Im Instagram blitzt er immer mal wieder auf – mein Aquarellkasten. Und ja, ich weiß: Viele von euch schauen da ganz genau hin. Was ist das für eine Palette? Welche Farben sind da drin? Und warum sieht das Ding, ehrlich gesagt, so schäbig aus?

Ich sag’s dir, wie es ist: Mein Kasten ist nicht schön. Er ist dreckig, verkratzt, über die Jahre gewachsen. Und trotzdem – oder vielleicht genau deshalb

– spuckt er wunderschöne Farben aus.

Ich arbeite nicht mit einem luxuriösen Metallkasten, sondern mit einem leichten, einfachen Kunststoffkasten. Warum? Weil ich viel unterwegs bin. Ich schleppe meine Sachen durch Städte, in Züge, auf Hügel, an Küsten. Gewicht ist da kein Detail, sondern eine Entscheidung. Ein schwerer Metallkasten mag edel sein – aber er bleibt schneller zuhause.

Jeder, der malt, wünscht sich eine Palette, die sich richtig anfühlt – als wäre sie genau für ihn gemacht.

Viele wünschen sich eine ideale Zusammenstellung. Eine, die alles kann, die immer funktioniert. Aber diese Palette entsteht nicht über Nacht. Sie wächst. Über Jahre. Über Fehlkäufe, Lieblingsfarben, kleine Entdeckungen und große Irrtümer.

Am Ende hat man kein perfektes System – sondern ein sehr persönliches.

Und trotzdem: Ganz so chaotisch, wie mein Kasten auf den ersten Blick wirkt, ist er nicht.

Das System im Aquarellkasten

Doch wenn man genauer hinschaut, sind die Farbkästen von Künstlern längst nicht so chaotisch, wie sie auf den ersten Blick wirken.

Wenn man genauer hinschaut, steckt hinter fast jeder Künstlerpalette ein Prinzip. Manche kennen es bewusst, andere entwickeln es intuitiv über die Jahre.

Bei mir sind es die sechs Grundfarben. Und ich würde behaupten: Das ist der Schlüssel zum guten Mischen!

Warum sechs?

Man hört oft: Drei Grundfarben reichen. Rot, Gelb, Blau – fertig.

Das klingt logisch, ist aber in der Praxis zu grob. Wenn du wirklich sauber, differenziert und gezielt mischen willst, brauchst du mehr Kontrolle. Und die bekommst du über warme und kalte Varianten jeder Grundfarbe.

Meine Basis:

Warmes Gelb (Indischgelb, Schmincke)
Kaltes Gelb (Zitronengelb, Schmincke)
Warmes Rot (Geranienrot, Schmincke)
Kaltes Rot (Permanent Rose, Winsor & Newton)
Warmes Blau (Ultramarin, Winsor & Newton)
Kaltes Blau (Phthaloblau, Schmincke)

Diese sechs Farben sind kein Zufall. Sie sind dein Werkzeugkasten fürs Mischen.

Was bedeutet „warm“ und „kalt“ überhaupt?

Hier wird es spannend – und, wenn ich ehrlich bin, auch ein bisschen unbequem. Wer sich nicht gut auskennt, erkennt den Unterschied oft gar nicht.

Was bedeuted zum Beispiel warmes Blau oder kaltes Gelb?

Eine Farbe ist „warm“, wenn sie sich in Richtung einer warmen Nachbarfarbe bewegt. Und „kalt“, wenn sie in Richtung einer kühlen tendiert.

Schau mal in den Farbkreis. Oben ist Feuerrot, die wärmste Farbe.

Es gibt ein Blau das liegt oben im Kreis, das ist ein warmes Blau (Ultramarin) , es ist fast Lila, das heißt es enthält ein bisschen Rot. Dann ist das Blau warm!

Zitronengelb liegt direkt neben Grün,  es neigt sich zu Grün, und enthält einen Hauch Blau, deshalb ist es kalt.

Das klingt theoretisch, wird aber sofort praktisch, sobald du mischst.

Warum sind kalte und warme Grundfarben im Aquarellkasten so wichtig?

Oft wird gesagt das man 3 Grundfarben braucht um präzise zu Mischen! Das ist Quatsch!

Wer genau Mischen möchte braucht mindestens 6.

Jede Grundfarbe hat eine Tendenz zu einer Nachbarfarbe.

Gelb kann sein:
kaltes Gelb, Zitrone → Richtung Grün
warmes Gelb, Indisch → Richtung Orange

Das ist bei jeder Farbe so!

Und genau hier liegt der Trick.

tell dir vor, du willst ein leuchtendes Grün.

Dann nimmst du:
kaltes Gelb + kaltes Blau

Beide Farben „wollen“ Richtung Grün. Sie arbeiten zusammen. Das Ergebnis wird klar, frisch, fast strahlend.

Nimmst du stattdessen:
warmes Gelb + warmes Blau

dann passiert etwas völlig anderes. Beide Farben bewegen sich vom Grün weg. Indischgelb Richtung Orange, Ultramarin Richtung Violett. In dieser Mischung steckt also indirekt Rot – und Rot ist die Gegenfarbe von Grün.

Was passiert? Das Grün wird gebrochen. Gedämpft. Natürlicher. Oliviger.

Und genau da beginnt Kontrolle.

Du entscheidest nicht mehr zufällig, was passiert. Du steuerst, ob eine Farbe leuchtet oder zurücktritt.

Dieses Prinzip gilt für alle Mischungen.

Wenn sich Farben zur Mischfarbe hin bewegen → leuchtend
Wenn sie sich von ihr weg bewegen → gebrochen

Das ist kein Trick. Das ist die Grundlage.

Und genau deshalb sind diese sechs Farben das Fundament von allem.

1. Warmes Gelb ( Indischgelb Schmincke)
2. Kaltes Gelb ( Zitronengelb Schmincke)
3. Warmes Rot (Geranienrot Schmincke)
4. Kaltes Rot (z. B. permanent Rose Winsor and Newton)
5. Warmes Blau (z. B. Ultramarin Winsor and Newton)
6. Kaltes Blau (z. B. Phthaloblau Schmincke)

Jetzt habe ich noch weitere Farben im Kasten. Und die bieten mir zusätzliche Möglichkeiten.

Naturtöne:

Regen in Girona: Auch Naturfarben sind wichtig!

Meine sechs Grundfarben sind rein. Aber erst die natürlichen, gebrochenen Farben machen einen Kasten wirklich vollständig.

Siena Natur (Schmincke) – für sandige, warme, natürliche Flächen
Gebrannte Siena (Winsor & Newton) – bricht Rottöne, ergibt mit Ultramarin ein tiefes Dunkel
Buff Titanium – wunderbar, um grelle Farben zu beruhigen, besonders in weichen Schatten

Satte Farben , tiefe Dunkelheit:

Kontraste machen Bilder ausdrucksstark. Ohne Dunkelheit kein Licht. Und ohne Kontrast kein Ausdruck.

Indigo – fast schwarz, aber ein starkes Blau
Permanent Alizarin – dunkles, leuchtendes Rot
Dioxazin Violett – unglaublich tief und satt

Die Farben von Sennelier sind mit Honig gebunden, ein bisschen klebrig – dadurch fällt es leichter, satte, dunkle Farben zu malen.

Granulation:

Granulierende Farben sind für mich wie Gewürze. Man braucht sie nicht immer – aber wenn, dann machen sie den Unterschied. Diese kleinen Tupfen lassen Bilder lebendig werden.

Cobalt (Roman Szmal)
Französisches Ultramarin (Winsor & Newton)
Geothit (Roman Szmal) – ähnlich Siena Natur, aber mit lebendiger Struktur

Jeder Farbnerd hat Lieblingsfarben im Aquarellkasten!

Jetzt kommt der unvernünftige Teil. Und ich bin da ganz ehrlich: Ich habe Farben, die ich nicht brauche – aber liebe. Schuldig im Sinne der Anklage!  Ein Farbkasten ohne Lieblingsfarben ist nix! Obwohl ich die meisten dieser Farben mixen könnte, habe ich sie einfach, weil ich sie begehre.

Oxide Orange, ausdrucksstarkes Orange (Roman Szmal) – da ist immer ein Loch drin, weil ich es so viel benutze!
Vert Turquoise von Sennelier – kühle Leuchtkraft.
Ingwer Orange von Roman Szmal– leuchtende Farbspritzer, deckend.
Royal Blue von Sennelier (das ist das Himmelsblau!).

Brauche ich diese Farben? Nein.
Bin ich gierig auf sie? Ja!!!!

Chaos oder System im Aquarellkasten:

Von außen wirkt mein Kasten wie ein wildes Sammelsurium. Aber im Kern basiert alles auf den sechs Grundfarben.

Hinzu kommen Farben, die mir Eigenschaften bieten, die meine sechs Grundfarben nicht abdecken.

Wichtig ist: Ich verliere trotz Vielfalt nie die Kontrolle über das Mischen.

Oft sind Farben desselben Pigments mehrfach im Kasten, weil sie sich nur in einer Kleinigkeit unterscheiden.

Ultramarin + Französisches Ultramarin: Das eine granuliert, das andere nicht! Dasselbe gilt für Siena gebrannt und Geothit. Dadurch behalte ich den Überblick.

Mein Tipp für dich

Fang nicht mit zwanzig Farben an.

Arbeite mit den sechs Grundfarben. Wirklich. So lange, bis du sie im Gefühl hast. Bis du nachts weißt, welche Mischung was ergibt.

Und dann erweitere deinen Kasten – gezielt.

Achte auf Pigmente. Vermeide Farben mit zu vielen Bestandteilen. Je klarer eine Farbe aufgebaut ist, desto besser lässt sie sich mischen.

Und dann passiert etwas Schönes:

Dein Kasten wird nicht perfekter. Aber er wird deiner.

Dies ist meine aktuelle Palette:

Warmes Gelb (Indischgelb, Schmincke)
Kaltes Gelb (Zitronengelb, Schmincke)
Siena Natur (Schmincke)
Geothit (Roman Szmal, granuliert)
Buff Titanium (deckend)
Gebrannte Siena (Winsor & Newton)
Warmes Rot (Geranienrot, Schmincke)
Kaltes Rot (Permanent Rose, Winsor & Newton)
Oxide Orange (Roman Szmal)
Ingwer Orange (Roman Szmal) – für Spritzer
Warmes Blau (Ultramarin, Winsor & Newton)
Französisches Ultramarin (granulierend)
Permanent Alizarin (Sennelier)
Dioxazin Violett (Sennelier)
Kaltes Blau (Phthaloblau, Schmincke)
Indigo (Sennelier)
Cobalt (Roman Szmal)
Vert Turquoise (Sennelier)
Royal Blue (Sennelier)

Und nun ist es deine Aufgabe, ganz langsam und genussvoll deine eigenen Farben zu finden.

Liebe Grüße Tine

Kleine Spenden machen einen großen Unterschied.

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Weiche Kanten im Aquarell! Dem Wahnsinn nahe?

In diesem Bild gibt es eine Menge harter Farbkanten, aber auch weiche Kanten, denn nur so wird Licht glaubhaft. Dazu aber später.

Generell ist das Erzeugen von weichen Kanten im Aquarell nichts Schwieriges. Oft wird behauptet, das sei die hohe Kunst, aber das ist mal wieder ein Märchen von Leuten, die nur ein begrenztes Wissen über das Aquarellieren haben.

Aquarellieren ist im Grunde eine einfache Sache, wenn man die richtige Technik anwendet.

Wann entstehen harte Kanten?

Harte Kanten entstehen im Aquarell eigentlich immer, wenn man mit einem feuchten Pinsel auf trockenem Papier malt.

Oft möchte man aber keine harten Kanten. Der Hauptgrund dafür ist, dass harte Kanten sehr unnatürlich wirken. Sie lassen Aquarelle auseinanderbrechen, weil jedes einzelne Teil eine harte Kante bekommt – und das sieht dann eher aus wie ein Puzzle.

Weiche Kanten wirken natürlich!

Deshalb macht man die Kanten weicher. Man mildert sie so, dass ein sanfter Übergang zwischen hell und dunkel entsteht.

Im Deutschen gibt es für weiche Kanten leider keinen klaren Fachbegriff.

Man spricht vom Kantenbrechen, von verlorenen Kanten oder auch von „Blending“. Der Begriff kommt daher, dass es wirkt, als sei ein Weichzeichner über das Bild gegangen – es entstehen sanfte Übergänge.

Diese Technik hat jedoch einen sehr schlechten Ruf, weil sie einem den letzten Nerv rauben kann.

Doch aufgepasst: Es handelt sich hier nicht um eine einzige Technik, sondern um ein ganzes Bündel von Methoden! Und nicht alle sind nervenaufreibend.

Weiche Kanten – Methoden und Resultate

Ein kurzer Überblick über die Techniken, die weiche Kanten erzeugen:

Methode 1: gewässertes Papier

Die erste Lösung ist, nass in nass zu malen. Dafür wird Baumwollpapier angefeuchtet, und man kann dann in aller Seelenruhe darauf malen – die Kanten bleiben weich.

Vorteil: Das feuchte Papier gibt dem Maler viel Zeit und Ruhe zum Arbeiten.

Ungeübten Malern kann es dabei passieren, dass das Bild im wahrsten Sinne des Wortes wegfließt. Denn weiche Kanten sind weich, aber nicht formlos! Für diese Technik braucht man sehr viel Timing. Am besten klappt es, wenn man immer auf dem gleichen Papier arbeitet.

Für Eilige oder für Menschen, die gerne draußen arbeiten, ist diese Technik ebenfalls ungeeignet, denn so feuchtes Papier trocknet sehr langsam.

Methode 2: feuchte Übergänge

Die zweite Technik ist ebenfalls einfach:

Man setzt zwei feuchte Flächen nebeneinander.

Die Pigmente kriechen dann langsam aus der Farbe heraus, es bildet sich eine Übergangszone, und weiche Kanten entstehen. Das funktioniert wunderbar – doch das Timing ist anspruchsvoll. Die dunklere Fläche muss leicht antrocknen, bevor man im richtigen Moment die nächste feuchte Fläche ansetzt, sodass die Pigmente langsam „herauswandern“.

Diese Technik kann einen jedoch schier wahnsinnig machen, besonders bei komplexen Motiven.

Dann gleicht sie einem Wettkampf – nein, eher einem Kriegsschauplatz, auf dem ein einzelner Sanitäter viele Verletzte gleichzeitig versorgen muss und dabei noch den perfekten Zeitpunkt treffen soll.

Vielleicht wird bei dieser Beschreibung klar, warum die Techniken des Verblendens einen so schlechten Ruf haben:

Sie rauben einem den letzten Nerv. Das Malen verliert seinen Genuss und wird zu einer hektischen Jagd, bei der man alles gleichzeitig im Blick behalten muss – und zwangsläufig irgendwann den Überblick verliert. Frustrierend!

Diese beiden Techniken sind es, die dazu führen, dass nur wenige Menschen das Kantenbrechen wirklich gut beherrschen.

Doch wer im Aquarell zur Meisterschaft gelangt, macht sich das Leben oft deutlich leichter.

Schau nach der 2! Diese Technik macht die schönsten und natürlichsten Übergänge.

Technik 3: Kantenbrechen mit dem Flachpinsel

Das Kantenbrechen lässt sich nämlich auch mit einer ganz einfachen Technik umsetzen – ganz nebenbei.

Hier seht ihr ein Motiv aus Bologna. Die Perspektive ist höllisch kompliziert, und nebenbei sind etwa 30 Kanten zu brechen, damit ein überzeugendes Licht entsteht.

Was tun? Den Kopf auf den Tisch schlagen und hysterisch schreien?

Quatsch! Wir benutzen die einfache Methode.

Wir brauchen:

• Sauberes Wasser
• Einen weichen Lappen
• Einen steifen Flachpinsel mit Synthetikhaar
• Ein gutes, robustes Aquarellpapier (auf ganz unversiegelten Papieren – oft Baumwollpapiere – funktioniert es nicht gut)

Wie funktioniert es nun mit den weichen Kanten?

Erst einmal: entspannen. Kaffee trinken, Füße hochlegen

– das Bild muss vollständig durchtrocknen. Erst wenn die Farbe wirklich trocken ist, geht es los.

Man macht einen Flachpinsel mit guter Spitze leicht feucht und benetzt damit das Papier. Anschließend wischt man die Farbe mit einem trockenen Lappen vorsichtig ab.

Vorsicht mit der Präzision – nicht wie ein Putzteufel!

Logischerweise arbeitet man dabei immer in die dunklen Pigmente hinein

– im hellen Bereich entstehen sonst unschöne Schmierflecken.

Jetzt ist bereits ein Teil des Pigments entfernt.

Weiche Kanten entstehen dadurch, dass es keinen harten Übergang mehr zwischen heller und dunkler Farbe gibt.

Ist nach dem Abwischen noch eine Kante sichtbar, kann man vorsichtig etwas Pigment aus der dunkleren Fläche in die helle Fläche ziehen.

Sanftheit durch Wischen. Dort, wo du die 3 siehst, und in den Bögen der Laubengänge wurden weiche Kanten durch Wischen erzeugt. Schnell und auch nicht zu verachten!

Zusammenfassung – wo liegen die Stolpersteine der trockenen Technik mit Flachpinsel?

Generell ist diese Technik einfach, schnell und praktisch:

• Der Pinsel ist zu feucht und gibt unkontrolliert Wasser ab. Ergebnis: Es wird fleckig. Lösung: Pinsel gut abtrocknen und nur leicht feucht verwenden.
• Das Papier wird beschädigt, weil zu stark geschrubbt wird. Der Trick ist, die Feuchtigkeit aufzutragen und das Pigment sanft abzuheben. Deshalb heißt die Technik im Englischen „Lift and Blend“.
• Zu großflächiger Einsatz: Wenn man große Flächen aufhellt, entstehen zwar weiche Kanten, aber auch ein matschiges Farbbild – graue, stumpfe Bereiche sind die Folge.
• Pinsel ohne Spitze wirken schnell grob. Es geht hier um präzises Nacharbeiten – nicht ums Verschmieren.

Viel Spaß beim Nachmachen!
Tine

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„Viele meiner Inhalte sind frei zugänglich – weil ich möchte, dass möglichst viele Menschen malen und entdecken können.
Wenn du das schätzt und unterstützen möchtest, freue ich mich sehr über deine Spende. Sie hilft mir, weiterhin mit Ruhe, Tiefe und Freude zu arbeiten.“

Steifes Aquarell, die Technik der alten Leute?! Sehr lustig!

Manchmal habe ich das Gefühl, dass das Aquarell von sehr strengen Eltern erzogen wurde!

Von Menschen, die immer „Vorsicht!“ rufen!

Und deshalb ist es kein Wunder, dass das Aquarell manchmal etwas starr wirkt. Auch Kinder, die von Eltern erzogen wurden, die immer alles kontrollieren wollen, haben das Problem, ins Leben zu kommen!

Viele von uns haben diesen Satz tausendmal gehört:

Beim Aquarell kann man nichts mehr verändern.

„Das Aquarell ist nur etwas für Meister!“

Und dieser Satz wurde wie eine strenge Regel weitergetragen, bis er irgendwann wie ein Gesetz klang. Ein unantastbares Dogma.

Und genau das stimmt: Das Aquarell ist etwas für Meister! Denn genau die scheißen auf die ganzen Regeln und Dogmen rund ums Aquarell.

Die Meister brechen alle Regeln und deshalb sehen ihre Bilder so aussergewöhnlich und begehrenswert aus.

Und genau dieses Dogma hat eine Menge Aquarelle ruiniert – nicht, weil Fehler entstanden wären, sondern weil keine mehr zugelassen wurden.

Die Bilder wurden vorsichtig, zaghaft, steif.

Voller Angst statt voller Leben. Dabei lebt Aquarell doch von nichts so sehr wie vom Mut! Von Wasser, Farbe und Überraschung. Und ja, manchmal auch vom Kontrollverlust.

Die großen Namen, auf die sich alle gern berufen – Turner, Nolde – die haben sich nicht im Mindesten um solche „Regeln“ geschert.

Sie sind zu ihrer Zeit wild angefeindet worden! Und doch ist es ihre Kunst, die die Zeit überlebt hat!

Sie waren wild, frei, neugierig. Diese haben sich nicht als Meister gesehen, sondern als Forschungsreisende. Sie haben ausprobiert, verworfen, neu gedacht. Sie haben gespürt, dass Aquarell nur dann leuchtet, wenn man es auch atmen lässt.

Was viele heute vergessen: Diese Künstler hatten keine Angst vor dem Experiment.

Und Experimente sind nichts anderes als die Einladung an das Aquarell, mitzuspielen. Fehler? Fehlanzeige.

Was wäre Möglich? Wenn Du dich traust?

Die Wahrheit ist: Es gibt unendlich viele Wege, ein Aquarell zu gestalten – und genauso viele, es nachträglich zu verändern. Und genau diese Möglichkeiten machen moderne Aquarellkunst so stark.

Da ist zum Beispiel die sogenannte Salzburger Schule rund um Bernhard Vogel. Eine Generation von Künstlern, die sich nicht einschüchtern ließ. Sie haben gewaschen, gewischt, geschabt, gespachtelt. Sie haben deckende Farben eingesetzt, obwohl früher jeder Lehrer dafür die Hände über dem Kopf zusammenschlug.

Und?! Und siehe da: Das Aquarell ist nicht gestorben. Im Gegenteil – es wurde spannender, gewagter, ausdrucksstärker.

Experimentelles Aquarell -Was geht für Dich?

Deckende Farben im Aquarell?

Früher ein Tabubruch. Heute ein kraftvolles Ausdrucksmittel. Es gibt viele Methoden, deckende Farben im Aquarell zu benutzen. Diese Farben lassen sich besser auswischen, also nachträglich verändern.

Und sie sind hervorragend, wenn man über der ersten transparenten Lasur des Aquarelles malt!

Trotzdem gibt es ein No-Go!

Beim Mischen darf man diese Farben nicht mit allen transparenten Farben mischen, wenn es leuchten soll!

Dann werden alle Farben matt!

Mein Tipp: Das Auge liebt Kontraste. Klare, leuchtende und transparente Farben sollten neben matten und grauen Farben stehen. So kann man mit dem Unterschied in der Wirkung spielen.

Aquarell Experimentell: Auswaschen? Früher undenkbar.

Heute eine Methode, um Licht wieder hervorzuholen. Eine eigenständige Technik! Wischen? Früher verpönt.

Heute ein Werkzeug, um Bewegung ins Bild zu bringen.

Mein Tipp: Lass die Farbe trocknen. Beim Auswischen erzielt man die besten Ergebnisse, wenn man klares Wasser auf trockene Farbe gibt und dann wischt.

Aquarell experimentell – die Liste der Möglichkeiten wächst!

Und das ist nur der Anfang. Die Liste der Techniken wächst ständig. Warum? Weil Künstler mutig genug sind, Grenzen zu überschreiten.

Und weil das Aquarell genau das braucht, um zu leben.

Das Aquarell war die Technik der Spießer und wird nun zur Technik der Revoluzzer!

Farben dürfen laufen und man schafft daran:

Trau dich, deine Farben ausbluten zu lassen. Mein Tipp: Dir gefällt ein Farbauftrag nicht? Schieß mit der Sprühflasche drauf wie mit einem rauchenden Revolver! Trau dich, zu schichten. Zu kratzen. Zu übermalen. Das Blatt ist kein Heiligtum, es ist ein Spielfeld.

Es geht nur darum, tolle Farben und gute Kontraste zu erzeugen.

Und die vermeintlichen Fehler? Offene Stellen im Aquarell? Das sind oft die Stellen, an denen etwas Neues beginnt.

Hier blitzt das Licht!

Aquarel experimentel -Dein Fehler, ist die größte Chance etwas zu entdecken!

Wenn du also das nächste Mal malst und etwas läuft nicht wie geplant,

dann atme einmal tief durch – und begreife es als Einladung.

Nicht ärgern, sondern flirten!  Das Spiel ist es, was Menschen vorangebracht hat!

Und hier mein letzter Tipp: In der Tradition des Aquarells wurden viele Dinge verboten. Manchmal aus gutem Grund! Manchmal aus Idiotie.

Die großen Meister des Aquarells scheren sich nicht um diese Regeln. Sie malen alle mit deckenden Farben, sie waschen aus. Sie finden ihren Weg, sich auszudrücken. Fehler sind kein Scheitern. Fehler sind der normale Weg des Lernens!

Sieh es als Chance. Als Startpunkt für ein Bild, das mutiger, lebendiger und kraftvoller wird, als du es dir vorgenommen hast.

Geh spielerisch heran. Sei neugierig. Und vor allem: Mach es einfach – und schau, was daraus wird. Und teste es, brich die Regeln!

Was soll denn passieren?

Es klingelt an der Tür, ein Mann mit schwarzem Ledermantel steht davor: „Guten Tag, Kripo Aquarell! Wir wissen von Informanten, in diesem Haus wurde mutwillig eine Aquarellregel gebrochen!“ Hau ihm die Tür vor der Nase zu!!!! Wer Verbote macht, hat etwas Grundlegendes an der Freiheit der Kunst nicht erkannt!

Liebe Grüße
Tine

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Nicht viel. Aber bewusst.

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Motive vereinfachen – Warum?

Motive vereinfachen ist nicht ganz einfach. Und warum sollte man so etwas überhaupt tun? Wenn man doch einfach alles abzeichnen könnte?

Diese Frage geht direkt ins Herz der Bildwirkung…

und wird dich zu besseren Bildentwürfen führen.

Faulheit mit vielen positiven Effekten.

(So schön ist die Schweiz – Estavayer-le-Lac – zauberhafte Kleinstadt – Tine Klein)

Der erste wirklich sinnvolle Aspekt ist, dass dir das Vereinfachen von Motiven das Leben leicht macht.

Du kannst schnell und effektiv malen und zeichnen.

Und damit wird es dir deutlich einfacher, spontan künstlerisch tätig zu werden. Alles, was einfach ist, macht man häufiger, und die Häufigkeit und Übung ist oft die Basis von künstlerischer Meisterschaft.

Wer locker und brillant werden möchte, braucht viel Übung, und da schadet es nicht, die Sache zu vereinfachen.

Doch Motive vereinfachen hat auch enorm viele positive Effekte.

Welche sind das?

Motive vereinfachen, weil es das Gehirn liebt.

Hast du schon mal im Gras gelegen und den Wolken beim Ziehen zugesehen?

Dabei ritten Pferde über den Himmel, alles Mögliche entstand in deinem Kopf, während du den Wolken beim Ziehen zusahst!

Unser Gehirn ist ein extrem effizientes Muster-Erkennungs-System.

Wenn Informationen fehlen, versucht es automatisch, diese zu ergänzen. Und dies macht dem Menschen Spaß! Wenn du also nicht alles malst oder zeichnest, dann muss der Betrachter mitmachen.

So wird er zum Teil deines Bildes, und dies macht ihm Freude, er verbindet sich mit deinem Werk!

Das erzeugt emotionale Aufmerksamkeit und Beteiligung! Davon träumen viele sehr gute Zeichner und Maler! Sie erreichen diese Beteiligung nicht, weil sie zu detailliert sind.

Motive vereinfachen – weil es spannend ist!

Totale Vollständigkeit und auch totale Perfektion sind oft ein wenig langweilig.

Wenn etwas anders ist als sonst, erzeugt das Erinnerbarkeit.

Wenn man also Dinge frech weglässt, dann stutzt der Betrachter.

Es entsteht visuelle Spannung.

Oft lässt man Dinge weg, und dadurch erhält das Bild eine ungewöhnliche Form. Eine Richtung.

Diese Richtung entsteht dadurch, dass man nur das Wichtigste zeigt. Und dadurch entsteht eine Bewegung im Bild. Dies nennt man Informationspfad oder Line of Action. Das Auge gleitet daran entlang, weil es spannend ist. Dadurch wird das Auge spielerisch geführt, und der Betrachter begreift sofort, worum es geht.

Das erzeugt eine gute Kommunikation zwischen dir und deinem Betrachter.

Das Wesentliche sichtbar machen.

Die meisten schlechten Bilder sterben an zu viel!

Wenn du alles malst, konkurriert alles miteinander.

Wenn du weglässt, passiert etwas extrem Gutes:

→ Die wichtigen Dinge werden stärker.

Du erzählst dem Betrachter, was dir persönlich wichtig ist.

Durch das Weglassen wird das Bild einfacher, aber auch stärker.

Das Bild erzählt besser, weil es deinen Standpunkt klar macht!

Das hängt eng mit dem Bildzentrum zusammen. Bilder, die kein Bildzentrum haben, werden vom Betrachter oft als chaotisch wahrgenommen. Bilder, die dem Betrachter vorkommen wie ein unaufgeräumtes Kinderzimmer. Das stört die Ästhetik!

Wer jedoch in seinem Bild ein Zentrum bildet, vermeidet das. Und dies hat sehr viel damit zu tun, dass man unwichtige Details weglässt.

Zusammenfassend kann man dazu sagen:

Das Gehirn liebt Einfachheit, denn sie steigert die Lesbarkeit eines Bildes.

Der Betrachter möchte es einfach mit einer Prise Spannung!

Beides erzeugt man durch die Reduktion von unwichtigen Bildanteilen.

Das Geheimnisvolle wirkt attraktiver als das Erklärte.

Motive vereinfachen ist nicht ganz einfach, denn wir können ein Motiv nicht mehr wie eine Arbeitsbiene abarbeiten.

Weglassen bedeutet Reife und künstlerische Autorität.

Motive vereinfachen entsteht in drei Schritten:

Ich habe gesehen.
Ich habe verstanden.
Ich habe gewählt.

Der Betrachter spürt: Hier ist ein Mensch am Werk, der die Sache verstanden hat und der mutig Entscheidungen trifft.

Das nehmen viele Betrachter als Kompetenz wahr!

Deshalb ist Motive vereinfachen so schwer, weil man auf gut Deutsch:

… den Arsch in der Hose haben muss, seine eigenen Entscheidungen zu treffen!

Mein Tipp dazu:

So schwer wie es fällt, mach es einfach!

Nur wer sich traut, macht die ersten Schritte.

Dafür braucht man wie für alles andere beim Malen und Zeichnen Übung, und

die Kompetenz beim Motive vereinfachen wächst mit dem Tun.

Mach dir klar, es kann nicht bei den ersten Versuchen klappen!

Nur Mut!

Eines wird dir sehr helfen!

Mysteriöses wirkt auf den Betrachter sehr attraktiv. Der freie Raum im Bild wird durch die Fantasie des Betrachters gefüllt. Viel mehr Menschen können sich mit dem Bild identifizieren, denn sie interpretieren ihre eigenen Geschichten und Gefühle hinein.

Meglassen schaft Raum für das Wesentliche!

Motive vereinfachen bedeutet, dass du dir darüber klar sein musst, was dir an dem Motiv wichtig ist.

Dein Bild wird aussagestärker, und der Betrachter liebt es, weil er sich selbst ins Spiel bringen muss.

Doch noch etwas passiert: Das Bild erhält mehr Raum.

Das Papierweiß erscheint!

Gerade im Aquarell ist Weglassen pures Gold. Es wirkt locker, frei und luftig.

Liebe Grüße
Tine

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Lass die Türme hüpfen -Rhytmus!

Rhythmus hat große Wirkung, ist aber ein leises Thema.

Denn es gibt erstaunlich wenige Antworten zum Thema Rhytmus.

Wer künstlerische Fähigkeiten erlernen möchte, hat es oft schwer! Denn Wichtiges wird von Künstlern intuitiv gemacht, sie können es nicht beschreiben.

Wer ernsthaft malen oder zeichnen lernen will, stößt schnell an Grenzen.

Nicht an die eigenen, sondern an die der verfügbaren Informationen.

Gute Fachliteratur ist rar.  Verlage investieren dort, wo Auflagen stimmen. Zeichnen und Malerei – erst recht auf Deutsch und auf hohem handwerklichem Niveau – gehören nicht dazu. Schreiben wird zur brotlosen Kunst, wenn es nicht ein massengängiges Thema ist. Und genau deshalb verschwinden anspruchsvolle Themen langsam aus den Büchern.

Und genau deshalb wäre ich dir dankbar, wenn du an eine Spende denkst!

Rhythmus, das schweigende Thema:

Man findet wenig bis nichts zum Thema Rhythmus!

Schade! Selbst international findet man dazu erstaunlich wenig. In hervorragenden Büchern vielleicht eine halbe Seite.

Als wäre das Thema nebensächlich.

Dabei ist Rhythmus eine der kraftvollsten Komponenten in Zeichnung und Malerei. Er lenkt das Auge, zieht den Blick ins Bild, hält ihn dort. Er erzeugt Spannung, Ruhe, Bewegung. Kurz: Er entscheidet mit darüber, ob ein Bild wirkt.

Was ist Rhythmus?

Schon bei der Definition fängt es an: schwierig.

Ich würde sagen, Rhythmus ist die Abfolge, wie man Flächen, Linien oder Hell und Dunkel, die durch ihre Bewegung ein Bild organisiert, indem es das Auge dorthin zieht, wo es landen soll!

Die Gleichförmigkeit ist der langweiligste Rhythmus!

Wenn du alles sauber und gleichmäßig zeichnest oder malst, dann hat dies eine mäßige Anziehungskraft auf das Auge.

Es ist langweilig! Das passiert immer dann, wenn man in einer Zeichnung Dinge mechanisch wiederholt. Das kann gut wirken, wenn man an dieser Stelle Ruhe im Bild braucht.

Stell dir mal einen Saal voll Paare vor, die Walzer tanzen. Alle tanzen 1, 2 und 3, dann 1, 2 und 3 und so weiter. Auf die Dauer würde das langweilig! Und plötzlich schwillt die Musik dramatisch an. Und plötzlich folgen dramatische Drehungen! Oh wie schön! Und plötzlich tanzen alle wieder im Takt!

Das heißt, der Ausbruch aus der Normalität erzeugt Aufmerksamkeit und lockert das strenge und gleichförmige Gefüge auf.

Und genau dies funktioniert Rhytmus auch beim Zeichnen und Malen!

Über Rhythmus wird wenig geschrieben, weil man ihn eher spürt, als dass man eine feste Regel an die Hand geben kann.

Aber die Faustregel ist: Alles, was monoton ist, wird auf Dauer langweilig.

Wenn ich einen Zaun gleichförmig in ein Bild führe, dann führt er den Blick, aber eben nur ganz lahm.

Wenn ich die Linie aber ab und zu breche, Zaunpfähle aus der Reihe tanzen lasse, dann wird der Zaun zum Magneten für das Auge! Das Auge folgt!

Das ist die Macht des Rhythmus! Paul Klee drückt dies so aus:

„Drawing is taking a line for a walk.“

Zeichne zehn exakt gleich lange, gleich dicke Striche nebeneinander. Das ist Wiederholung, aber noch kein Rhythmus.
Jetzt variiere: Mache ab und zu einen langen Strich, zwei kurze, einen dicken, einen dünnen oder einen krummen. Oder Ordne die Striche in Gruppen.

Plötzlich beginnt das Auge zu springen, zu pendeln, zu folgen.

Rhythmus entsteht. So entsteht Rhythmus in einer Zeichnung oder in einem Aquarell!

Tipp: Lass es hüpfen! Jedoch achte darauf, dass aufregende Bewegungen einen Sinn haben! Sie müssen zum Bildzentrum führen!

Warum unser Gehirn auf Rhytmus reagiert

Neurowissenschaftlich ist das gut belegt: Unser Gehirn liebt Muster –

aber es liebt sie nur, wenn sie nicht vollkommen vorhersehbar sind.

Reine Gleichförmigkeit langweilt, reines Chaos überfordert. Rhythmus liegt genau dazwischen. Er gibt Halt und Freiheit zugleich.

Schau zum Zaun: Der Zaun hat eine Höhe, der Zaun hat eine Richtung und er hat regelmäßige Latten, und doch sind da diese hüpfenden Latten! Die Latten hüpfen, und auch da gibt es einen kleinen Takt mit Ausreißern.

Schau dir mal das Licht auf dem Mont Saint Michel an!

Auf der linken Seite haben wir viermal drei Linien diagonal nebeneinander, ein gleichförmiger Takt mit ein paar Ausreißern. Die Dreierkombination wird wiederholt wie beim Walzer, jedoch in klein und groß variiert. Er führt hoch zum Gipfel. In der Mitte des Bildes wechselt das plötzlich. Der Takt wird unterbrochen und das Licht wechselt zur Dunkelheit. Jetzt sind die Dreierpaare der Linien anders verteilt und winzig – das macht den Effekt.

Kandinsky sagt:

„In der Malerei wird das Rhythmische fast geometrisch aufgebaut …“
„Das Rhythmische … entsteht in der Malerei wie in der Musik durch Dissonanz.“

Hier wird klar: Rhythmus ist Struktur, Bewegung — nicht Dekoration.

Er entsteht durch Gleichförmigkeit, den Bruch und eine Richtung!

Was macht der Rhythmus fürs Bild?

Rhythmus lenkt den Blick.

– Wiederkehrende Linien führen das Auge und erzeugen Harmonie und Gemeinsamkeit.
– Abstände erzeugen Atempausen, aber sie gliedern auch und erzeugen Aufmerksamkeit.
– Verdichtungen erzeugen Spannung.
– Auflockerungen unterbrechen und machen es offener.

Schau in den Zaun! Lange und kurze Linien sind wie in einem Takt organisiert. Der Rhythmus erzeugt Spannung!

Nur vorhersehbar ist der Takt nicht!

Warum ist Rhythmus so wichtig?

Das Auge „liest“ Linien wie Bewegungsanweisungen. Deshalb wirken manche Zeichnungen dynamisch, andere starr. Weil sich in der Linie nichts ändert!

In einer Zeichnung oder einem Bild läuft nichts ohne Organisation!

Stell dir wieder den Ballsaal vor: Die Paare tanzen Walzer, schöne große geschwungene Kreise. Stell dir vor, der Rhythmus ist weg? Chaos bricht aus. Jeder tanzt etwas anderes.

Der Rhythmus macht in der Zeichnung etwas Ähnliches. Er organisiert die Details.

Er organisiert den Blick! Und es gibt langweilige und aufregende Organisationsmethoden. Der Walzer wäre ja auch langweilig, wenn wir stur die selben drei Schritte wie Roboter machen würden.

Wo viele Zeichner scheitern, weil sie dies vergessen!

Viele konzentrieren sich zu früh auf Details. Sie „verzieren“, bevor der Rhythmus steht. Das ist, als würdest du einen Tanz choreografieren und mit den Fingerspitzen anfangen, bevor du weißt, wie der Körper sich bewegt.

Die Aufmerksamkeit lenken.

Der Zeichner oder Maler möchte das in Szene setzen, was er sieht. Das Wichtige soll aufregend sein, Uninteressantes eher ruhig.

Dort, wo sich der Takt verdichtet oder abbricht, entsteht Spannung:

wilde Striche, Linienknäuel, dunkle Tonwertballungen, Detailhäufungen

Diese wilden Dinge gehören in dein Bildzentrum oder auf den Weg dorthin.

Ruhe, Monotonie und Auflockerung bringen Ruhe:

weniger Linien, größere Abstände, geringere Kontraste, vereinfachte Formen.

Das alles gehört zu den Stellen im Bild, die nicht wichtig sind.

Viele Zeichnungen scheitern daran, dass alles gleich behandelt wird. Gleiche Linien, gleiche Abstände, gleiche Aufmerksamkeit. Das Auge bekommt keine Anleitung.

Rhythmus ist diese Anleitung.

Liebe Grüße
Tine

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Bei mir daheim: Basel Sehr einfach und doch spektakulär: eine Zeichnung mit Zimmermannsbleistift.

Es gibt einen Fehler, den ich beim Zeichnen und Malen immer wieder sehe.
Er ist unspektakulär, alltäglich und so tief verankert, dass wir ihn kaum hinterfragen.

Und genau deshalb wirkt er so zerstörerisch auf Linie, Farbe und Ausdruck.

Der heimliche Killer deiner Bilder ist deine Handhaltung!

Stift- und Pinselhaltung und ihre Tücken:

Der Stift wird fest und nah an der Spitze gehalten, der Pinsel ebenso.  Die gesamte Last liegt auf der Spitze des Werkzeugs. Die Hand klammert, das Handgelenk wird fixiert, der Arm ausgeschaltet.

Alles konzentriert sich auf diesen einen Punkt: Die Spitze.  Was zunächst nach Kontrolle aussieht, ist in Wahrheit das Gegenteil.

Beim Zeichnen führt diese Haltung fast zwangsläufig zu harten, dunklen Linien. Der Druck auf die Spitze ist zu hoch, die Linie wird gleichförmig, schwer,  zu präsent.  Das ist perfekt für das leserliche Schreiben.

Aber für die Kunst?

Eine harte Linie macht Korekturen schwierig! Die Linie verliert ihre schwingende Heiterkeit!

Schau dir dieses Video auf Instagram an, dann siehst du, wie ein Stift tanzen kann:

Und noch etwas! Das Gute und Schöne hat es in sozialen Netzwerken extrem schwer, weil wir seltener geteilt und kommentiert werden als das Chaos der Welt. Also teil mich, kommentiere – so kann ich auch mit dir ins Gespräch kommen!

https://www.instagram.com/p/DUfaL1IjbYB/?next=%2Ftine.klein%2F&hl=de

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Du siehst, ich halte den Stift weit hinten, halte mit der Hand Abstand vom Blatt, damit der Stift tanzt und nicht beschwert wird!

Beim Malen wird das Problem noch deutlicher.
Ein Pinsel, der unter zu viel Druck steht, kann nicht mehr halten, was er trägt. Er beginnt zu spucken. Wasser und Farbe entladen sich unkontrolliert. Es entstehen dicke Linien und  Wasserflecken.

Viele versuchen dann, dieses Problem durch noch mehr Kontrolle zu lösen.

Sie greifen fester, korrigieren langsamer, arbeiten vorsichtiger. Doch genau das verschärft die Situation.

Denn die Ursache liegt nicht im Werkzeug. Sie liegt im Kontrollfreak der dahinter sitzt!

Stift- und Pinselhaltung macht unsere Kunst klein.

Solange die Führung des Stifts oder Pinsels aus einer verkrampften, statischen Haltung heraus geschieht, kann keine delikate, spielerische Linie entstehen. Die Bewegung bleibt klein. Die Linie bleibt gefangen. Die Malerei verliert Leichtigkeit.

Und hier zeigt sich das nächste, tiefere Problem:

Wir sind auf die Spitze fixiert.

Unsere Handhaltung zwingt uns geradezu, ausschließlich mit der Spitze zu arbeiten. Sie erlaubt uns kaum, den Stift oder Pinsel wirklich zu bewegen.

Statt eines Instruments haben wir plötzlich ein starres, gut fixiertes Werkzeug in der Hand. Mehr Hammer als Taktstock!

Zahlreiche Wege um Pinsel und Stift zu bewegen:

Dabei liegen abseits der Spitze ungeahnte Zeichen- und Malmöglichkeiten.

Ein Stift kann kippen und damit kann er flächig arbeiten, weich, suchend, tastend. Ein Pinsel kann das gleichen. Doch viele Techniken bleiben uns verschlossen, solange alles halten wie eine fixierte Säge.

Professionelle Zeichnungen und Malereien entstehen nicht durch maximale Kontrolle, sondern durch ein vielfältiges Repertoire an Bewegungen.

Wer professionell zeichnen und malen möchte, muss bereit sein, diese Haltung zu verändern.

Wer weiter hinten greift , hat nicht das gesamte Gewicht des Armes auf dem Stift liegen.

Sobald sich die Last von der Spitze löst, verändert sich alles. Die Linie wird heller, lebendiger, variabler. Sie darf dünn sein, dann wieder verschwinden, dann wieder dick werden.

Wer den Druck auf der Hand reduziert, kann sich besser bewegen. Die Hand liegt nicht mehr auf dem Tisch, ergeben sich unzählige neue Bewegungsmöglichkeiten.

Plötzlich ist die Hand nicht mehr kontrolliert und fixiert! Mann kann aus der Hand, aus dem Handgelenk und mit dem Arm arbeiten. Wer sich hinstellt, wird völlig frei. Nun kann man die Zeichnung und Malerei wie Musik in Bewegung umsetzen. Dein Körper kann die Zeichnung fühlen und Die Gefühle in Bewegung umsetzen und dadurch wird die Zeichnung ausdrucksstark. Das wichtigste an der neuen Stift- und Pinselhaltung ist, das sie Bewegung zulassen muss.

Also nicht statisch und gebeugt über dem Stift oder Pinsel hocken! Ihm die Haltung einer Königin an! Und ihr Jungs dürft Herrscher sein!

Stift- und Pinselhaltung -Bewegung fühlt sich an, wie der Verlust der Kontrolle:

Wenn wir beginnen, den Stift oder den Pinsel weiter hinten zu fassen, passiert zunächst etwas sehr Verunsicherndes:

Wir verlieren scheinbar die Kontrolle.

Die Linie fühlt sich ungenau an, der Strich wird größer, die Bewegung weniger berechenbar. Viele beschreiben dieses Gefühl als unkontrollierbar oder fremd. Und das ist völlig normal.

Diese Handhaltung ist ungewohnt, weil wir sie im Alltag kaum benutzen.

Wir wurden auf Kontrolle trainiert, nicht auf Freiheit, Feingefühl oder Wildheit XD.

Doch dieses Gefühl gibt sich. Du erlangst einfach mehr Repertoire. Nicht sofort, aber spürbar.

Denn was wir anfangs als Kontrollverlust empfinden,

ist in Wahrheit nur der Verlust einer sehr engen, begrenzenden Kontrolle.

Tipp 1: Fass denn Stift im hinteren Drittel an und beginne zu Zeichnen. Aber Obacht, deine Hand wird immer wieder nach unten rutschen!

Sobald sich der Körper an diese andere Handhaltung gewöhnt, zeigen sich deutliche, positive Veränderungen.

Zunächst wird die Bewegung größer.
Nicht nur die Finger arbeiten, sondern das Handgelenk, der Unterarm, manchmal sogar der ganze Arm. Linien entstehen aus Schwung, nicht aus Druck. Sie werden ruhiger, klarer, lebendiger.

Der Druck auf die Spitze nimmt ab.
Das ist entscheidend. Linien werden heller, variabler. So kann man suchend arbeiten, den die zarten hellen Linien stören später nicht. Beim Malen hört der Pinsel auf zu spucken.  Wasser und Farbe werden gehalten statt herausgepresst. Der Farbauftrag wird kontrollierter –

paradoxerweise gerade weil wir weniger kontrollieren wollen.

Plötzlich werden ganz feine Linien möglich und unser Pinselstrich wird delikat.

Mehr Möglichkeiten durch neue Stift und Pinselhaltung:

Besonders spannend wird es, wenn man beginnt, mit den verschiedenen Bereichen des Werkzeugs zu arbeiten.  Hält man Stift und Pinsel weiter hinten, kann man die Hand drehen und kann das Werkzeug von der Seite benutzen.

Dadurch erhält man in einer Bewegung nicht nur eine starke Veränderung der Strichstärke und dies wird deine Bilder enorm ausdrucksstark machen.

 Ein Stift kann flächig eingesetzt werden, weich, suchend, skizzenhaft.  So kann man rasant Schraffieren. Oder einen Schatten in einer Linie setzen ohne abzusetzen.

Ein Pinsel kann streifen, kippen, gleiten. Er kann in einem Moment lasieren und mit einer drehung des Handgelenkes ausdrucksstarke gebrochene Striche erzeugen. Diese Vielfalt erschließt sich erst, wenn die Handhaltung Bewegung erlaubt.

So ist es sinnvoll mehrere Hand- und Körpehaltungen auszuprobieren.

Stift- und Pinselhaltung – Hand- und Körperhaltung -nicht eine sondern mehrere:

• Wenn ich wild ind frei arbeite- halte ich das Werkzeug hinten! Lasse es schwingen wie einen Taktstok.
• Wenn ich Flächig arbeite und schnelle gebrochene Linien möchte dann liegt mein Pinsel oder Stift in meiner Hand wie in einem Korb. So erreiche ich, das das Werkzeug auf der Seite liegt.
• Bei Langen feinen Linien stehe ich neben dem Blatt und schleife, schleppe den Stift oder Pinsel ohne druck auf mich zu. Die Bewegung kommt aus meinem Arm und mein Körper ist weit weg vom Blatt.

Meisterhafte Zeichnungen und Bilder brauchen eine trainierte und Abwechslungsreiche Motorik. Und das schwierigste daran ist nicht dein Mangeldes Talent, sondern eine Motorik die uns nicht erlaubt gut zu malen und zu Zeichnen!

Oft braucht man Hilfe um aus diesen Mustern herraus zu kommen. Mit etwas glück sind noch plätze in den nächsten Kursen frei!

Kurs

Ein oft unterschätzter Aspekt ist dabei die Zeichengeschwindigkeit.

Langsam zeichnen wirkt zunächst sorgfältig. Doch zu langsames Zeichnen ist häufig ein Zeichen von Unsicherheit. Die Linie wird zögerlich, mehrfach angesetzt, korrigiert. Sie verliert ihre Klarheit.

Der Mensch sieht leider sofort wenn ein anderer Mensch unsicher ist!

Mit einer geöffneten Körperhaltung kann man schnell und stark arbeiten.

Eine gute Handhaltung ermöglicht Geschwindigkeit.

Nicht Hast – sondern Fluss.

Schnellere Linien entstehen aus dem Arm, nicht aus den Fingern. Sie sind entschiedener, ehrlicher.  Paradoxerweise sehen sie oft richtiger aus als mühsam konstruierte Linien.

Die Handhaltung ist nicht nur Technik! Sie ist innere Freiheit!

Wer großartig Zeichnen und Malen will braucht 2 Grundzutaten:

Eine gute Haltung und Furchtlosigkeit!

Lebendigkeit schlägt Perfektion!

Liebe Grüße Tine

Wie du selbst weißt, ist Kunst nicht nur ein schönes Ergebnis – sie bedeutet Zeit, Hingabe und unzählige Stunden Arbeit. Dahinter stecken Begeisterung, Erfahrung und ganz viel Herzblut. Genau so ist es auch bei mir. Und gerade deshalb brauchen kreative Projekte ein Budget, damit sie weiter wachsen und entstehen können.

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Hast du Lust im neuen Jahr deine Zeichnungen und Aquarelle direkt besser zu machen?

Dann lege ich dir Zeichnen mit Graphit ans Herz.

Graphit ist der normale Bleistift, also eine Sache die dich preiswert und schnell gut macht! Aber Graphit gibt es  in den unterschiedlichsten Formen! Als Staub oder als Aquarellfarbe!

Auch Aquarellisten sollten diesen Artikel ruhig lesen, denn die Tonwerte sind nicht nur der häufigste Fehler beim Zeichnen, sondern auch eine kniffelige Sache mit Aquarell.

Im Aquarell kann man die Grundlagen des Tonwertes kaum lernen, denn  es ist extrem schwierig sich auf das Aquarellieren und den Tonwert gleichzeitig zu konzentrieren. Oft gilt, ein gutes Aquarell braucht eine gute Tonwertskizze und so sind wir beim Thema Zeichnen mit Graphit.

Warum wirken so viele Zeichnungen schwach, obwohl sie sauber gezeichnet sind?

Fast immer liegt es an fehlenden oder zu zaghaften Tonwerten.

Eine Zeichnung ohne Tonwerte ist wie ein Satz ohne Betonung.

Es gibt ja auch keine Musikstücke, die man nur mit einer Note spielt, selbst eine Trommel hat unter schiedliche Klänge.

Das Auge hat Sensoren für Hell und Dunkel, sie heißen Stäbchen. Und wenn man diese gut reizt, wirkt ein Bild immer gut!

das hier ist ein Bild mit flüssigem Graphit, also wie Aquarell vermalbar.

Hat man keine Tonwertunterschiede, dann wirken Bilder immer ausdruckslos und das kennen Zeichner und Aquarellisten sehr gut! Stuft man aber die Grautöne, wie oben im Bild stark ab, wird es nicht langweilig.

Zeichnen mit Graphit! Fehlende Tonwerte haben Auswirkungen.

Zeichnungen mit fehlenden Tonwerten bleiben flach, weil sie dem Auge keine Abstufungen anbieten. Alles ist gleich hell, gleich wichtig, gleich laut. Das menschliche Sehsystem funktioniert jedoch über Kontraste. Alle Objekte im Licht haben eine helle und eine dunkle Seite. Wir erkennen Formen nicht über Linien, sondern über Hell-Dunkel-Unterschiede.  Ist das Licht gleich gibt es keinen Raum.

Deshalb stehen Kontraste und Licht im Zentrum jeder starken und räumlichen Zeichnung.

Warum sind Zeichnungen mit Licht so attraktiv?

Weil Licht sexy macht! Sexy ist, dass unser Auge an Licht gewöhnt ist! Das Auge erkennt die Art von Schatten genau. Wir sehen sie ja seitdem wir das erste Mal die Augen aufgeschlagen haben.

Lichtseite, Halbschatten, Kernschatten, Reflexlicht.

Das ist das was uns Informationen über den Raum gibt! Hast du diese 4 Lichtstufen, dann erwacht eine Zeichnung zum Leben!

Selbst Zeichnungen, die ganz einfach sind oder auch massiv fehlerhaft, werden durch Licht zum Leben erweckt.

Licht ist die Sprache des Auges!

Also merke, deine Zeichnungen brauchen immer 3 bis 4 Tonwertstufen.

Beim Zeichnen mit Graphit ist das besonders einfach machbar. Graphit kann extrem Zart, aber auch tief dunkel sein. Dieses Spannungsfeld macht den Reiz aus.

Das Material beim Zeichnen mit Graphit:

Zarte Tonwerte:

Also ist es wichtig unterschiedliche Graphit Stifte zu benutzen.

Die etwas härteren Graphit Stifte sind zart und silbergrau. Mann kann jeden Graphitsift durch Druck in der Helligkeit variieren. Ich empfehle hier Hb , H, 2B, 4B

Tipp: Aufgepasst bei jeder Firma sind die Härten anders!

Der zarte Ton ist alleine langweilig und ausdruckslos, wird aber beim Zeichnen mit Graphit gebraucht um eine Brücke zwischen Hell und Dunkel zu bauen.

Also sollte man mindestens 2 Stifte haben.

Einen der heller ist und einen ganz weichen Stift, mit dem man die dunklen und scharzen Tonwerte erzeugt.

Lichter beim Zeichnen mit Graphit:

Lichter kann man bei Graphit im nachhinein in die Zeichnung radieren. Wunderbar sind auch Knetradierer, die das Graphit besonders gut radieren und die man in jede beliebige Form bringen kann.

Besonders gut sind ebenfalls harte eckige Radierstifte, mit ihnen kann man auch helle Linien in die Zeichnung einfügen.

Das sieht man wunderbar in dem Bild was gleich kommt! Das sieht enorm attraktiv aus. Und entfaltet in deiner Zeichnung eine starke Wirkung.

Ein Radierstift oder ein Knetradierer ist dabei Gold wert. Du kannst Licht regelrecht zurückholen. Zeichnen mit Graphit ist kein Einbahnstraßenprozess, sondern ein Dialog zwischen Auftragen und Wegnehmen.

Zeichnen mit Graphit, der Mittelton, oft sind dies die großen Flächen!

Um schwierigsten sind übrigens die großen mausgrauen Flächen im Mittelton zu gestalten.

Hier sollte man eher malerisch Zeichnen, denn Flächen werden oft ungewollt zum Killer guter Zeichnungen, weil sie hässliche Strukturen enthalten.

Du bist genervt von der Fläche und schon kritzelst du los!

Ein normaler Papierwischer für ein paar Rappen oder Cent hilft dir gleichmässige Flächen mittleren Tonwertes anzulegen. Mit ihm lassen sich Tonwerte weich verteilen, Flächen verbinden und Übergänge erzeugen. Viele haben Angst davor, weil sie denken, das sei „Schummeln“. Ist es nicht. Es ist Zeichentechnik.

Der vierte Tonwert ist Schwarz.

Und Schwarz ist wie Salz und Pfeffer.

Ein bisschen davon hebt alles an, zu viel zerstört das Gericht. Schwarz setzt man sparsam ein, gezielt, bewusst. Es ist kein Flächenfüllton, sondern ein Akzent. Dort, wo maximale Tiefe gebraucht wird: in Kernschatten,.

Für diesen Schatten braucht man weiche Graphit stifte oder einen Graphitstift den man flüssig vermalen kann.

Im Härtegrad arbeite ich gern mit 6B und 8B oder…. mit wasserlöslichem Graphit.

Tipp: Taucht man einen Löslichen Graphitstift kurz ins wasser erzäugt er, eine enorme Schwärze!

Tonwerte sind kein Beiwerk.

Tonwerte sind das Fundament für lebendige Aquarelle und Zeichnungen. Das Zeichnen mit Graphit hift dir zu erkennen wie du Bilder mit Licht und Schatten attraktiv gestaltes.

Warum bügeln Tonwerte selbst bei lockeren Zeichnungen so viele Fehler aus?
Weil Tonwerte Struktur schaffen, wo Linien unsicher sind. Eine Zeichnung darf wackelig, skizzenhaft oder frei sein – wenn die Tonwerte stimmen, wirkt sie trotzdem überzeugend.

Weil das Licht wie im Leben ist.

Tonwerte stabilisieren eine Zeichnung. Sie halten sie zusammen.

Liebe grüße Tine

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