Jeder von uns möchte wundervolle Farben mischen. Doch oft scheitert es an mangelndem Überblick.

Der Farbkasten ist randvoll mit tollen Farben – aber auf dem Papier sind die Ergebnisse enttäuschend.

Warum? Ganz einfach: Wir haben zu viele Farben! Ich frage meine Schüler oft: „Wo ist dein Ultramarin?“ Die Antwort:

„Weiß ich nicht.“

Gerade dunkle Farben sind im eingetrockneten Zustand kaum zu unterscheiden. So wird das Mischen zur Lotterie – und schöne Farben zum Glücksfall.

Plötzlich ist Mischen nur noch ein Ratespiel, und die Ergebnisse sind dementsprechend ernüchternd.

Letzte Woche habe ich die Frage gestellt: Wie weit kommt man mit nur drei Grundfarben?

Wer mit nur drei Farben mischt, lernt das Mischen richtig!

Die Verwirrung verschwindet – wer mit drei Farben arbeitet, entwickelt schnell ein klares Gefühl für das Mischen.

Das Ergebnis? Fingerspitzengefühl!

Ganz automatisch lernt man, Beige-, Grau- und Brauntöne zu mischen. Und wenn das gelingt, weiß man endgültig: Ich habe das Mischen in all seinen Feinheiten verstanden.

Was du hier siehst ist ein  Dreier-Set von Golden. Es besteht aus drei transparenten Grundfarben:

•Ultramarin Blau (Warmes Blau)
•Quinacridone Magenta (Kaltes Rot , fast Pink)
•Nickel Azo Yellow ( Einmittleres Gelb, das eher warm wirkt)

Leider zeigt der Scanner die charmanten Grautöne nicht richtig.

Schau dir diese Farbvielfalt an! Ich bin begeistert! Denn damit lassen sich nicht nur wunderschöne Farben mischen, sondern auch starke Dunkelheiten und satte Kontraste erzeugen.

Und woher habe ich es? Das Set war auf einem Urban Sketcher Festival im Begrüßungsbeutel – jeder Teilnehmer hat eines bekommen. Also wie immer bei Tine: kleine Schleichwerbung, aber nur für Dinge, die den echten und wahren Test bestehen!

Aber genug der Worte – die Farben sprechen für sich! 3 Farbtuben so viel zu mischen!

Arlesheim im Februar

Wieso funktioniert dieses 3er-Set so gut?

Auf den ersten Blick scheint das Set keine Schwachstelle zu haben – und das hat einen guten Grund: Die Firma hat einen cleveren Trick angewendet.

Ihr Ultramarinblau ist das perfekte Himmelsblau.

Das Gelb hingegen ist weder kalt noch warm, wodurch es harmonische Grüntöne und wunderschöne Orangetöne ermöglicht.

Dank ihrer Transparenz strahlen die Farben, und gleichzeitig lassen sich damit auch kräftige Dunkelheiten mischen. Genau diese Eigenschaften sind die beste Grundlage für ein vielfältiges und ausdrucksstarkes Bild.

Diese Farbkombination würde ich als Reiseset empfehlen!

Doch Farbkombinationen aus nur drei Grundfarben sind auf Dauer nicht besonders vielfältig oder abwechslungsreich. Exakte Farbstimmungen lassen sich damit nur schwer treffen, denn jede Farbmischung hat ihre Grenzen.

Bestimmte Töne – etwa ein leuchtendes Türkis oder ein erdiges Siena – sind mit nur drei Grundfarben kaum präzise mischbar. Jede Farbe hat ihre eigene Charakteristik, und manche Pigmente lassen sich einfach nicht perfekt nachmischen.

Mischen – Split Primary Palette:

Ich selbst arbeite in meinem Farbkasten mit einer Split Primary Palette.

Was bedeutet das?

Ganz einfach: Ich trenne meine Grundfarben – Gelb, Rot und Blau – in Paare. Das heißt, ich habe jeweils eine warme und eine kalte Variante jeder Grundfarbe in meinem Kasten. Ich arbeite also mit zwei Mal drei Grundfarben.

Dieses Mischsystem basiert auf einem doppelten Dreiklang der Grundfarben

– und ermöglicht dadurch eine größere Farbvielfalt. Je nachdem, welche Temperatur ich bevorzuge, kann ich gezielt leuchtende, klare oder gedeckte Töne mischen.

Der doppelte Dreiklang – Ein Mischsystem

Jede Dreier-Kombination von Farben hat einen Haken – es sind eben nur drei Farben.

Deshalb stößt man mit einem reinen Drei-Farben-Set schnell an Grenzen.

Farbstimmungen, Tageszeiten und Jahreszeiten lassen sich damit nur schwer abbilden.

Ich habe immer nur eine einzige Grundfarbe zur Verfügung, und diese bestimmt alle Mischungen. Mal passt das Himmelsblau nicht zum Wetter, ein anderes Mal lässt sich kein passender Grünton für die Jahreszeit mischen.

Aus diesem Grund greifen viele Maler zu zwei Dreier-Sets mit Grundfarben.

Schaue mal, welche Vorteile 2 Grundfarben im Set haben.

Ich arbeite gerne mit Ultramarin, ein warmer, freundlicher Himmel, und mit nur drei Farben sieht das Bild sehr gut aus. Aber Winter kann das Set nicht so gut.

Fügt man ein kühles Cerulean hinzu, wirkt die Stimmung sofort kälter. In diesem Bild benutze ich aber auch Ultramarin. Durch die Kombination der beiden Blautöne lassen sich vielfältige kühle Farben erzeugen.

Es lassen sich viele Grau- und Brauntöne mischen.

Das zeigt, wie die Split Palette mit warmen und kalten Blautönen Farbstimmungen ganz leicht erzeugt.

2 Grundfarben geben dir mehr Möglichkeiten

Klassische Zusammenstellungen der Split Primary Palette:

Typische Kombinationen für das Mischen im Split-Primary-System sind:

Gelb: Zitronengelb (kalt) & Indischgelb oder Kadmiumgelb (warm)
Rot: Magentarot oder Karminrot (kalt) & Zinnoberrot oder Kadmiumrot (warm)
Blau: Cyan oder Phthaloblau (kalt) & Ultramarinblau (warm)
So sind übrigens die meisten Standardfarbkästen zusammengestellt.

Das bedeutet aber nicht, dass man sich strikt an diese Zusammenstellung halten muss.

Je nachdem, welche Motive man bevorzugt malt, können bestimmte Farben überflüssig werden. Wer selten mit einem grellen Grün arbeitet, kann zum Beispiel Phthaloblau durch ein anderes Blau ersetzen. Ich persönlich tausche es gegen ein kühles Ceruleanblau aus.

Welche Vorteile die Split Primary Methode fürs Mischen lernen:

Breiteres Farbspektrum:
Mit nur sechs Farben kann man sowohl kräftige Primärfarben als auch gedeckte, gebrochene Farbtöne erzeugen.

Klarere Farbtöne:
Wer mit sechs transparenten Grundfarben mischt, weiß genau, was in seinen Farben steckt. Hier treffen zwei reine Pigmente aufeinander, ohne unerwünschten Komplementärkontrast, der die Farben vergrauen würde. Die Farbtöne bleiben klar und leuchtend.

Mehr Kontrolle über die Farbtemperatur:
Die Unterscheidung zwischen warmen und kalten Tönen macht es leichter, gezielt Farbharmonien zu steuern.

Praktischer für unterwegs:
Man kann mit einer kleinen Palette arbeiten und dennoch eine große Farbvielfalt erzielen.

Fazit: Das Mischsystem mit der Split Primary Palette ist einfach zu beherrschen und ideal für unterwegs.

Durchblick beim Mischen dank Split Primary Methode:

• Grundprinzipien:

  Kaltes Gelb + Kaltes Blau = Reines, leuchtendes Grün
  Warmes Gelb + Kaltes Blau = Natürliches, mittleres Grün
  Warmes Gelb + Warmes Blau = Gedecktes, olivfarbenes Grün

Das leuchtendste Grün, fast chemisch entsteht mit zwei kalten Farben! 😊

• Grundprinzipien für Orange:

  Kaltes Rot + Kaltes Gelb = Gebrochenes, rötliches Orange (z. B. Karminrot + Zitronengelb → leicht stumpfes Orange)
  Warmes Rot + Kaltes Gelb = Leuchtendes, mittleres Orange (z. B.
  Das leuchtendste Orange entsteht mit zwei warmen Farben! 😊

• Grundprinzipien für Lila:

• Kaltes Rot + Kaltes Blau = Leuchtendes, klares Violett (z. B. Magentarot + Phthaloblau → intensives, brillantes Lila)
  Warmes Rot + Kaltes Blau = Gebrochenes, rötliches Lila (z. B. Kadmiumrot + Phthaloblau → gedämpftes, beeriges Violett)
  Warmes Rot + Warmes Blau = Stumpfes, erdiges Violett (z. B. Kadmiumrot + Ultramarinblau → tiefes, bräunliches Lila)
  Für das leuchtendste Lila solltest du kaltes Rot und kaltes Blau kombinieren! 😊

Fazit:

Mischen lernen klappt eher, wenn man den Farbkasten entmistet. Die Split Primary Palette lässt dich das Mischen in kürzester Zeit begreifen!

Denn die 6 Grundfarben sind es, die dir das Mischen leicht machen!

Immer vorrausgesetzt, du hast den Mut, das Farbchaos wegzulassen! Denn du lernst das Mischen nicht, wenn du mit 24 Farben arbeitest!

Fazit:

Mischen lernen klappt besser, wenn man den Farbkasten entmistet. Die Split Primary Palette hilft dir, das Mischen in kürzester Zeit zu verstehen!

Denn diese sechs Grundfarben machen es dir leicht – immer vorausgesetzt, du hast den Mut, das Farbchaos hinter dir zu lassen. Mit 24 Farben lernst du das Mischen nicht!

Also, trau dich, reduziere deine Palette und entdecke, wie viel du mit wenigen Farben erreichen kannst. Ein bewusster Umgang mit Farben führt zu klareren Ergebnissen und einer besseren Kontrolle über Farbnuancen und Stimmungen.

Viel Freude beim Ausprobieren und Verfeinern! Tine

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Bäume malen im Winter

Vor meinem Fenster steht ein Baum, er reckt seine kahlen Arme in den Winterhimmel. In seinen vielen kleinen Zweigen schaukeln zwei Elstern. Sie tragen vorsichtshalber schon mal viele kleine Äste zusammen – der Frühling wird kommen!

Doch jetzt ist die perfekte Zeit, um Bäume malen zu lernen, denn man sieht den Bauplan.

Fast jeder von uns kann jetzt einfach aus dem Fenster schauen und das Geäst studieren.

Bäume malen ist nicht schwer

Trotzdem stellen Bäume gerade für Anfänger und auch für Fortgeschrittene eine echte Herausforderung dar. Warum? Weil Bäume unendlich viele kleine Verästelungen haben – unzählige Äste, Schatten und individuelle Details.

Bäume malen und zeichnen – Hingucken hilft nicht!

Da denkt man sich:

„Das kann doch nicht so schwer sein, ich muss einfach genau hinschauen.“

Und doch verheddert man sich – das Resultat? Eine grobe Kritzelei! Zu genaues Hinschauen wird zum Problem, denn je länger man schaut, desto mehr Verästelungen und Details tauchen auf. Genau das macht das Zeichnen und Malen von Bäumen so schwierig. Am Ende entsteht ein unästhetisches Durcheinander.

Denn kein mehrere Quadratmeter großer Baum kann auf ein wenige Zentimeter großes Blatt Papier gequetscht werden, ohne dass er unübersichtlich wirkt.

Abstrahieren ist der Schlüssel!

Jeden Baum – und auch jeden Strauch – muss man vereinfachen. Die vielen kleinen Details müssen reduziert werden, damit der Baum klar erkennbar bleibt. Das klingt einfach, doch genau hier liegt die Schwierigkeit:

Uns fällt das Weglassen enorm schwer!

Wir vertrauen auf unsere Augen, und plötzlich entspricht das, was wir zeichnen oder malen, nicht mehr exakt dem Baum, den wir sehen.

Genau das verunsichert uns.

Erst das Ganze, dann die Details!

Wer Bäume malen oder zeichnen will, sollte nicht mit den kleinsten Zweigen anfangen.

Stattdessen hilft es erst die Grundstruktur festzulegen und sich dann Schritt für Schritt zu verfeinern.

So bleibt das Bild lesbar – und sieht trotzdem lebendig aus!

Man sieht zwar, was man sieht, aber man konzentriert sich nur auf die Gesamtform des Baums, seinen ganz typischen Umriss.

Das ist die Schweiz: Kleine schnelle Skizze nach dem Kurs am Bodensee. Lustig, die Eiswolken sahen aus wie ein Berg.

Glaube mir, damit hast du die halbe Miete eines gelungenen Baumes bereits geschafft. Diese Grundform ist es, die einen Baum nach seiner Art wiedererkennbar macht.

Die Silhouette gibt dir die Sicherheit, alles Unnötige wegzulassen.

Die Grundform ist der große Leitfaden beim Malen und Zeichnen von Bäumen.

Wenn es nötig ist, kann man die große Grundform noch etwas unterteilen. Ein Baum gliedert sich: Er hat Äste, und um diese herum bilden sich die Ansammlungen kleiner Zweige. Die kleineren Formen, diese Verzweigungen, sind das Ordnungsmuster innerhalb der großen Grundform.

Arbeitest du nach diesem Muster, wirst du Bäume erhalten, die nicht chaotisch und trotzdem wiedererkennbar sind.

Jetzt noch mal die Vorgehensweise in aller Kürze:

Ich persönlich arbeite beim Malen und Zeichnen von Bäumen in mehreren Schritten:

1. Grundform des Baumes skizzieren.
2. Dann die Form des Stammes hinzufügen.
3. Nun die kleineren Details und Verzweigungen ergänzen, indem ich mich an Stamm und Grundform orientiere.

Hier siehst du viele Vereinfachungen von Bäumen, doch alles hat seine Grundform ->

Wie sind eigentlich Äste aufgebaut?

Viele Menschen glauben, dass Äste ganz natürlich gebogen oder krumm sind. Doch schau einmal genauer hin! Das, was wir als gebogenen oder chaotischen Ast wahrnehmen, folgt einem klaren Organisationsmuster.

Dieses Organisationsmuster besteht aus Wachstumsknoten. Ein Ast wächst ein Stück und bildet dann einen neuen Wachstumsknoten. An diesem Knoten entstehen neue Äste, oder der Ast wechselt seine Richtung.

Deshalb kann es sinnvoll sein, Äste und Stämme nicht in einem einzigen Zug zu malen oder zu zeichnen, sondern dem natürlichen Verzweigungsmuster zu folgen. Dieses Muster ist oft ruckartig und eckig, denn genau an diesen Punkten nimmt der Baum Richtungsänderungen oder neue Verzweigungen vor.

Bäume malen und zeichnen – aber wie?

Oft sind Bäume nur ein Teil des Motivs. Deshalb ist der wichtigste Schritt, den Baum einfach in seiner Grundform darzustellen. Die einfachste Methode ist, zunächst die Grundform festzulegen und den Baum dann zu schraffieren. Wer etwas mehr Detail möchte, kann die Grundform mit der typischen Aststruktur füllen.

Nur wenn der Baum das Hauptmotiv ist, wird er ausführlich gemalt.

Das ist aber nicht das Thema dieses Blogs, denn heute geht es um Bäume, die man in seine Bilder oder Skizzen einfügt.

Die Herausforderung dabei ist, nicht zu viel zu machen.

Zu viele Details zerstören die Bildkomposition. Ein überkritzelter Baum übernimmt die Kontrolle über den Entwurf und kann das gesamte Bild ruinieren.

Deshalb lautet die Grundregel: Grundform zeigen – und nicht mehr! Dabei arbeitet man ruhig und kontrolliert.

Die einfachste Methode:

• Ruhig schraffieren
• Die Grundform an der oberen Linie mit Ästen füllen und den Stamm ergänzen
• Die Grundform in Farbe malen und nur wenige grafische Details hinzufügen

Das kannst du so machen – sieht aber Kacke aus!

Natürliche Dinge haben ihre Ordnungsstruktur. Doch Kontrolle ist zerstörerisch!

Du kannst das größte Chaos zeichnen, wenn es der Grundstrucktur folgt.

Doch wenn du diese nun feinsäuberlich und sehr langsam in die Grundform überträgst, wird es wieder zu viel. Warum? Wenn man Geäst langsam und unsicher zeichnet oder malt, fließt zu viel Farbe aus Pinsel oder Stift. Das führt zu dicken Strichen, die unästhetisch wirken. Das, was man zeichnet oder malt, wird einfach zu überladen.

Um das Problem zu lösen, braucht man zwei kleine Umstellungen in der Technik:

1. Den Stift oder Pinsel nicht zu weit vorne anfassen.
   • Last runter von der Spitze! So bleibt der Strich locker, klein und zart.
2. Die feinen Verästelungen nicht langsam und zögerlich zeichnen oder malen.
   • Ganz im Gegenteil: Mutig und rasant schnell sollen Pinsel oder Stift über das Papier gleiten.

Bäume malen heißt Kontrolle loslassen!

Meiner Erfahrung nach sehen solche Strukturen am besten aus, wenn man dem Pinsel oder Stift eine gewisse Freiheit gibt.

Wenn man natürliche Strukturen gut malen oder zeichnen möchte, dann muss man die Kontrolle ein Stück weit loslassen.

Viel Spaß beim Ausprobieren und Experimentieren! Denk daran: Ein Baum muss nicht perfekt sein – er muss lebendig wirken. Also, schnapp dir Stift oder Pinsel und leg einfach los!

Bis zum nächsten Mal und happy sketching! 😊🎨

Tine

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Weiterlesen zum Thema bei Tine:

Bäume malen! Hingucker im Herbst.

https://blog.herz-der-kunst.ch/baeume-malen-hingucker-im-herbst/

 

 

 

 

 

 

Heute geht es um das perspektivisch Zeichnen, gerade bei Straßenszenen ist es kniffelig. Mit ein paar kleinen Tricks wird perspektivisch Zeichnen deutlich einfacher und stressfreier.

Perspektivisch zeichnen die Grundlagen, sind die klar und trotzdem klappts nicht?

Gerade in Straßen, wo die Gebäude parallel verlaufen, liegt der Fluchtpunkt der Zentralperspektive auf der Augenhöhe, meist mitten auf der Straße.

Doch auch wenn man den Fluchtpunkt kennt, ist das Zeichnen oft mühsam. Der Teufel steckt im Detail – und seien wir ehrlich: Gefühlt anderthalb Tausend Fenster können einen wirklich jeder Zeichnung in den Wahnsinn treiben!

Ist das Freihandzeichnen von komplizierten urbanen Motiven also wirklich nur ein Traum?

Nein! Mit ein paar einfachen Tricks wird es machbar und sogar entspannend. Diese kleinen Helferlein möchte ich dir heute verraten.

Gib dir zuerst ein Grundgerüst.

Zuerst überlege ich, wo die Fluchtpunkte liegen. Diese liegen immer auf der Höhe der Augen.

Mein erster Trick: Ich lasse strahlenförmig Linien auf den Fluchtpunkt zulaufen und schaffe so ein Orientierungsmuster. Dieses Raster dient mir als Hilfe, wenn ich perspektivisch zeichne. So stelle ich sicher, dass die Details im Motiv in die richtige Perspektive laufen. Schau genau hin, die Hilfslinien sieht man kaum.

Jetzt kann ich auch komplizierte Motive zeichnen, ohne ins Schleudern zu kommen.

Das Strahlenmuster kann man später radieren.

Vereinfachen ist der Schlüssel.

Die meisten von uns scheitern, wenn sie perspektivisch zeichnen, weil sie sich an unzähligen kleinen Details wie Fenstern oder Pflastersteinen festbeißen. Wenn dann ein Fehler passiert, möchte man alles hinwerfen. Hier helfen einige Tricks, um die Perspektive zu vereinfachen:

Oft ist es erstaunlich einfach eine perspektivische Zeichnung nur durch eine Linie zusammenzufassen. Dann sitzt alles an seinem Platz.

Schau genau hin! Eine einzige Linie führt von der linken Dachkante bis zum letzten Giebel auf der rechten Seite. In dieser Zeichnung wurde sie nur durch etwas Schnickschnack ergänzt.

Was ist der Trick daran?

Wenn man keine Häuser zeichnet, sondern nur eine durchgehende Linie, fällt dies unserem Gehirn viel leichter.

Warum?

Du hast deinem Gehirn einen ganz einfachen Arbeitsauftrag gegeben. Es verfolgt die Linie und wird nicht abgelenkt.

Simple Arbeitsanweisungen wie: Dreieck, leicht runter, dann stärker runterfallen unserem Kopf leichter als male dieses Haus mit 25 perfekten Fenstern.

Wenn das Gerüst steht, kannst du mit Details ergänzen, es ist nun viel einfacher.

Der Trick mit dem Schatten #perspektivischZeichnen

Eine Straßenseite liegt meist im Licht, die andere im Schatten. Nutze das! Zeichne die beschattete Seite nur als Silhouette mit wenigen Details. Zeige gerade so viel, dass die Perspektive erkennbar bleibt. So sparst du Zeit und Nerven und kannst deine Konzentration auf die beleuchtete Seite richten, die ohnehin das Hauptmotiv bildet.

Lange Perspektivlinien: wenig Aufwand, viel Effekt.

Perspektivische Tiefe kannst du ganz einfach erzeugen, indem du lange Linien auf den Fluchtpunkt zulaufen lässt.

Diese Linien lenken das Auge.

Diese Linien füllen die Straße, führen das Auge ins Motiv und sehen beeindruckend aus, ohne großen Aufwand zu erfordern. So kann man sehr effektvoll perspektivisch zeichnen.

Das Zeichnen der einzelnen Fenster ist oft  nicht mehr notwendig, die Zeichnung wirkt durch die Perspektivlinien tief und nicht vollgestopft.

Das wird im nächsten Beispiel noch deutlicher:

Hier erzeugen die langen Linien die Tiefe, Fenster wurden nicht ausgearbeitet.

Perspektivisch zeichnen in der Entfernung wird alles kleiner.

Dieser Effekt der Perspektive ist oft eine Herausforderung, kann dir aber auch helfen. Fenster und andere Details in der Entfernung werden so klein, dass ihre genaue Form kaum mehr sichtbar ist. Nutze dies, um dir die Arbeit zu erleichtern: Hinten im Bild reichen ein paar Striche, um die Illusion von Fenstern zu erzeugen. In mittlerer Entfernung genügt es, die Schattenformen der Fenster darzustellen. Dies spart Zeit und verleiht deiner Zeichnung Tiefe.

Der Trick mit langen Strichen.

In großer Entfernung kannst du mehrere Fenster oder Etagen mit wenigen langen Linien zusammenfassen. Das vereinfacht das Zeichnen und verhindert, dass du dich in Details verlierst.

Der wichtigste Tipp an diesem Bild ist…

Weglassen, weglassen, weglassen…

Effektiv perspektivisch Zeichen bedeutet nicht, dass man alles zeichnet.

Dann wird es so aufwendig, dass man niemals die Übung erhält, um locker und frei zeichnen zu können.

Zu viele Details machen dir das Zeichnen schwer. Wer schöne Zeichnungen und Bilder machen möchte sollte beim perspektivisch Zeichnen zu erst lernen, was wirkt!

Überraschender Weise sind einfache perspektivische Linien so wirkmächtig, dass sie zeichnerisch Straßen und Fenster vollkommen ersetzen können.

Perspektivlinien sind die Rutschbahn für das Auge!

Lockerheit als Geheimwaffe beim perspektivisch Zeichnen

Es sieht oft besser aus, wenn man beim perspektivischen Zeichnen locker bleibt und auch mal eine Linie verspringen lässt. Zu exakte Konstruktionen machen jeden Fehler sichtbar und lassen das Bild starr wirken. Lockerheit bringt dagegen Leben und Dynamik in deine Zeichnung. Warum das funktioniert?

• Lebendigkeit statt Perfektion: Kleine Abweichungen spiegeln die natürliche Unregelmäßigkeit der Welt wider und machen deine Zeichnung authentischer.
• Fehler fallen weniger auf: Bei lockeren Linien wirken kleine Ungenauigkeiten wie gewollte Teile des Ausdrucks.
• Energie im Strich: Lockeres Zeichnen gibt den Linien Bewegung und Dynamik, was den Betrachter anspricht.
• Fokus auf das Wesentliche: Weniger Perfektion bedeutet mehr Raum für den Gesamteindruck.
• Zeit und Freiheit: Lockeres Arbeiten spart Zeit und lässt dir Freiheit für Kreativität.

Fazit

Perspektivisches Zeichnen erfordert Grundlagen und ein Gefühl für Proportionen. Doch mit diesen Tricks kannst du Freihandzeichnungen schnell und effektiv umsetzen. Die Tipps sparen dir mühsame Detailarbeit und geben dir mehr Freiheit für das Wesentliche – den Ausdruck und die Wirkung deiner Zeichnung. So werden deine Straßenszenen lebendig, charmant und ganz persönlich.

Viel Freude beim Ausprobieren und Zeichnen! 😊

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Weiterlesen bei Tine:

https://blog.herz-der-kunst.ch/perspektive-verstehen-horizontlinie/

Perspektive verstehen – Horizontlinie

Ein Grundlagenvideo zum Thema:

https://studyflix.de/allgemeinwissen/zentralperspektive-5050

Jade Pinsel. Die Zwinge ist aus Jade und soll beim Malen Glück bringen. Dieser Pinsel ist Unfug, die reine Leidenschaft.  XD Er gehört zur Deko meines Ateliers.

Pinsel pflegen: So bleibt dein Pinsel jahrelang ein treuer Begleiter

Frohe Weihnachten! Wenn wir Weihnachten kochen, dann ist das für viele Menschen. Deshalb haben wir nicht die klassische Ente, sondern einen Turkey. Das ist bei uns eine liebe und gute Weihnachtstradition. Dieses Jahr hatte unser Patenkind mitten in der Innenstadt die großartige Idee, dass sie ein Pony als Haustier möchte. Als sie nun zu meinem Mann ging, um dieses Pony aus ihm heraus zu nörgeln, antwortete mein Mann zum Thema Pony zu Weihnachten: „Super Idee, eigentlich haben wir ja immer Turkey, aber von einem Pony werden bestimmt auch alle satt! Grins!“ (Fand sie nicht so lustig!)

Obwohl Malen mein Beruf ist, liebe ich es immer noch, mir einen ganz tollen Pinsel zu gönnen. Und hier sind wir nun bei Teil zwei unserer Weihnachtsserie: Tolle Weihnachtsgeschenke liebevoll pflegen und erhalten. Heute geht es um die wunderbaren Pinsel, die ihr euch zu Weihnachten gegönnt habt.

Pinsel pflegen: Zwischen Lust und Last(er)

Pinsel sind kleine Kunstwerke. Für mich sind sie definitiv ein Laster, denn obwohl ich bereits die Pinsel gefunden habe, mit denen ich gerne male, gibt es immer wieder einen, den ich unbedingt haben muss. Dann bin ich wie unser Patenkind – das Pony oder der Pinsel müssen mit einer dicken roten Schleife unter den Weihnachtsbaum! Bei guten Pinseln ist der innere Aufbau das Ergebnis einer jahrhundertelangen Handwerkstradition. Je nachdem, was der Pinsel tun soll, sind die Haare im Innenleben kunstvoll angeordnet. Dieser Aufbau gibt dir die präzise Kontrolle über deine Arbeit, die perfekten Striche und Texturen.

Die meisten Pinsel, die nicht tun, was sie sollen, sind entweder zu einem anderen Zweck konstruiert oder der Besitzer hat sie versehentlich ruiniert. Denn genauso wie gute Schuhe oder Werkzeuge brauchen auch sie die richtige Pflege, um lange zu halten. Heute verrate ich dir, wie du deine Pinsel pflegen und schützen kannst, damit sie dir viele Jahre Freude bereiten.

Was macht Pinsel kaputt?

Mechanische Belastung

Das unsanfte Reinigen oder „Schrubben“ auf rauen Oberflächen schadet besonders empfindlichen Pinseln. Naturhaare brechen leicht, und Synthetikhaare können ausfransen. Obwohl synthetische Pinsel stabilere Spitzen haben, kann auch sie zu viel Schrubberei ruinieren.

Tolles Ding, ein Linienpinsel! Zieht ungemein feine Linien, bei mechanischer Belastung ist er sofort kaputt! Im Moment mein Lieblingspinsel, der Clou, er hat eine Silberspitze am Ende. Der Pinsel ist also auch ein Stift.

Im Alltag sehe ich zwei Fehlerquellen, bei denen meine Schüler ihre Pinsel ruinieren, oft ohne es zu merken:

1. Schlagen im Wassertopf: Viele schlagen die Pinselspitze wütend auf den Boden des Gefäßes – wie ein Angler, der den Fisch erlösen will. Hier die schlechte Nachricht: Auch dein Pinsel stirbt daran.
   • Tipp: Reinige deinen Pinsel im Wassergefäß, indem du ihn sanft schüttelst, ohne den Boden zu berühren.
2. Zu kleine Farbnäpfchen: Fancy Mini-Farbkästen mit kleinen Näpfchen sind eine Belastung für gute Pinsel. Die ständige Reibung an den harten Wänden der Näpfchen zerstört die Haarspitzen.
   • Tipp: Wer empfindliche Pinsel nutzt, sollte auf Farbtuben umsteigen. Die weiche Konsistenz der Farben reduziert die mechanische Belastung.

Rückständige Farbe

Trocknet Farbe in den Haaren oder – noch schlimmer – am Ansatz, wird der Pinsel steif und schwer zu reinigen. Farbpigmente, die sich an der Zwinge ablagern, spreizen die Haare und ruinieren die Spitze. Spül deinen Pinsel sorgfältig an der Zwinge aus, um seine Lebensdauer zu verlängern.

Lagern in Wasser

Viele lassen ihre Pinsel im Wasser stehen, um sie zwischen den Farbaufträgen feucht zu halten. Aber Vorsicht: Das verbiegt die Haare, löst den Kleber in der Zwinge und deformiert die Spitze.

• Soforthilfe: Forme die Spitze mit etwas Spucke. Bei Naturhaarpinseln helfen die Enzyme der Spucke, die Haare perfekt zu formen. Bei synthetischen Pinseln wirkt nur die Klebewirkung.

Falsche Lagerung beim Transport

Wer seine Pinsel einfach in die Tasche stopft, riskiert enorme mechanische Belastungen. Nutze Schutzkappen oder spezielle Netze, um die Pinselhaare zu schützen.

Kostet nix, ist aber unbezahlbar. Im Rucksack aus Malaysia mitgebracht. Macht super feine Spritzer und Linien. Dank guter Pflege hat der Pinsel auch nach 8 Jahren Dauergebrach eine grossartige Spitze.

Keine aggressiven Lösungsmittel

Pinsel mit Naturhaar sollten nicht in aggressive Lösungsmittel getaucht werden, da dies die Haare austrocknet. Für Synthetikpinsel ist das weniger problematisch, aber auch hier gilt: Immer gut ausspülen! Das beste und preiswerteste Reinigungsmittel ist Kernseife. Sie pflegt besonders die Naturhaare teurer Pinsel.

Pinsel pflegen: Unterschiede zwischen Naturhaar und Synthetik

• Naturhaarpinsel: Diese empfindlichen Pinsel aus echten Tierhaaren brauchen Feuchtigkeit, um geschmeidig zu bleiben. Werden sie zu trocken, können sie brüchig werden.
• Synthetikpinsel: Diese robusteren Pinsel reagieren empfindlich auf hohe Temperaturen. Heißes Wasser oder direkte Sonneneinstrahlung können die Haare verformen.

Fazit: Pinsel pflegen lohnt sich

Teure Pinsel sind eine Investition – sowohl in deine Kunst als auch in dein Werkzeug. Mit der richtigen Pflege kannst du sicherstellen, dass sie lange halten und dir beste Dienste leisten. Ob Naturhaar oder Synthetik: Behandle deine Pinsel mit Liebe! Sie werden es dir danken und dir viele wunderbare Malerlebnisse schenken.

Noch mehr Tipps rund ums Malen und Zeichnen findest du auf meinem Blog Herz-der-Kunst.ch. Schau vorbei und lass dich inspirieren! Ich wünsche dir frohe Weihnachten – genieße die Zeit mit deinen Lieben und vergiss nicht: Harmonie entsteht durch Wohlbefinden, nicht durch Perfektionismus.

Liebe Grüße, Tine

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Strahlende Aquarellfarben- so funktioniert es:

 

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Endlich ist es so weit – ich darf Schnee malen!

Der Winter ist ein wahrer Künstler, der mit seiner weißen Farbe leuchtende Landschaften zaubert.

Schnee fasziniert mich immer wieder. Letzte Woche war es endlich so weit: Innerhalb weniger Minuten fiel eine unglaubliche Menge feuchter, klebriger Schneeflocken und verwandelte die Landschaft in einen wahren Wintertraum. Es sah aus, als hätte jemand eine Szene aus einem Disney-Film direkt vor meiner Haustür gemalt.

Lange musste ich darauf warten. Obwohl ich in der Schweiz lebe, bin ich am Rhein zu Hause, wo es fast immer zu warm für Schnee ist.

Das Malen nach Fotos gibt mir nie dasselbe Gefühl. Es ist die direkte Beobachtung, die mich glücklich macht und mir das Gefühl gibt, eins mit der Natur zu sein.

Heute verrate ich dir ein paar Tricks und Kniffe, wie du Schnee lebendig und atmosphärisch aufs Papier bringen kannst.

Die Farben des Schnees

Denkt man an Schnee, denkt man sofort an Weiß! Doch wenn du genauer hinschaust, entfaltet sich ein faszinierendes Farbspektrum.

Schnee ist wie ein Spiegel, der die Farben des Himmels und der Umgebung einfängt.

Die Farbe des Schnees wird stark vom Licht beeinflusst. Je nach Licht und Tageszeit verändert sie sich ständig.

An einem strahlend sonnigen Tag reflektiert der Schnee die Farbe des Himmels. Deshalb spielen beim Schneemalen verschiedene Blautöne eine zentrale Rolle.

Besonders spannend wird es, wenn die Sonne tief steht – dann schimmern die Schneeflächen in goldenen oder zarten Rosatönen.

Bei bedecktem Himmel verliert der Schnee seine Strahlkraft und wird grau.

Schnee malen und Blautöne

Generell eignen sich alle Blautöne, um Winterlandschaften darzustellen. Trotzdem möchte ich dir ein paar Tipps geben, wie du die Farbstimmung noch lebendiger machen kannst.

Ultramarinblau und Kobaltblau sind wunderbare Begleiter, um die Blautöne des Schnees einzufangen. Diese transparenten Farben erzeugen ein warmes Blau – und genau diese Freundlichkeit ist in kalten Winterbildern so wichtig.

Aber: Greif auch unbedingt zu einem leuchtenden, kalten Blau! Phthaloblau ist dafür perfekt. An klaren, frostigen Tagen beginnt der Schnee fast zu strahlen, und Phthaloblau fängt dieses Strahlen hervorragend ein. Mit solchen kühlen Blautönen kannst du die Kälte und Frische des Winters wunderbar darstellen.

An bewölkten Tagen hingegen verändert sich der Schnee.

Das leuchtende Blau weicht gedämpften Tönen, und hier kommt das Grau des Winters ins Spiel.

Um solche Szenen realistisch und lebendig wirken zu lassen, ist es sinnvoll, eine ganze Reihe lebhafter Grautöne zu mischen. Achtung: Verwendest du nur einheitliche Grau- oder Blautöne, können deine Bilder schnell monoton und trist wirken.

Also Finger weg! Kein gekauftes Grau!

Winterbilder leben von Kontrasten. Wenn du ausschließlich kalte oder graue Farben einsetzt, wirkt das Bild auf den Betrachter oft freudlos und ungemütlich. Das Auge freut sich, wenn es einen Gegenpol hat.

Deshalb solltest du beim Schneemalen gezielt warme Farbtöne einstreuen.

Kleine Akzente in Gold, Rosa oder zartem Orange machen deine Winterlandschaften strahlender, lebendiger und vor allem freundlicher.

Warme Farben – und der Schnee beginnt zu strahlen

Es gibt eine lockere Regel beim Malen, die deine Bilder schnell harmonischer und lebendiger macht: Hat ein Bild eine dominante Grundfarbe, dann braucht diese Farbe einen Gegenpol.

Beim Schneemalen setzen wir zu 70 bis 80 % auf kalte Farben – Weiß und Blau dominieren die Szene.

Doch genau deshalb sind ein paar warme Farbtupfer in der Landschaft so wichtig, um das Bild freundlicher und ausgewogener wirken zu lassen.

Gerade im Herbst bleiben viele Orange-, Gelb- und Brauntöne in der Landschaft sichtbar, auch wenn der Schnee sie teilweise bedeckt. Diese Farben sind eine wunderbare Gelegenheit, deine Schneebilder zu bereichern. Kleine Akzente in Gebranntem Siena, Indischgelb oder Quinacridongold bringen Wärme ins Bild. Auch tief dunkle oder goldene Brauntöne setzen reizvolle Kontraste.

Besonders spannend für das Auge: Warme Farben wie Orange oder Rottöne sind komplementär zu den Blautönen.

Sie lassen das Blau des Schnees regelrecht leuchten. Gleichzeitig erleichtern sie das Mischen interessanter Schattentöne – ein entscheidender Faktor, um Schneebilder lebendig und atmosphärisch darzustellen.

Der Schatten malt den Schnee

Schatten lassen den Schnee lebendig wirken – sie geben ihm Tiefe und Form.

In der kalten Jahreszeit steht die Sonne oft tief am Himmel. Das sorgt für lange, weiche Schatten, die sich malerisch über die Schneeflächen ziehen.

Besonders spannend: Schatten im Schnee sind selten grau oder schwarz. Stattdessen schimmern sie in kühlem Blau, oft mit einem Hauch von Violett.

Für lebendige Schneeschatten empfehle ich dir Ultramarin,Cobalt oder Ceruleanblau. Mische diese mit einem kleinen Schuss Crimson oder Opernrosa, um sanfte, lebendige Nuancen zu erzeugen. Wenn du nur ein einziges, gekauftes Grau verwendest, wirken deine Bilder oft eintönig und flach.

Da Schneebilder von Blautönen dominiert werden, solltest du darauf achten, viele kleine farbliche Nuancen einzufügen.

Dies macht dein Bild interessanter und lebendiger. Nutze die Blautöne, die du im Bild verwendest, um vielseitige Grautöne zu mischen.

Schnee malen, dabei gibt es jedoch eine kleine Herausforderung:

Nicht alle Blautöne lassen sich mit warmen Farben wie Orange oder Gebranntem Siena zu Grau mischen.

Kalte Blautöne wie Phthaloblau oder Türkis können dabei lebhafte Grüntöne erzeugen, die in einer gedämpften Winterlandschaft störend wirken.

Um solche Blautöne für Schatten zu dämpfen, brauchst du Rottöne. Farben wie Crimson, Permanent Rosa, Opernrosa oder Magenta helfen, diese kühlen Blautöne in harmonische und vielseitige Schattentöne zu verwandeln.

So erhält dein Schneebild voller Tiefe und Atmosphäre.

Schnee malen – Die wichtigsten Aquarelltechniken 

Der trockene Pinselstrich

Der trockene Pinselstrich ist die wichtigste Technik beim Malen von Schnee. Schnee zu malen ist so anspruchsvoll, weil er oft an dunklen Objekten klebt und dabei gebrochene Strukturen bildet. Hier blitzen kleine weiße Punkte hervor, dort zeichnet sich ein dunkler Baum ab.

Der trockene Pinselstrich hilft dir, diese gebrochenen Strukturen perfekt darzustellen.

Mit wenig Wasser und fast trockener Farbe kannst du die unregelmäßigen Formen des Schnees andeuten. Dabei ist es wichtig, dass der Pinsel wirklich trocken ist. Der trockene Strich funktioniert am besten, wenn du den Pinsel schnell über das Papier gleiten lässt – aber nicht mit der Spitze, sondern mit der Seite des Pinsels.

Negativtechnik – der Schnee ensteht durch den Schatten

Schnee ist weiß, also malt man ihn nicht. tatt Schnee direkt darzustellen, lässt du einfach die weiße Papierfläche stehen. Male um den Schnee herum – zeige ihn durch seine Schatten und die Farben der Umgebung.

Der Schnee wird erst durch seine Schatten lebendig – deshalb ist das Mischen der richtigen Schattenfarben so entscheidend für Winterbilder. Diese Schatten machen den Schnee sichtbar und verleihen deinem Winterbild Tiefe und Atmosphäre.

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Weiterlesen bei Tine:

https://blog.herz-der-kunst.ch/wie-malt-man-schnee-und-kaelte/

Wie malt man Schnee und Kälte?

Herbstfarben ganz schön gegensätzlich!

Kontraste machen ein Bild lebendig und fesselnd.

Herbstfarben von leuchtend bis gebrochen:

Herbstfarben gedämpfte Töne mischen:

Es ist ganz leicht, gedämpfte Töne, zarte Grautöne und tiefe Dunkelheiten aus Herbstfarben zu mischen. Wer warme, gebrochene Orangetöne oder Brauntöne braucht, muss sie nicht extra kaufen. Mit wenigen Standardfarben, die jeder im Farbkasten hat, lassen sich wunderschöne Herbstfarben und satte Dunkelheiten zaubern.

Herbstfarben mischen heißt oft , das man die Farbe mit der Komplementärfarbe bricht.

Leuchtende, klare Farbe steht neben gebrochener Farbe.

Die klassische Herbstfarbe ist Orange – bis hin zu gebranntem Siena oder Ocker.

Für mich persönlich ist Orange die schönste Herbstfarbe. Besonders gern verwende ich Lasur-Orange. Diese Farbe gibt es bei vielen bekannten Farbmarken, und sie leuchtet besonders intensiv, weil sie transparent ist. Das Licht wird durch die Farbschicht hindurch zurückgeworfen – und das lässt das Orange fast von innen heraus strahlen.

Doch das leuchtende Orange kommt erst richtig zur Geltung, wenn es im Zusammenspiel mit gedämpften Herbsttönen steht.

Herbstfarben mischen -So entstehen Herbsttöne im Handumdrehen

Gedämpfte Herbsttöne muss man nicht kaufen. Mische einfach Orange mit Ultramarin oder Ultramarin Feinst, und du erhältst wunderschöne Grautöne, Brauntöne und auch tiefe Dunkelheiten. Ein kleiner Schuss Gelb dazu, und es entstehen warme, natürliche Brauntöne.

Tipp für Experten:

Wenn du statt Ultramarin französisches Ultramarin verwendest, erhältst du eine besondere Textur: Die Farbe zeigt kleine Tupfen, die man Granulation nennt. Mit diesem Effekt wirkt das Herbstlaub in deinen Bildern wie von selbst lebendig und natürlich.

Die starke Dunkelheit das eigentliche Geheimnis der Herbstbilder.

Herbstfarben mischen hängt eng mit der Dunkelheit im Bild zusammen. Dunkelheiten sind der Schlüssel zu beeindruckenden Herbstbildern, denn unser Auge arbeitet durch Vergleiche. Es ist unser Gehirn, das Helligkeit und Dunkelheit in Relation setzt – gesteuert durch die Stäbchen in unserem Auge, die auf Kontraste reagieren.

Setze eine starke Dunkelheit neben eine helle Herbstfarbe, und diese beginnt regelrecht zu leuchten.

Oben sprachen wir bereits über die sehr nützliche Kombination von Orange und Ultramarin.

Wir sprachen bereits über die Kombination von Orange und Ultramarin. Mit nahezu derselben Mischung lassen sich auch faszinierende, farbige Dunkelheiten erzeugen. Ersetzt man Orange durch gebranntes Siena, wird der Farbton fast schwarz.

Das Besondere: Diese Mischung erlaubt Variationen. Sie kann bläulicher, gräulicher oder rostbraun werden – je nach Dosierung. Dadurch entsteht eine natürliche Vielfalt, die deinen Bildern Tiefe und Abwechslung verleiht. Das Ergebnis: Deine Grautöne und dunklen Flächen wirken nicht eintönig, sondern lebendig und vielschichtig. Deine Bilder gewinnen spürbar an Attraktivität.

Profitipp:

Mit dieser Kombination schlägst du gleich zwei Fliegen mit einer Klappe.

Erstens bringen die starken Dunkelheiten die leuchtenden Herbstfarben noch besser zur Geltung. Zweitens kannst du mit denselben Farben eine beeindruckende Vielfalt an Grautönen und Brauntönen erzeugen – perfekt für die Tiefe und Stimmung in deinen Herbstbildern.

Profitipp 2:

Wie wir bereits gesehen haben, bringen Dunkelheiten Herbstfarben zum Leuchten. Doch Vorsicht: Bleibt man bei nur einer einzigen Dunkelheit, wirkt das Bild schnell monoton. Kalte Dunkelheiten lassen sich leicht mit Ultramarin mischen.

Aber Herbstfarben sind nicht nur kühl – sie brauchen auch Wärme!

Eine warme Dunkelheit kann deinen Bildern zusätzlich Strahlkraft verleihen. Ein Rotton wäre ideal. Leider sind viele dunkle Rottöne stumpf und oft zu deckend. Hier lohnt es sich, nach einer transparenten Alternative zu suchen, um die Herbststimmung perfekt abzurunden.

Dunkle und warme Herbstfarben mischen:

Alizarin Crimson Deep: Ein Geheimtipp für Dunkelheiten

Alizarin Crimson Deep, Crimson Deep, Garance Brune oder Purpurlac – verschiedene Namen für eine Farbe, die dunkel, transparent und vielseitig ist. Achtung: Der Farbton variiert je nach Hersteller stark.

Ich bevorzuge die Variante von Sennelier – keine Schleichwerbung, nur persönliche Begeisterung! Dieses Rot kombiniert mit Ultramarin ergibt ein tiefes Violett, das fast schwarz wirkt.

Vielleicht fragst du dich jetzt: „Was soll ich mit einem ganz dunklen Violett für meine Herbstbilder?

Herbstfarben mischen -Warum ein dunkles Violett?

Die Antwort ist einfach: Gelb!

Gelb ist die zweite dominierende Herbstfarbe. Und auch Gelb kann durch Kontraste zum Strahlen gebracht werden.

Du möchtest, dass deine Bilder genauso leuchten wie die Herbstfarben in der Natur? Dann nutze den Komplementärkontrast – der einfachste Trick, Farben zum Strahlen zu bringen.

Komplementärfarben liegen im Farbkreis direkt gegenüber. Sie haben gegensätzliche Wellenlängen, die unser Auge als besonders stark wahrnimmt. Der Effekt: Die Farben verstärken sich gegenseitig.

Schau mal unter die Bäume dort sind violette Schatten.

Orange lässt sich leicht zum Leuchten bringen, indem wir unsere Dunkelheiten aus Orange und Ultramarin – seiner Komplementärfarbe – mischen. Für gelbe Herbstbäume funktioniert der gleiche Trick: Statt Gelb mit seiner Komplementärfarbe zu mischen, greifen wir direkt zu einem dunklen Violett. Damit erzeugen wir starke Dunkelheiten, die das gelbe Herbstlaub strahlen lassen.

Ich hoffe, dieser Blog hat dir genauso viel Freude gemacht wie mir beim Schreiben!

Liebe Grüße in den regnerischen, aber trotzdem wundervollen Herbst,
Tine 😊

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weiterlesen bei Tine:

Herbstfarben – mehr als nur buntes Laub

 

https://blog.herz-der-kunst.ch/herbstfarben-mehr-als-nur-buntes-laub/