünen Farben oft sehr hübsch! Wenn du aber mit ihnen mischst, können sie üble, matschige Mischungen erzeugen. Mal wird es braun, mal grau.

Wie hilfreich der Farbkreis beim Mischen ist!

Wer den Farbkreis nicht kennt, kann keine Grüntöne in aller Vielfalt mischen.

Nun noch ein paar Fragen, die ich häufig höre:

Welche Grüntöne soll ich kaufen? Gar keine!!!

4 Farben helfen dir, die ganze Bandbreite von Grün zu erzeugen!

Bild!

Schau mal in das Bild, dort finden wir alle Grüntöne. Die strahlenden, harmonischen und sehr dunklen im Baum. Die grauen und matschigen im Wasser. Alles, was man braucht, sind diese 4 Grundfarben.

• Zitronengelb (kalt)
• Indischgelb (warm)
• Phthaloblau (kalt)
• Ultramarin (warm)

Deine Grüntöne werden alles können, von strahlend grell bis gebrochen und herbstlich. Wichtig ist, dass man die Farben untereinander kombiniert.

Schau mal in das Bild, dort finden wir alle Grüntöne. Die strahlenden, harmonischen und sehr dunklen im Baum. Die grauen und matschigen im Wasser. Alles, was man braucht, sind diese 4 Grundfarben.

Nur bei den ganz dunklen Grüntönen reicht dies nicht.

Wie erzeuge ich dunkle Grüntöne?

Schau dir an, wie dunkel die Bäume sind.

Darf ich Schwarz benutzen?

Natürlich darfst du Schwarz benutzen! Dann sieht es halt Scheiße aus!

Fertiges Schwarz ist wieder eine Wundertüte an Pigmenten. Du weißt nicht, was bei den Mischungen herauskommt: dreckiges Grau, schmutziges Braun oder dreckiges Grün?

Fertig gemischtes Schwarz ist wie Heroin vom Dealer an der Ecke – man weiß nie, was drin ist. Gut tut es Bildern jedenfalls nicht!

Schlauer ist es, den Farbkreis zu benutzen!

Zuerst einmal ist es am einfachsten, mehr Blau als Gelb zu benutzen. So wird das gemischte Grün automatisch dunkel.

Doch dies reicht nicht! Das Grün ist nicht dunkel genug!

Jetzt gibt es den Trick mit der Komplementärfarbe. Rötliche Töne lassen die Wellenlängen des Grüns strahlen, weil sie komplementär sind. Andererseits bilden Komplementärfarben starke Dunkelheiten!

Dieser Baum wurde mit Lila und Siena natur dunkler gemischt.

Verstehst du nichts mehr, ist es sinnvoll, den Blog über Komplementärfarben zu lesen!

https://blog.herz-der-kunst.ch/komplementaere-farben-auf-leisen-pfoten/

Also ist der Trick, rötliche Töne zu der Grünmischung zu geben.

Das hat 2 Effekte: Bleiben Spritzer von Rot stehen, leuchtet das Grün schön.

Ohne das Pink würde das Bild langweilig wirken. Gleichzeitig sorgt es beim Mischen dafür, dass das Grün dunkler wird.

Verbindet sich der rötliche Ton mit der Mischung, wird die Farbe dunkel!

Die Mischung ist zum Beispiel:

Ultramarin + Gelb = Grün

Ultramarin + gebranntes Siena = Dunkelheit

Ultramarin + Gelb + gebranntes Siena = dunkles Grün

„Der Farbkreis ist wie ein Kompass für alle, die Farben mischen.

Ganz gleich, ob du ein natürliches Grün, ein leuchtendes Orange oder einen stimmungsvollen Schatten suchst: Die Lösung findest du meist nicht in Rezepten, nicht in fertigen Farben, sondern in den Beziehungen der Farben auf dem Farbkreis.“

Farbtheorie hat ein kleines Imageproblem.

Der Name klingt nach Schulunterricht, dicken Büchern und komplizierten Regeln. In Wirklichkeit sitzen wir aber vor bunten Farben, mischen, experimentieren und staunen. Sobald der Farbkreis auf dem Tisch liegt, wird vieles plötzlich logisch. Fast jede Frage zum Mischen lässt sich beantworten. Und ehe du dich versiehst, entwickelst du ein Gespür für Farben. Nicht durch Auswendiglernen, sondern durch Verstehen. Genau deshalb macht Farbtheorie deutlich mehr Spaß, als ihr Ruf vermuten lässt.

Möchtest du lernen, wie das funktioniert – und dabei noch Spaß haben? Dann komm in meinen Kurs! 😊

https://www.buchbeglinger.ch/veranstaltungen/mischen-ist-kein-zufall-wie-funktioniert-farbe

Ich sitze jede Woche an der Tastatur, weil ich Kunst liebe. Ob es draußen brütend heiß ist oder ob tausend andere Dinge auf mich warten – ich nehme mir die Zeit.

Warum? Weil ich weiß, dass dieses Wissen verloren geht, wenn niemand es weitergibt. Und weil ich möchte, dass auch Menschen, die sich keinen Kunstunterricht leisten können, Zugang zu fundiertem Fachwissen haben.

Jeder Artikel auf diesem Blog kostet viele Stunden Arbeit. Tausende lesen mit, doch nur wenige unterstützen diese Arbeit finanziell.

Wenn dir diese Artikel helfen, inspirieren oder Freude machen, dann werde Teil der Menschen, die diese Kultur möglich machen. Mit deiner Spende hilfst du dabei, Wissen zu bewahren, weiterzugeben und für alle zugänglich zu halten.

Spende heute – damit die Kunst und das Wissen dahinter lebendig bleiben.

CHF——

Euro

Naples , Buff oder Titanium – die Bad Boys in der Aquarellgeschichte.

Jahrelang waren diese Farben im Aquarell strengstens verboten. Und dahinter steckt eine sehr lange Geschichte.

Dahinter steckt eine Ideologie. Das ist fast wie eine politische Kampagne, bei der man einen bestimmten Lebensstil ausgrenzt. Was du machst, ist anders!

Raus mit dir!!!!

Titanium White (Titanweiß), Naples Yellow (Neapelgelb, meist die moderne Mischung) und Buff Titanium waren lange Zeit bei vielen traditionellen Aquarellisten verpönt, weil sie deckend sind. Das widerspricht dem klassischen Aquarellverständnis, denn Aquarell ist transparent.

Das Weiß kommt vom Papier.
Licht entsteht durch ausgesparte Flächen.
Farben sollen möglichst transparent sein.

Wenn du Weiß brauchst, dann kannst du nix!!!! ?

Und zum Teil sind diese Ansichten einfach eine Modeerscheinung, aber es gibt gute Gründe, warum diese Farben tabu waren!

Buff Titanium, Neapelgelb und Titanweiß machen Farben matt.

Eines haben diese Farben gemeinsam: Sie enthalten Titanweiß.

Titanweiß (PW6) ist eines der deckendsten Pigmente überhaupt. Mischt man es mit anderen Farben, werden diese:

• heller,
  milchiger,
  weniger transparent.

Genau das wollte man im klassischen Aquarell vermeiden.

Neapelgelb hatte ein ähnliches Problem. Das ursprüngliche historische Pigment war sogar hochgiftig und bestand aus Blei-Antimon-Verbindungen. Die heutigen Neapelgelb-Töne sind meist Mischungen aus Titanweiß mit Gelb- und Ockerpigmenten.

Sie enthalten also häufig einen hohen Anteil deckender Pigmente und wirken deshalb eher pastellig.

Buff Titanium wurde noch später eingeführt. Es basiert meist auf Titanpigmenten mit einem warmen Beige-Ton. Auch diese Farbe ist halbdeckend bis deckend und erzeugt sofort sanfte, gedämpfte Mischungen. Viele Puristen empfanden das als „Abkürzung“, weil man damit sehr schnell natürliche Sand-, Stein- oder Hauttöne erzeugen kann.

Die Ächtung dieser Farben hatte gute Gründe!

Kann jemand nicht richtig mischen und hat auch so schon Probleme, schöne, saubere Farben zu erzeugen, und wird bedenkenlos gemischt, dann entstehen nicht nur dreckige Farben, sondern auch noch schlammig-matte Farben.

Schon mal Erbsensuppe wie schon  gegessen!

Warum macht Bad Boys küssen dann so viel Spass?

Interessanterweise hat sich die Sichtweise in den letzten 20 bis 30 Jahren deutlich verändert.

Ich kenne nur noch wenige renommierte Aquarellkünstler, die keine Farben mit Titan verwenden.

Die Effekte, die man dadurch erzeugen kann, machen das Malen vielfältiger und spannender, weil die Farben, vorsichtig eingesetzt, wunderbare Effekte erzeugen.

Heute werden diese Farben ganz bewusst eingesetzt, und sie sorgen für tolle Effekte.

Ich benutze sie oft, um Teile eines Bildes zurückzunehmen. Hier möchte ich, dass das Interesse auf der Klippe, den Bäumen und dem Meer bleibt. Deshalb dämpfe ich die Villa und das Grün drumherum mit ganz wenig Titan. Um genau zu sein: mit Buff Titanium.

Wanderweg zwischen Palamos und Sant Feliu de Guixols Tine Klein

Eines ist klar: Buff Titanium, Neapelgelb und Titanweiß sind im Prinzip genau dasselbe, bis auf ein bisschen Färbung!

Titanium ist weiß, Neapelgelb leicht gelblich und Buff gräulich-sandig.

Titanweiß – der stärkste Stoff!

Im Grunde ist Titanweiß der Grundbaustein.

• extrem deckend
• sehr stark aufhellend
• kühlt Mischungen leicht ab
• höchste Deckkraft der drei Farben

Buff Titanium – wo setzt man es ein?

Sehr vorsichtig. Titanweiß pur setzt man im Grunde nur als winziges Lichtpünktchen ein. Es wirkt großartig, wenn man es für kleine Lichtreflexe verwendet. Gut geeignet ist es auch für winzige nachträgliche Korrekturen.

Großflächig eingesetzt wirkt es schmierig und hässlich.

Aber auch beim Mischen kommt es gut, wenn man es einfach benutzt, um Farben zu brechen.

Gerade helle Farben werden heute viel mit Titanium gemischt, damit zum Beispiel ein helles Haus nicht durchsichtig aussieht. Die Farben werden dadurch sandig, pastellig und gebrochen.

Zum Beispiel prima, um kaltes Wetter darzustellen.

Oder hier einen Sommerhimmel voller Staub.

Buff titanium:

„Es ist die gräuliche Version von Titanium und eher ein fertiger, warmer Neutralton.“

Schau dir mal hier die Schatten an. Buff Titanium entsättigt Farben, macht sie schwächer und neutraler. Das ist super bei Schatten. Die Schatten werden weich und unaufdringlich.

Die Farbe kann alle Töne zwischen gräulich und sandig annehmen.

Bei Fassaden, Steinen oder Schatten ist sie wunderbar!

Mischt man jedoch zu viel damit, wird alles matt! Dein Bild wird zum Langweiler.

Neapelgelb – das unaufdringliche Licht!

Neapelgelb ist kein Beige, sondern ein sehr helles, cremiges Gelb.

Man setzt es ein, um sanfte gelbliche Töne zu erzeugen. Während ich Buff Titanium oft einsetze, um Schatten zu erzeugen, setze ich Neapelgelb eher im Licht ein. Es erzeugt gelbliche, gebrochene und sanfte Farben – prima für mediterrane Architektur oder wenn man in der Altstadt malen geht.

Auch zartes Abendlicht kann diese Farbe gut.

Es lässt sich gut mit warmen Farben kombinieren.

Braucht man Buff Titanium, Neapelgelb und Titanweiß?

Als fertige Mischfarben eigentlich nicht nötig, doch beim Malen sind sie eine nette Abkürzung!

Denn wer Titanweiß hat, kann die beiden Farben natürlich in Sekundenschnelle erzeugen.

Trotzdem benutze ich die Farben des Öfteren! Warum?

Weil sie einfach eine schnelle Möglichkeit sind, Farben zu brechen. Bestimmte Stimmungen bekommt man ohne sie einfach nicht hin! Alle Farben, die etwas müde und sandig wirken sollen, gelingen damit besonders gut. Winterlandschaften, Morgen- und Abendlicht oder Altstädte mit schäbigen Fassaden sind die perfekten Einsatzorte für diese Farben.

Doch eine Warnung!

Wer vergisst, was für Farben das sind und wie Titan alle Farben bricht, tut sich keinen Gefallen!

Wer damit großzügig mischt, bekommt keine strahlenden Farben mehr hin!

Tipp:

Titanhaltige Farben haben Vorteile, aber auch Nachteile!

Deshalb ist es sehr wichtig, titanhaltige Farben im Farbkasten zu isolieren! Sie haben eine eigene Ecke, damit man nicht vergisst, was sie machen!

Und übrigens: Viele beliebte Modefarben enthalten Titan. Lavender oder Royalblau. Auch diese gehören in die Titanecke! Denn sie haben die gleichen Nachteile.

Wenn dir diese Inhalte etwas geben, wenn du dich hier wiederfindest oder Neues entdeckst – dann unterstütze uns.

Liebe Grüße

Tine!

Wer geben kann, gibt. Denn nur so bleiben die Dinge erhalten, die einem persönlich am Herzen liegen.

CHF——

Euro

Aber ganz so ist das nicht.

Es geht nicht ums Pauken, sondern um Fähigkeiten!

Ich will dir mal eine kleine Geschichte aus meinem Leben erzählen. Ich wünschte mir in meinem Garten einen kleinen Brunnen. Deshalb verabredeten mein Liebster und ich uns im Garten, um diesen kleinen Brunnen zu bauen.

Zuerst einmal brauchten wir ein Loch. Mein Liebster machte sich rar.

Wie macht man ein Loch? Mit der Schaufel, oder?

Ich begann mit der Schaufel, gab alles, schwitzte, riss mir die Fingernägel ab und zerrte an meinen Muskeln. Und ich war stinksauer auf den Liebsten!

Ich mühte mich ab und das Loch war mickrig, quasi nicht existent.

Das Gartentor schwang auf, der Liebste grinste wie ein Schelm und hatte eine kleine baggerartige Maschine dabei. Er schaute auf seine dreckige, verschwitzte Frau, strahlte charmant und machte mit einer kleinen Schaufel mehr Loch als ich in den zwei Stunden zuvor. Dabei machte ihm das Baggern so viel Spaß, dass ich ihn davon abhalten musste, den ganzen Garten zu verwüsten.

Merke: Es macht Spaß, wenn man die richtige Technik kennt.

Während sich mein Muskelkater entwickelte, hätte ich ihn erschlagen können, weil dieser Mann so ekelhaft schlau und durchdacht ist.

Was ist nun die Moral von der Geschichte?

Mit der richtigen Technik macht Aquarellieren richtig Spaß.

Im Aquarell hat man das gleiche Phänomen. Dadurch, dass viele Menschen, die Aquarell malen, nur mangelhaft ausgebildet sind,

…werden ganz einfache Dinge brutal schwer.

Sie benutzen die falschen Techniken und Werkzeuge. Dadurch werden viele Dinge so kompliziert, dass sie kaum lösbar erscheinen.

Leichte und spontane Aquarellskizzen – Hier ein Beispiel:

Heute zeige ich euch diese kurze Skizze, die ich einmal in 20 Minuten auf der Straße gemacht habe. Sie zeigt prima, warum falsches Werkzeug und mangelhaftes Wissen das Aquarellmalen unnötig kompliziert machen.

Leichte und spontane Aquarellskizzen entstehen durch die richtige Wahl des Pinsels.

Das ganze Bild wird mit der goldenen Farbe der Abendstimmung überzogen. Das dauert vielleicht eine Minute. Gewusst wie: Man benutzt einen sehr dicken Naturhaarpinsel. Ist die Lasur feucht und arbeitet man schnell, dann wird es perfekt.

Zu oft sehe ich aber, dass Lasuren mit kleinen Synthetikpinseln angelegt werden. Das dauert lange, ist mühsam

…und das Ergebnis sieht aus wie bei einem Kind, das zum ersten Mal allein Spaghetti gegessen hat.

Die Lasur hat unglaublich viele Flecken. Sehr frustrierend.

Der große Pinsel hingegen macht die Arbeit leicht und schnell.

Leichte und spontane Aquarellskizzen entstehen mit der richtigen Pinseltechnik.

Pinseltechnik ist kein Zauberwerk. Oft ist sie einfach und unkompliziert. Das Wasser in dieser Skizze zu malen, kostet mich vielleicht zehn Sekunden.

Warum ist das so schnell?

Die meisten Menschen denken, die richtige Art, mit einem Pinsel zu malen, sei die Spitze. Diese Technik ist auch sehr gut.

Nur gibt es für manche Motive effektivere Techniken.

Hier geht es vielen Malern so wie mir damals im Garten mit der Schaufel. Es funktioniert, aber es ist mühsam.

Wenn ich nun das Wasser male, male ich dann Welle für Welle oder jede einzelne Lichtreflexion? Nein.

Ich wechsle die Pinseltechnik zum trockenen Strich. Dafür schlage ich den Pinsel in der Luft aus, bis das Wasser herausfliegt. Im Atelier trockne ich ihn mit einem Handtuch. Dann nehme ich trockene Farbe direkt aus meinem Kasten.

Der Wassertopf wird dabei nicht benutzt.

Anschließend ziehe ich den Pinsel mit hoher Geschwindigkeit über das Papier. Aber ganz wichtig: Der Pinsel wird auf der Seite benutzt.

Plötzlich sieht das Malen des Wassers aus, als würde gezaubert.

Wenn die Handgriffe der Pinseltechnik sitzen, passiert das Ganze in wenigen Sekunden. Oft muss ich dies bei Demonstrationen mehrfach zeigen,

…weil der Prozess so schnell und einfach ist, dass die Menschen ihn beim ersten Mal gar nicht richtig wahrnehmen.

Mehr Beispiele für Vereinfachung!

In diesem Bild gibt es noch zwei weitere Beispiele, bei denen die richtige Pinseltechnik das Leben enorm erleichtert.

Leichte und spontane Aquarellskizzen entstehen nicht durch viel Arbeit, sondern durch Gewusst-wie.

Die Bäume sind normalerweise schwer zu malen. Schiebt man jedoch einen trockenen Pinsel rückwärts gegen seine übliche Malrichtung, die Bäume entstehen sie fast von selbst.

Aufgepasst! Merkst du etwas?

Auch hier wird nicht die schöne Spitze des Pinsels  zum Aquarellieren benutzt!

Feine Linien sind schwer?

Feine Linien und Masten sind oft ein Angstthema für Aquarellisten. Der Grund ist, dass man sie häufig mit feinen Pinselspitzen malen möchte. Und wieder ist die Lösung anders, als man denkt.

Oft lassen sich feine Linien durch Stempeln leichter erzeugen.

Was heißt das denn jetzt schon wieder?

Hier benutzt man die Seite des Pinsels. Der Pinsel wird nur kurz mit seiner Seite auf das Papier getippt. So entsteht eine viel feinere Linie, als wenn man sie malt.

Welches Werkzeug eignet sich dafür? Die Kante einer Kreditkarte oder ein Liner.

Der Liner sollte lang sein. Gut geeignet sind synthetische Haare. Warum? Weil sie nicht so viel Wasser aufnehmen und dadurch die Striche dünn bleiben.

Dünne Linien lösen bei vielen Menschen beim Malen regelrecht Schweißausbrüche, Angst und Panik aus!

Schau dir einmal die Stromkabel im Bild an.

Darf man wenigstens davor ein bisschen Angst haben?

Vollkommen unnötig!

Denn es gibt wieder einen kleinen Trick, der dir leichte und spontane Aquarellskizzen ermöglicht, auch wenn du feine Linien ziehen musst.

Du nimmst deinen Liner. Die Farbe darin darf weder zu nass noch ganz trocken sein. Vorher auf einem Blatt Papier testen!

Nun ziehst du den feinen Pinsel hinter deiner Hand her, so wie du eine Kiste ziehst, die zu schwer für dich ist. Die Hand macht die Bewegung zuerst und der Pinsel wird nachgeschleppt.

Die Folge: zarte Linien in Sekundenschnelle!

Liebe Leser, ihr seht also: Aquarell ist nicht schwer! Was uns das Leben schwer macht, ist meist nur mangelndes Know-how.

Was hast du davon?

Einerseits kannst du mit diesen Techniken überall schnell und sicher etwas festhalten. Aber selbst wenn das gar nicht dein Ziel ist, sind sie wichtig.

Denn sie helfen dir dabei, beim Malen eine wunderbare Leichtigkeit zu entwickeln.

Du kannst das!

Und wenn es noch nicht klappt, dann informiere dich, übe weiter oder komm zu mir in einen Kurs.

Liebe Grüße

Tine

Wir brauchen dich!

All das hier entsteht kostenlos – für eine lebendige Kunstcommunity, die voneinander lernt, sich inspiriert und gemeinsam wächst. Doch Kunst braucht Raum, Zeit… und ein kleines Budget.

Wenn dir diese Inhalte etwas geben, wenn du dich hier wiederfindest oder Neues entdeckst – dann unterstütze uns.

Jede Spende hilft, dass genau das weiter entstehen kann.

CHF——

Euro

Braucht man einen eigenen Malstil?

Diese Frage stellte mir eine amerikanische Malerin, als wir mit dem Bus durch das nächtliche Italien rasten. Wir waren zusammen im Aquarellmuseum in Fabriano. Und nun zückte sie ihr Smartphone und zeigte mir eine Reihe kunstvoller Malereien, die sie selbst angefertigt hatte.

Alle wunderbar hoch professionell und gefühlvoll.

Doch jedes einzelne Bild schien von einem anderen Maler gemacht! Das Sammelsurium war so vielfältig, dass ich mich am Kopf kratzte.

Genau für solche Fragen fährt man nach Fabriano. Der Austausch mit anderen Menschen zählt.

Jetzt saß ich in der Dunkelheit und dachte über die Frage nach.

Braucht man einen eigenen Malstil?

Ich gebe euch hier eine andere Antwort, als ihr erwartet:

Ich glaube, bedauerlicherweise braucht man ihn nicht!

Mein eigener Großvater war Maler. Er war fasziniert von der Technik des Malens. Und er war ein Schlitzohr – er ernährte die Familie gut damit, dass er Bilder kunstvoll malte, die man sich sonst nicht leisten konnte. Er malte alles! Michelangelo, J. M. W. Turner, Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck – was ihm vor die Füße fiel.

Mein Großvater und diese Frau im Bus sind einfach Menschen, die gerne malen und es zur Perfektion gebracht haben

– und trotzdem gern andere Stile kopieren.

Menschen, die aus reiner Neugier auf das Malen und seine Techniken arbeiten, entwickeln oft keinen eigenen Malstil.

Es gibt viele Gründe zu malen!

Malen erzeugt seelische Zufriedenheit, weil es die kreisenden Gedanken im Kopf stoppen kann.

Und das ist in der heutigen Zeit Gold wert! Wenn man sich und seiner Familie ausgeglichen gegenübertritt, ist das schon mehr Grund zu malen, als man eigentlich braucht.

Malen erzeugt klare Gedanken und gutes Beobachten.

Deshalb ist es bei Technikern und Wissenschaftlern so beliebt!

Gerade das Malen von schönen Dingen schenkt Glück.

Die Fähigkeit, das Gute wahrzunehmen, ist einfach wunderbar.

Braucht man also einen eigenen Malstil?

Nein, braucht man nicht. Das Malen allein ist Geschenk genug!

Aber…

Der eigene Malstil wird sehr begehrt. Warum?

Ein eigener Malstil ist so wunderbar, weil er den Menschen sichtbar macht.

Und deshalb möchten so viele Menschen einen eigenen Malstil.

Ein Malstil gibt dem Betrachter etwas, was sonst sehr selten ist:

Ein Blick durch fremde Augen.

Und das ist enorm faszinierend. Wie kann es sein, dass jemand denselben Gegenstand so anders sieht als ich?

Der eigene Malstil zeigt sehr viel über Menschen.

Jetzt bist du vielleicht irritiert und denkst: Wieso? Verstehe ich nicht!

Aber du hast vielleicht schon einmal eine Handschrift gesehen und hattest sofort eine Idee von der Person!

Du siehst die Handschrift eines grau gekleideten Herrn, der sehr korrekt schreibt – Buchhalter?

Ein Malstil verrät noch viel mehr.

Man sieht in einem Bild unglaublich viel!

Oft ist Malen der reinste Seelenstriptease.

Das Bild zeigt, wie jemand den Pinsel bewegt, und so erkennt man wichtige Charakterzüge.

Man sieht, ob sich jemand sanft, frech oder zögerlich bewegt.

Man sieht den Umgang mit Kontrolle und Risiko.

Kann jemand Unsicherheit ertragen?

Ist die Person bereit, Risiko einzugehen, um etwas Interessantes zu erzeugen?

Ist jemand ordentlich oder arbeitet die Person mit dem Chaos?

Wie viel beobachtet jemand? Oder gibt die Person eher Interpretation und Gefühl Raum?

Man sieht, wie jemand Farben wahrnimmt. Und das kann dir zeigen, wie sich jemand fühlt! Denk an die Einsamkeit bei Edward Hopper.

Schau mal in mein Bild! Wer bin ich?

Ich habe dieses Bild gewählt, weil ich denke, dass man hier viele meiner persönlichen Eigenschaften sehr gut erkennen kann. Mich interessiert sehr, was ihr darin erkennt. Kann man einen Menschen durch seine Bilder lesen?

Kommentiere das doch auf Facebook oder Instagram, damit wir ins Gespräch kommen. Hier geht das im Moment leider nicht, weil jemand die Kommentare für Kriegspropaganda missbraucht.

Mein Instagramprofil, hierhttps://www.instagram.com/tine.klein/?hl=de

Du möchtest einen eigenen Malstil?

Oft liest man, dass man nur Zeit mit dem Malen verbringen muss und der Stil kommt von selbst. Wenn man es so definiert:

Ein Malstil ist die typische Art und Weise, wie jemand malt.

Dann stimmt das. Jeder entwickelt eine typische Art, wie er malt.

Aber ganz ehrlich?

Es gibt Menschen, die ihr Leben lang unwiedererkennbar malen. Wie passiert das?

Das liegt daran, dass viele glauben, es gebe feste Regeln in der Kunst. Sie malen nach Zeitgeist und wollen nicht das Risiko eingehen, etwas ganz Eigenes zu tun. Sie eifern populären Idolen nach.

Sie malen so, dass es nett bleibt. Nicht angreifbar.

Saubere Linien. Unauffällige Farben. Alles „richtig“.

Und genau deshalb bleibt der Stil oft unsichtbar

– weil er versucht, sich im Massengeschmack zu verstecken.

Was ist also ein echter eigener Stil? Und wie bekommt man ihn?

Zuerst: Geduld. Viel malen.

Der zweite Teil ist schwieriger.

Man muss anfangen, sich selbst zu respektieren.

Aufhören zu denken: Wie machen es die anderen? Was ist meisterlich?

Stattdessen fragen:

Was fühlt sich für mich gut an?

Du hast eine absolute Lieblingsfarbe? Gut. Dann benutze sie – ohne Reue.
Du magst harte Kontraste, weil du die Welt so siehst? Dann mach das.
Du bist eher zart? Super – zeig das!

Das besonders Schöne an Kunst ist, dass sie uns die Eigenheiten von Menschen zeigt.

Und genau diese Eigenheiten machen Malerei auch im Zeitalter der Fotografie spannend.

Interessant wirst du aber nur, wenn du zeigst, wer du bist.

Setze Techniken, Linien und Farben so, wie dir der Schnabel gewachsen ist!

Weißt du, was das bedeutet?

Einige Leute werden deine Kunst doof finden.

Warum? Weil man nicht jedem gefallen kann.

Aber wenn du deinen Pinsel so bewegst, wie du bist, wenn du deine Farben so wählst, wie sie dir gefallen, wenn du so locker oder so genau arbeitest, wie es dir entspricht – dann hast du deinen Stil.

Und wir werden dich dafür lieben.

Zeig uns, womit du dich wohlfühlst. Zeig uns, wer du bist.

Hör auf, krampfhaft nach einem Malstil zu suchen!   Zeig lieber deinen persönlichen Ausdruck. Denn ein echter Stil entsteht selten am Reißbrett

Merke dir eines: Du zählst. Wir brauchen dich.

Und die Meckerer?

Die meckern oft, weil sie sich genau das nicht trauen.

Liebe Grüße
Tine

Wir brauchen dich!

All das hier entsteht kostenlos – für eine lebendige Kunstcommunity, die voneinander lernt, sich inspiriert und gemeinsam wächst. Doch Kunst braucht Raum, Zeit… und ein kleines Budget.

Wenn dir diese Inhalte etwas geben, wenn du dich hier wiederfindest oder Neues entdeckst – dann unterstütze uns.

Jede Spende hilft, dass genau das weiter entstehen kann.

CHF——

Euro

Weiterlesen bei Tine. Am Anfang hilft dir das Experiment:

https://blog.herz-der-kunst.ch/tag/freiheit/

Im Instagram blitzt er immer mal wieder auf – mein Aquarellkasten. Und ja, ich weiß: Viele von euch schauen da ganz genau hin. Was ist das für eine Palette? Welche Farben sind da drin? Und warum sieht das Ding, ehrlich gesagt, so schäbig aus?

Ich sag’s dir, wie es ist: Mein Kasten ist nicht schön. Er ist dreckig, verkratzt, über die Jahre gewachsen. Und trotzdem – oder vielleicht genau deshalb

– spuckt er wunderschöne Farben aus.

Ich arbeite nicht mit einem luxuriösen Metallkasten, sondern mit einem leichten, einfachen Kunststoffkasten. Warum? Weil ich viel unterwegs bin. Ich schleppe meine Sachen durch Städte, in Züge, auf Hügel, an Küsten. Gewicht ist da kein Detail, sondern eine Entscheidung. Ein schwerer Metallkasten mag edel sein – aber er bleibt schneller zuhause.

Jeder, der malt, wünscht sich eine Palette, die sich richtig anfühlt – als wäre sie genau für ihn gemacht.

Viele wünschen sich eine ideale Zusammenstellung. Eine, die alles kann, die immer funktioniert. Aber diese Palette entsteht nicht über Nacht. Sie wächst. Über Jahre. Über Fehlkäufe, Lieblingsfarben, kleine Entdeckungen und große Irrtümer.

Am Ende hat man kein perfektes System – sondern ein sehr persönliches.

Und trotzdem: Ganz so chaotisch, wie mein Kasten auf den ersten Blick wirkt, ist er nicht.

Das System im Aquarellkasten

Doch wenn man genauer hinschaut, sind die Farbkästen von Künstlern längst nicht so chaotisch, wie sie auf den ersten Blick wirken.

Wenn man genauer hinschaut, steckt hinter fast jeder Künstlerpalette ein Prinzip. Manche kennen es bewusst, andere entwickeln es intuitiv über die Jahre.

Bei mir sind es die sechs Grundfarben. Und ich würde behaupten: Das ist der Schlüssel zum guten Mischen!

Warum sechs?

Man hört oft: Drei Grundfarben reichen. Rot, Gelb, Blau – fertig.

Das klingt logisch, ist aber in der Praxis zu grob. Wenn du wirklich sauber, differenziert und gezielt mischen willst, brauchst du mehr Kontrolle. Und die bekommst du über warme und kalte Varianten jeder Grundfarbe.

Meine Basis:

Warmes Gelb (Indischgelb, Schmincke)
Kaltes Gelb (Zitronengelb, Schmincke)
Warmes Rot (Geranienrot, Schmincke)
Kaltes Rot (Permanent Rose, Winsor & Newton)
Warmes Blau (Ultramarin, Winsor & Newton)
Kaltes Blau (Phthaloblau, Schmincke)

Diese sechs Farben sind kein Zufall. Sie sind dein Werkzeugkasten fürs Mischen.

Was bedeutet „warm“ und „kalt“ überhaupt?

Hier wird es spannend – und, wenn ich ehrlich bin, auch ein bisschen unbequem. Wer sich nicht gut auskennt, erkennt den Unterschied oft gar nicht.

Was bedeuted zum Beispiel warmes Blau oder kaltes Gelb?

Eine Farbe ist „warm“, wenn sie sich in Richtung einer warmen Nachbarfarbe bewegt. Und „kalt“, wenn sie in Richtung einer kühlen tendiert.

Schau mal in den Farbkreis. Oben ist Feuerrot, die wärmste Farbe.

Es gibt ein Blau das liegt oben im Kreis, das ist ein warmes Blau (Ultramarin) , es ist fast Lila, das heißt es enthält ein bisschen Rot. Dann ist das Blau warm!

Zitronengelb liegt direkt neben Grün,  es neigt sich zu Grün, und enthält einen Hauch Blau, deshalb ist es kalt.

Das klingt theoretisch, wird aber sofort praktisch, sobald du mischst.

Warum sind kalte und warme Grundfarben im Aquarellkasten so wichtig?

Oft wird gesagt das man 3 Grundfarben braucht um präzise zu Mischen! Das ist Quatsch!

Wer genau Mischen möchte braucht mindestens 6.

Jede Grundfarbe hat eine Tendenz zu einer Nachbarfarbe.

Gelb kann sein:
kaltes Gelb, Zitrone → Richtung Grün
warmes Gelb, Indisch → Richtung Orange

Das ist bei jeder Farbe so!

Und genau hier liegt der Trick.

tell dir vor, du willst ein leuchtendes Grün.

Dann nimmst du:
kaltes Gelb + kaltes Blau

Beide Farben „wollen“ Richtung Grün. Sie arbeiten zusammen. Das Ergebnis wird klar, frisch, fast strahlend.

Nimmst du stattdessen:
warmes Gelb + warmes Blau

dann passiert etwas völlig anderes. Beide Farben bewegen sich vom Grün weg. Indischgelb Richtung Orange, Ultramarin Richtung Violett. In dieser Mischung steckt also indirekt Rot – und Rot ist die Gegenfarbe von Grün.

Was passiert? Das Grün wird gebrochen. Gedämpft. Natürlicher. Oliviger.

Und genau da beginnt Kontrolle.

Du entscheidest nicht mehr zufällig, was passiert. Du steuerst, ob eine Farbe leuchtet oder zurücktritt.

Dieses Prinzip gilt für alle Mischungen.

Wenn sich Farben zur Mischfarbe hin bewegen → leuchtend
Wenn sie sich von ihr weg bewegen → gebrochen

Das ist kein Trick. Das ist die Grundlage.

Und genau deshalb sind diese sechs Farben das Fundament von allem.

1. Warmes Gelb ( Indischgelb Schmincke)
2. Kaltes Gelb ( Zitronengelb Schmincke)
3. Warmes Rot (Geranienrot Schmincke)
4. Kaltes Rot (z. B. permanent Rose Winsor and Newton)
5. Warmes Blau (z. B. Ultramarin Winsor and Newton)
6. Kaltes Blau (z. B. Phthaloblau Schmincke)

Jetzt habe ich noch weitere Farben im Kasten. Und die bieten mir zusätzliche Möglichkeiten.

Naturtöne:

Regen in Girona: Auch Naturfarben sind wichtig!

Meine sechs Grundfarben sind rein. Aber erst die natürlichen, gebrochenen Farben machen einen Kasten wirklich vollständig.

Siena Natur (Schmincke) – für sandige, warme, natürliche Flächen
Gebrannte Siena (Winsor & Newton) – bricht Rottöne, ergibt mit Ultramarin ein tiefes Dunkel
Buff Titanium – wunderbar, um grelle Farben zu beruhigen, besonders in weichen Schatten

Satte Farben , tiefe Dunkelheit:

Kontraste machen Bilder ausdrucksstark. Ohne Dunkelheit kein Licht. Und ohne Kontrast kein Ausdruck.

Indigo – fast schwarz, aber ein starkes Blau
Permanent Alizarin – dunkles, leuchtendes Rot
Dioxazin Violett – unglaublich tief und satt

Die Farben von Sennelier sind mit Honig gebunden, ein bisschen klebrig – dadurch fällt es leichter, satte, dunkle Farben zu malen.

Granulation:

Granulierende Farben sind für mich wie Gewürze. Man braucht sie nicht immer – aber wenn, dann machen sie den Unterschied. Diese kleinen Tupfen lassen Bilder lebendig werden.

Cobalt (Roman Szmal)
Französisches Ultramarin (Winsor & Newton)
Geothit (Roman Szmal) – ähnlich Siena Natur, aber mit lebendiger Struktur

Jeder Farbnerd hat Lieblingsfarben im Aquarellkasten!

Jetzt kommt der unvernünftige Teil. Und ich bin da ganz ehrlich: Ich habe Farben, die ich nicht brauche – aber liebe. Schuldig im Sinne der Anklage!  Ein Farbkasten ohne Lieblingsfarben ist nix! Obwohl ich die meisten dieser Farben mixen könnte, habe ich sie einfach, weil ich sie begehre.

Oxide Orange, ausdrucksstarkes Orange (Roman Szmal) – da ist immer ein Loch drin, weil ich es so viel benutze!
Vert Turquoise von Sennelier – kühle Leuchtkraft.
Ingwer Orange von Roman Szmal– leuchtende Farbspritzer, deckend.
Royal Blue von Sennelier (das ist das Himmelsblau!).

Brauche ich diese Farben? Nein.
Bin ich gierig auf sie? Ja!!!!

Chaos oder System im Aquarellkasten:

Von außen wirkt mein Kasten wie ein wildes Sammelsurium. Aber im Kern basiert alles auf den sechs Grundfarben.

Hinzu kommen Farben, die mir Eigenschaften bieten, die meine sechs Grundfarben nicht abdecken.

Wichtig ist: Ich verliere trotz Vielfalt nie die Kontrolle über das Mischen.

Oft sind Farben desselben Pigments mehrfach im Kasten, weil sie sich nur in einer Kleinigkeit unterscheiden.

Ultramarin + Französisches Ultramarin: Das eine granuliert, das andere nicht! Dasselbe gilt für Siena gebrannt und Geothit. Dadurch behalte ich den Überblick.

Mein Tipp für dich

Fang nicht mit zwanzig Farben an.

Arbeite mit den sechs Grundfarben. Wirklich. So lange, bis du sie im Gefühl hast. Bis du nachts weißt, welche Mischung was ergibt.

Und dann erweitere deinen Kasten – gezielt.

Achte auf Pigmente. Vermeide Farben mit zu vielen Bestandteilen. Je klarer eine Farbe aufgebaut ist, desto besser lässt sie sich mischen.

Und dann passiert etwas Schönes:

Dein Kasten wird nicht perfekter. Aber er wird deiner.

Dies ist meine aktuelle Palette:

Warmes Gelb (Indischgelb, Schmincke)
Kaltes Gelb (Zitronengelb, Schmincke)
Siena Natur (Schmincke)
Geothit (Roman Szmal, granuliert)
Buff Titanium (deckend)
Gebrannte Siena (Winsor & Newton)
Warmes Rot (Geranienrot, Schmincke)
Kaltes Rot (Permanent Rose, Winsor & Newton)
Oxide Orange (Roman Szmal)
Ingwer Orange (Roman Szmal) – für Spritzer
Warmes Blau (Ultramarin, Winsor & Newton)
Französisches Ultramarin (granulierend)
Permanent Alizarin (Sennelier)
Dioxazin Violett (Sennelier)
Kaltes Blau (Phthaloblau, Schmincke)
Indigo (Sennelier)
Cobalt (Roman Szmal)
Vert Turquoise (Sennelier)
Royal Blue (Sennelier)

Und nun ist es deine Aufgabe, ganz langsam und genussvoll deine eigenen Farben zu finden.

Liebe Grüße Tine

Kleine Spenden machen einen großen Unterschied.

CHF——

Euro

Weiche Kanten im Aquarell! Dem Wahnsinn nahe?

In diesem Bild gibt es eine Menge harter Farbkanten, aber auch weiche Kanten, denn nur so wird Licht glaubhaft. Dazu aber später.

Generell ist das Erzeugen von weichen Kanten im Aquarell nichts Schwieriges. Oft wird behauptet, das sei die hohe Kunst, aber das ist mal wieder ein Märchen von Leuten, die nur ein begrenztes Wissen über das Aquarellieren haben.

Aquarellieren ist im Grunde eine einfache Sache, wenn man die richtige Technik anwendet.

Wann entstehen harte Kanten?

Harte Kanten entstehen im Aquarell eigentlich immer, wenn man mit einem feuchten Pinsel auf trockenem Papier malt.

Oft möchte man aber keine harten Kanten. Der Hauptgrund dafür ist, dass harte Kanten sehr unnatürlich wirken. Sie lassen Aquarelle auseinanderbrechen, weil jedes einzelne Teil eine harte Kante bekommt – und das sieht dann eher aus wie ein Puzzle.

Weiche Kanten wirken natürlich!

Deshalb macht man die Kanten weicher. Man mildert sie so, dass ein sanfter Übergang zwischen hell und dunkel entsteht.

Im Deutschen gibt es für weiche Kanten leider keinen klaren Fachbegriff.

Man spricht vom Kantenbrechen, von verlorenen Kanten oder auch von „Blending“. Der Begriff kommt daher, dass es wirkt, als sei ein Weichzeichner über das Bild gegangen – es entstehen sanfte Übergänge.

Diese Technik hat jedoch einen sehr schlechten Ruf, weil sie einem den letzten Nerv rauben kann.

Doch aufgepasst: Es handelt sich hier nicht um eine einzige Technik, sondern um ein ganzes Bündel von Methoden! Und nicht alle sind nervenaufreibend.

Weiche Kanten – Methoden und Resultate

Ein kurzer Überblick über die Techniken, die weiche Kanten erzeugen:

Methode 1: gewässertes Papier

Die erste Lösung ist, nass in nass zu malen. Dafür wird Baumwollpapier angefeuchtet, und man kann dann in aller Seelenruhe darauf malen – die Kanten bleiben weich.

Vorteil: Das feuchte Papier gibt dem Maler viel Zeit und Ruhe zum Arbeiten.

Ungeübten Malern kann es dabei passieren, dass das Bild im wahrsten Sinne des Wortes wegfließt. Denn weiche Kanten sind weich, aber nicht formlos! Für diese Technik braucht man sehr viel Timing. Am besten klappt es, wenn man immer auf dem gleichen Papier arbeitet.

Für Eilige oder für Menschen, die gerne draußen arbeiten, ist diese Technik ebenfalls ungeeignet, denn so feuchtes Papier trocknet sehr langsam.

Methode 2: feuchte Übergänge

Die zweite Technik ist ebenfalls einfach:

Man setzt zwei feuchte Flächen nebeneinander.

Die Pigmente kriechen dann langsam aus der Farbe heraus, es bildet sich eine Übergangszone, und weiche Kanten entstehen. Das funktioniert wunderbar – doch das Timing ist anspruchsvoll. Die dunklere Fläche muss leicht antrocknen, bevor man im richtigen Moment die nächste feuchte Fläche ansetzt, sodass die Pigmente langsam „herauswandern“.

Diese Technik kann einen jedoch schier wahnsinnig machen, besonders bei komplexen Motiven.

Dann gleicht sie einem Wettkampf – nein, eher einem Kriegsschauplatz, auf dem ein einzelner Sanitäter viele Verletzte gleichzeitig versorgen muss und dabei noch den perfekten Zeitpunkt treffen soll.

Vielleicht wird bei dieser Beschreibung klar, warum die Techniken des Verblendens einen so schlechten Ruf haben:

Sie rauben einem den letzten Nerv. Das Malen verliert seinen Genuss und wird zu einer hektischen Jagd, bei der man alles gleichzeitig im Blick behalten muss – und zwangsläufig irgendwann den Überblick verliert. Frustrierend!

Diese beiden Techniken sind es, die dazu führen, dass nur wenige Menschen das Kantenbrechen wirklich gut beherrschen.

Doch wer im Aquarell zur Meisterschaft gelangt, macht sich das Leben oft deutlich leichter.

Schau nach der 2! Diese Technik macht die schönsten und natürlichsten Übergänge.

Technik 3: Kantenbrechen mit dem Flachpinsel

Das Kantenbrechen lässt sich nämlich auch mit einer ganz einfachen Technik umsetzen – ganz nebenbei.

Hier seht ihr ein Motiv aus Bologna. Die Perspektive ist höllisch kompliziert, und nebenbei sind etwa 30 Kanten zu brechen, damit ein überzeugendes Licht entsteht.

Was tun? Den Kopf auf den Tisch schlagen und hysterisch schreien?

Quatsch! Wir benutzen die einfache Methode.

Wir brauchen:

• Sauberes Wasser
• Einen weichen Lappen
• Einen steifen Flachpinsel mit Synthetikhaar
• Ein gutes, robustes Aquarellpapier (auf ganz unversiegelten Papieren – oft Baumwollpapiere – funktioniert es nicht gut)

Wie funktioniert es nun mit den weichen Kanten?

Erst einmal: entspannen. Kaffee trinken, Füße hochlegen

– das Bild muss vollständig durchtrocknen. Erst wenn die Farbe wirklich trocken ist, geht es los.

Man macht einen Flachpinsel mit guter Spitze leicht feucht und benetzt damit das Papier. Anschließend wischt man die Farbe mit einem trockenen Lappen vorsichtig ab.

Vorsicht mit der Präzision – nicht wie ein Putzteufel!

Logischerweise arbeitet man dabei immer in die dunklen Pigmente hinein

– im hellen Bereich entstehen sonst unschöne Schmierflecken.

Jetzt ist bereits ein Teil des Pigments entfernt.

Weiche Kanten entstehen dadurch, dass es keinen harten Übergang mehr zwischen heller und dunkler Farbe gibt.

Ist nach dem Abwischen noch eine Kante sichtbar, kann man vorsichtig etwas Pigment aus der dunkleren Fläche in die helle Fläche ziehen.

Sanftheit durch Wischen. Dort, wo du die 3 siehst, und in den Bögen der Laubengänge wurden weiche Kanten durch Wischen erzeugt. Schnell und auch nicht zu verachten!

Zusammenfassung – wo liegen die Stolpersteine der trockenen Technik mit Flachpinsel?

Generell ist diese Technik einfach, schnell und praktisch:

• Der Pinsel ist zu feucht und gibt unkontrolliert Wasser ab. Ergebnis: Es wird fleckig. Lösung: Pinsel gut abtrocknen und nur leicht feucht verwenden.
• Das Papier wird beschädigt, weil zu stark geschrubbt wird. Der Trick ist, die Feuchtigkeit aufzutragen und das Pigment sanft abzuheben. Deshalb heißt die Technik im Englischen „Lift and Blend“.
• Zu großflächiger Einsatz: Wenn man große Flächen aufhellt, entstehen zwar weiche Kanten, aber auch ein matschiges Farbbild – graue, stumpfe Bereiche sind die Folge.
• Pinsel ohne Spitze wirken schnell grob. Es geht hier um präzises Nacharbeiten – nicht ums Verschmieren.

Viel Spaß beim Nachmachen!
Tine

CHF

——

Euro

„Viele meiner Inhalte sind frei zugänglich – weil ich möchte, dass möglichst viele Menschen malen und entdecken können.
Wenn du das schätzt und unterstützen möchtest, freue ich mich sehr über deine Spende. Sie hilft mir, weiterhin mit Ruhe, Tiefe und Freude zu arbeiten.“