Wieso eigentlich Sketching versus Aquarell?

Urban Sketching, so heißt es auf neudeutsch, wenn man etwas in seinem Skizzenbuch festhält. Dabei wird überwiegend mit einem Stift gearbeitet und dann wird das Gezeichnete meistens nachher koloriert. Eine schnelle Skizze kann so aussehen.

Dabei geht es darum die Umgebung aufmerksam festzuhalten.

Das Aquarell ist in diesem Fall zwar nur ein Partner und man hat das Gefühl, man aquarelliere nicht, sondern man koloriere nur ein bisschen. Es wird insgesamt das Gefühl vermittelt, dass dies viel einfacher sei als ein richtiges Aquarell.

Was heißt den nur ein bisschen kolorieren? Aquarell ist doch beides?

Sketching versus Aquarell – Stil oder praktische Notwendigkeit?

Oft wird der Eindruck vermittelt, dass das Aquarell sei ein bisschen altmodisch  und passe nicht in unsere Zeit, weil es sehr aufwendig und zeitraubend sei. Das Skizzieren mit Stift sei die hippe und modernere und schnellere Variante des Aquarells.

Diese Annahme ist jedoch vollkommen falsch!

Aquarellieren ist wie Fahrradfahren!

Jeder von uns hat in der Schule tausendfach den Stift in der Hand gehalten und kann mit Stiften erst einmal besser umgehen als mit einem Pinsel.

Die Annahme, dass Aquarell kompliziert und zeitaufwendig sei, wird von den Menschen in die Welt gesetzt, die es nicht können.

Das ist in etwa so, als würde ein Fußgänger behaupten, dass Fahrradfahren deutlich komplizierter ist als das Gehen.

Wer aber Fahrradfahren kann, bewältigt in der gleichen Zeit die vierfache Strecke.

Aquarellieren und Fahrradfahren haben eines gemeinsam, der erste Versuch kann sehr erschreckend sein, man verliert dabei  schnell die Kontrolle.

Doch kommt man über diesen Moment der Unsicherheit hinaus, dann ergeben sich vielfältige andere Möglichkeiten.

Nicht umsonst halten viele Künstler ihre Vorskizzen nicht mit Stift, sondern mit Aquarell und Pinsel fest. Warum? Es ist schneller und freier.

Doch alles hat seine Vor- und Nachteile, wie immer im Leben kann man nicht sagen, dieses ist besser als das!

In diesem Blog wirst du k ein schlechtes Wort über Aquarell oder Sketching mit Stift hören.

Es ist einfach eine Frage des Materials, des Know-hows und der Vorlieben. Jedem Tierchen sein Pläsierchen!

Aber wo liegen den die Unterschiede?

Das Aquarell hat keinen größeren Materialaufwand als das Urban Sketching

Links Aquarell, rechts Urban Sketching.

Beim Aquarell sind die einzelnen Teile etwas größer, beim Urban Sketching braucht man den Platz für den Multimediakram.

Sketching versus Aquarell – Der Pinsel:

Im Urban Sketching werden gerne Wassertankpinsel benutzt. Dieser Pinsel hat den Ruf, dass er enorm praktisch ist. Man hat ihn in der Tasche und man braucht kein Wasser mit schleppen, dadurch ist er immer einsatzbereit.

Dies ist natürlich ein super Vorteil, doch der Nachteil ist, dass dieser Pinsel ca. 85 % aller Aquarelltechniken nicht ausüben kann.

Wassertankpinsel.

Im Aquarell braucht man einen großen Qualitätspinsel, vielleicht sogar zwei. Der Nachteil ist, dass diese Pinsel nicht winzig sind. Doch sie sind von hoher Qualität und sie können mehr.

Ein solcher Pinsel kann in Sekundenschnelle riesige Flächen kolorieren, ohne einen einzigen Ansatzpunkt. Bei einem Wassertankpinsel würde es nun ganz viele Striche und Flecken geben. Gleichzeitig kann ein guter Pinsel feine Linien machen und dies erübrigt die Stifte.

Der Wassertankpinsel ist also etwas, das man jederzeit in der Tasche haben kann. Mein Aquarellpinsel ist wesentlich größer, ich muss seine Pinselspitze schützen und doch ist es so, als hätte ich einen gesamten Werkzeugkasten in der Tasche.

Links sieht man meine Plein Air Ausrüstung fürs Aquarell -`> Minimalistisch!!!!

Papier:

Wer einen guten Aquarellpinsel und etwas Ausbildung hat, bemerkt schnell die Wechselwirkung zwischen Pinsel und Papier. Der Maler hat die Qual der Wahl, denn er kann mit seinem Pinsel sehr viele unterschiedliche Techniken erzeugen und bevorzugt deshalb etwas teurere Aquarellpapiere, die ihm erlauben das volle Spektrum seiner Techniken auszuüben.

Der Wassertankpinsel:

Ein Wassertankpinsel ist stets ein bisschen feucht. Das ist praktisch, hat aber nicht die gleiche Bandbreite wie ein guter Aquarellpinsel, denn dieser benutzt alle Feuchtigkeitszustände zwischen trocken und klatschnass. Der Wassertankpinsel braucht kein extrem gutes Papier, denn er lebt nicht durch die Konsistenzunterschiede der Farbe.

Sketching versus Aquarell – Farbkasten:

Auch hier haben sich sehr unterschiedliche Gewohnheiten ausgeprägt. Sketcher bevorzugen recht kleine Wasserfarbenkästen ohne große Mischfläche. Alles ist darauf ausgerichtet, sie ohne großen Aufwand mitnehmen zu können. Aquarellmaler bevorzugen Farbkästen mit großer Mischfläche. Diese Farbkästen sind sehr leicht und Luft- und Wasserdicht.
Beides ist großartig transportierbar.

Aber schau einmal, wie sich mein Wasserfarbkasten verändert, wenn ich ihn öffne!

Es werden riesige Mischflächen ausgeklappt. Ein guter Aquarellkasten ist auf große Pinsel und genug Platz zum professionellen Mischen ausgerichtet.

Es gibt viele Menschen, die das Malen und Zeichnen lieben. Einem Trend folgen ist bei persönlichen Dingen blöd. Probier es aus, was liegt Dir?

Nicht Sketching versus Aquarell, sondern Sketching mit Aquarell!

Wenn man das richtige Material hat, gibt es kaum Unterschiede zwischen Sketchen und Aquarellieren. Das Sketching sieht oft nur sehr viel leichter aus, weil die lockere Zeichnung und der Weißraum einen Eindruck von Leichtigkeit entstehen lassen.

Ich liebe es reine Aquarelle zu machen, weil man mit dicken Pinseln die ganze Szene in wenigen Minuten anlegen kann. Kann man diese Techniken, wird man niemals in der Kategorie denken, Sketching versus Aquarell. Man macht das, was Spass macht, wie man es gerade möchte.

Das Material für das Aquarell ist nicht wesentlich teurer als für das Sketching, denn viele Dinge, die man sich einmal angeschafft hat, halten sehr lange.
Einen Haken hat das Aquarell ihren jedoch, man braucht etwas mehr Fachwissen und man wird sehr viel anspruchsvoller beim Papier.
Einen Tipp habe ich noch für all die sich gerne weiterbilden möchten. Das Aquarell hat den Ruf sehr schwer zu sein, zu Unrecht. Falls du schon einmal gescheitert bist, es liegt nicht an dir, denn es gibt ein Missverständnis. Man denkt immer, dass man mit dem Skizzenbuchmaterial Aquarell üben könne. Doch Wasserpinsel und heiß gepresstes Papier machen es fast unmöglich die Techniken zu erlernen.
Bevor man mit Aquarell anfängt, braucht man ein Basiswissen über Material und Techniken. Die Techniken sind nicht schwer, jedoch so raffiniert, dass man nicht selbst darauf kommt.

Lieb grüße ins Wochenende Tine

Tausende Leser und jeder denkt die anderen spenden! Deshalb gibt es so wenige gute Angebote zum Lesen. Kunst braucht Budget! Denn auch Kultur muss Rechnungen bezahlen.

EUR

 

Weiterlesen bei Tine

Pinseltechniken

 

https://blog.herz-der-kunst.ch/pinseltechniken/

 

Heute tauchen wir ein in die Kunst Perspektive zu malen. Herzlich willkommen in der fantastischen Welt der Illusionen!

Heute sprechen wir einmal über die Vogelperspektive! Denn diese stellt beim Malen eine besondere Herausforderung dar.

Jetzt soll dies aber kein Blog zu Perspektivische Panik beim Panorama werden!

Die Vogelperspektive ist eine Ansicht oder Darstellungsweise, bei der der Betrachter  von oben auf die Szene schaut. Lass dich überraschen!

Vergiss alles, was du über perfekte Linien und mathematische Berechnungen gehört hast – wir sind hier, um die Kunst des überzeugenden Schwindels zu zelebrieren!

Alles was auf einem Blatt erscheint, ist und bleibt natürlich flach und trotzdem können wir eine erstaunliche Tiefe auf unser Papier zaubern.

Das hier ist die Via Rizzoli in Bolognam gemalt aus dem 3. Stock der Bibliothek.

In diesem Bild steckt ein hanebüchener Schwindel und keiner merkt es, dazu aber später.

Vogelperspektive Malen ist Herausforderung pur:

Die Vogelperspektive Malen ist immer schwierig! Dabei kommt man immer wieder durcheinander! Doch nicht, weil die Vogelperspektive schwieriger wäre als irgendeine andere Perspektive. Die Vogelperspektive ist uns einfach ungewohnt! Wir schauen selten von oben herab, denn wir können nicht fliegen.

Bei der Vogelperspektive liegen die Fluchtpunkte weit oben, d. h. die meisten Linien im Bild laufen in der Entfernung nach oben. Dies ist ganz anders, als wir es aus dem normalen Leben kennen, denn dort ist es genau andersherum; hohe Häuser werden in der Entfernung kleiner, weil die oberen Fluchtlinien nach unten verlaufen.

D. h. in der Vogelperspektive verlaufen die meisten Fluchtlinien nach oben, im Alltag kennen wir das genau andersherum.

Wenn man sich nun die Horizont- oder Augenlinie nicht sehr deutlich markiert hat, dann geht mit der Perspektive im Bild alles schief. Die Perspektive ist wahllos, mal falsch und mal richtig.

Denn falsche Fluchtlinien kommen uns richtig vor, weil wir diese aus dem Alltag so kennen.

Aber das verzeiht der Betrachter nicht!

Vogelperspektive malen, die Augen sind weit oben!

Beim Malen aus der Vogelperspektive ist die Berücksichtigung der Augenhöhe entscheidend, um eine realistische und überzeugende Darstellung zu erreichen.

Das Allerwichtigste ist, dass du dir zuerst klar machst, wo deine Augen sind. Die Horizontlinie und Augenhöhe sind das Gleiche. Hier entstehen die Fluchtpunkte.

Merke unterhalb dieser waagerechten (türkisen) Linie laufen alle Fluchtlinien nach oben und oberhalb dieser waagerechten Linie laufen alle Fluchten die Linie nach unten. IMMER! Und bei jeder Perspektive.

Die Horizont- oder Augenlinie ist also der Dreh und Angelpunkt der Perspektive.

Perspektiven wirken immer dann falsch, wenn der Maler oder Zeichner zwischen durch die Horizontlinie springen lässt!

Dann fluchten die Perspektivlinien schief und krumm. Der Betrachter sieht dann sofort, dass die strahlenförmigen Fluchtlinien nicht alle auf einen Fluchtpunkt zu laufen.

Das Ergebnis sieht falsch aus.

In der Vogelperspektive passieren immer mal wieder Fehler, weil man durcheinanderkommt.

Niemand ist perfekt:

Hier habe ich mich ordentlich verhaspelt.

Trotzdem schaut es gut und richtig aus.

Meine Fluchtlinie liegt in der dritten Etage.

Ich habe zuerst die komplette rechte Seite des Bildes gemalt. Und zwar mit meinem Fluchtpunkt, dann habe ich die Gebäude am Horizont eingefügt. Weil ich zwischendurch eine Pause gemacht habe und das Bild trocknete, habe ich vergessen, wo mein Fluchtpunkt lag.

Den Horizont habe ich intuitiv eingefügt. Intuitiv und total falsch!

Als ich nun begann, die rechte Seite zu malen, stellte ich fest:

“Ach du meine Güte! Ich habe zwei Horizontlinien!“

Das hieß, meine neue Häuserzeile auf der linken Seite hätte auf einen Fluchtpunkt fluchten müssen, der rund anderthalb bis 2 cm höher lag als der alte. Dies hätte nicht nur grauenhaft ausgesehen, weil ich damit den Blick auf die Straße abgeschnitten hätte. Noch chaotischer wäre gewesen, dass das graue Haus auf der rechten Seite vollkommen andere Fluchtlinie gehabt hätte als die Häuser auf der linken Seite.

Und wie ich oben schon beschrieben habe, sind dies schon Ungereimtheiten, die der Betrachter merkt und als unangenehm empfindet. Normalerweise müsse man das Bild wegwerfen.

Der Dreh und Angelpunkt, die Horizontlinie des Bildes, ist falsch!

Doch wer sich mit Perspektive auskennt, der weiß:

Jetzt bloß nicht in hektisches Korrigieren verfallen! Das merkt der Betrachter. Perspektive muss nicht richtig sein, sondern nur für den Betrachter logisch!

Was habe ich also getan?

Ich bin im unteren Teil meines Bildes konsequent in meinem Regelsystem geblieben.

Ich bin einfach bei meinem alten Fluchtpunkt geblieben und habe die linke Häuserzeile etwas gekürzt. Dies siehst du an dieser schnell vor Skizze der Raumeindruck ist etwas anders, 😆 haha! Die untere Perspektivlinie der Häuserzeile passt fast, denn da hatte ich meinen Irrtum schon bemerkt.

Der Betrachter ist äußerst gnädig, wenn allgemeine Naturgesetze befolgt werden.

Also habe ich in den Häusern links die obere Perspektivlinie ein wenig verwuschelt und nur wenige Andeutungen von Perspektive gezeigt.

Merke, keine hektischen Verschlimmbesserungen im Bild, konsequent nach einem Regelsystem arbeiten und den Rest verschleiern.

Dass der Horizont zu weit oben liegt, fällt nicht auf, denn Menschen, die in der Stadt leben, sehen den Horizont sowieso selten.

Wenn du ein paar Perspektiven unterwegs fälschen musst. Denk daran:

Es muss nicht stimmen, du musst sie nur überzeugend lügen!  Bleibe bei einem Regelsystem und springe nicht hin und her mit den Perspektivlinien.

Vogelperspektive malen – der Pinguin-Trick:

Stell dir vor, du malst eine Stadtlandschaft. Hast du schon mal einen Film über die Antarktis gesehen? Da stehen tausende Pinguine rum und die Kamera ist immer über ihnen.

Also im doppelten Sinne eine Vogelperspektive …hahaha

Es sind so viele Pinguine, dass man in der Entfernung nur noch Punkte sieht.

Der Betrachter verliert den Überblick, weil es viele sind und in der Entfernung alles kleiner wird.

Mach es genauso mit den Menschen, wirf ein paar Pinguine ins Bild! Platziere sie kleiner werden in der Ferne und voilà – du hast sofort eine überzeugende Tiefenwirkung!

Das Einzige, was wichtig ist, dass von vorne nach hinten alles eindeutig kleiner wird! Und je weiter die Menschen weg sind, desto höher wandern sie bei der Vogelperspektive im Bild.

Dabei muss man sich keine allzu tiefgreifenden Gedanken über Perspektive machen. Es ist einfach nur wichtig zu wissen, dass es so ist.

Eine Sache musst du allerdings beachten, wenn du die kleinen Punkte wie Pinguine ins Bild streust.

Das Wichtige ist, das jeder Fleck nur so groß ist, das er durch die Türen der Häuser passt, die ihm nahe sind.

Kleine perspektivische Fehler verzeiht der Betrachter! Der Gesamteindruck muss stimmen.

Oder ist dir aufgefallen, dass das Auto vorne rechts viel zu klein ist?

Nein? Dann wirf deine Panik vom Panorama ab, auch Perspektive wird nicht so heiß gegessen wie gekocht. Kleinere Fehler kannst du dir erlauben, wenn du innerhalb eines Regelsystems bleibst.

Der Betrachter möchte keine Perfektion, sondern eine deutlich erkennbaren und nachvollziehbaren optischen Eindruck.

Der Betrachter wird nichts mit dem Lineal nachmessen!
Außerdem braucht man diese kleinen Fehler, um zu lernen, wie man entspannt mit Perspektive umgeht.

So wäre die Perspektive übrigens richtiger gewesen. Aber ist sie wirklich besser?

Darüber ließe sich trefflich streiten, die andere ist halt gut gelogen!

Liebe Grüße aus Basel Tine

Auch Kultur muss Rechnungen bezahlen, denke ab und zu an eine Spende:

CHF

https://blog.herz-der-kunst.ch/alles-eine-frage-der-perspektive/

https://blog.herz-der-kunst.ch/alles-eine-frage-der-perspektive/

Liebe Grüße ins Wochenende Tine.

Malen lernen ist eine Frage des Selbstvertrauens:

Sind deine Bilder manchmal nicht so aus, wie du das möchtest? Hast Du auch Angst dein Bild in letzer Sekundr zu versemmeln? Na dann herzlich willkommen im Klub, dieses Problem haben fast alle Maler und Kreativen.Wenn Bilder nicht locker, entspannt und professionell aussehen, dann hat dies oftmals den Grund, dass man bestimmte Techniken noch nicht beherrscht.

Oder es ist eine Frage der Geschwindigkeit.

So ein Bild malt man Kopf aus, denn hier kommts auf Geschwindigkeit an.

Das kommt schon! sagen viele Lehrer, wenn was schief geht. Was die Lehrer mit ihrem Spruch meinen ist: Mit Übung kommt das Selbstvertrauen!

Das Selbstvertrauen ist eine Art “self fullfilling prophecy“.  Denn schnell gemalt klappen viele Techniken plötzlich wie von Zauberhand.

Malt man langsam und zögerlich, dann hat man zwar den Eindruck von Kontrolle, das Ergebnis sieht jedoch auch zwanghaft kontrolliert aus.

D. h. die Kontrolle kann dein Bild genauso gut ruinieren wie das hirnlose Arbeiten.

Betrachter sind in der Lage zu lesen, wie wir den Pinsel bewegen, in etwa wie bei der Handschrift. Mit stark kontrollierten Pinselstrichen sagst du:

„Hey, leider musste ich mich ganz schön anstrengen!

Jemand anderes sehr schnell und wild arbeitet, kommuniziert den Betrachter:

“Hey, ich bin so eine coole Sau, ich mach das mit der Hand in der Hosentasche!“

Das Paradoxe beim Malen lernen ist, dass exaktes Malen falsch sein kann.

Du kannst in die paradoxe Situation geraten, dass ein sehr korrektes Bild weniger schlüssig und professionell aussieht als ein Bild, das kleine Fehler zulässt,

weil der Schwung des Pinsels die Wirkung des Bildes beeinflusst.

Viele fortgeschrittene Mal-Techniken beruhen auf Timing, d. h. der Maler muss eine Farbe sehr schnell bearbeiten und Risiken eingehen, damit das gewünschte Ergebnis erzeugt wird.

Nass in Nass:

Hier muss der Maler mit trockenem Pinsel in feuchter Farbe arbeiten. Der Maler muss den Fehler des Auslaufens in Kauf nehmen, denn genau das Auslaufen der Farbe erzeugt die weichen Effekte in den Wolken. Kontrollierbar ist das nicht!

So wird der Zufall zum Freund der guten Maler, denn sie arbeiten mit ihm!

Trockener Strich:

So ein trockner Strich braucht Mut, je schneller der Pinsel, desto gebrochener der Strich.

Hier muss der Maler einen wenig feuchten Pinsel übers Blatt ziehen. Der Strich wird dadurch nicht so kontrollierbar wie ein langsamer Strich. Doch der gebrochene Effekt des Pinselstrichs erzeugt vielfältige wunderschöne Effekte. Er lässt Wasser glitzern oder den Effekt von Bewegung entstehen.

Blöd daran, sobald der Pinsel stoppt, malt er wieder! Und dann hat man einen Fleck im Bild.

Loslassen erzeugt eine gute Pinselhandschrift:

Es gibt viele Anwendungsbeispiele, wo ein Maler den Pinsel beherzt über das Papier sausen lassen muss. Malen lernen bedeutet also oft nicht zu kontrollieren, sondern zu riskieren.
Wenn man zum Beispiel ein Auto malt und dieses absolut präzise und korrekt malt, dann wird niemals der Eindruck entstehen, dass sich dieses Auto bewegt. Bewegung entsteht immer nur durch rasante Pinselstriche und ein klein bisschen Unschärfe.

Man braucht Geschwindigkeit und das Selbstbewusstsein, es durchzuziehen! Malen lernen braucht Mumm.

Das Verrückte an diesen Techniken ist, dass derjenige, der sein Bestes gibt, nachdenkt und korrekt arbeitet, an diesen Techniken scheitern wird.

Es ist ein bisschen wie als Kind im Schwimmbad. Stellst du dich aufs drei Meterbrett und starrst lange in die Tiefe der Sprunggrube, dann fällt dir das Herz in die Hose und du wirst niemals den Mumm haben, in die Tiefe zu springen.

Für die schnellen, selbstbewussten Pinseltechniken muss man anlaufen und mit Gebrüll springen.

Schnelles Arbeiten ist eine Frage der Gewohnheit:

Beim Malen lernen solltest du immer wieder Spontanitätsübungen einstreuen.
Mein Lehrer stellte eine schreiend gelbe Eieruhr auf den Tisch. Wir hatten alle einen dicken Pinsel in der Hand. Und wer das Bild nicht innerhalb von 5 Minuten auf dem Blatt hatte, hatte die Zitrone gezogen und bezahlte die Kaffeekasse.

Ich habe die Kaffeekasse sehr lange bezahlt.

Mein Tipp:

Situationen mit dem Pinsel skizzieren ohne Vorzeichnen. Mach das gewohnheitsmäßig und du wirst dir eine gewisse Lässigkeit angewöhnen.

Du selbst kannst dich ebenfalls mit einer Eieruhr antreiben, ich bevorzuge ein rasantes Musikstück in ca. 5 Minuten Länge.

Schon wenn ich dieses Musikstück höre, weiß ich, jetzt geht es los, mein ganzer Körper ist vollkommen eingestimmt auf das Malen.
Das nennt man NLP, neuroleptische Programmierung. Höre ich genau  diese Musik male rasant wie eine heidnische Göttin.

Mit diesem kleinen Trick, was nichts anderes ist als eine Konditionierung, kann man sich selbst auf das spontane und freie Arbeiten einstimmen.

Bildentwurf – Selbstvertrauen erarbeiten:

Fakt ist, dass man Freiheit durch guten Bildentwurf lernen kann.

Wie bitte? Freies Malen durch exaktes Planen?
Beißt sich hier der Hund nicht selbst in den Hintern?

Doch wenn man genauer hinschaut, ist die ganze Sache gar nicht so paradox, wie man denkt. Bildentwurf und Planung sind nicht das Gleiche wie frei und entspannt zu malen.
Es gibt einen Film von Stan und Olli, da bauen die beiden ein Haus. Das Lustige ist, das was der eine aufbaut, das stößt der andere mit dem Hintern um. Je mehr die beiden Arbeiten umso katastrophaler werden die Ergebnisse.

Genau so kann es einem beim Malen gehen, wenn man von einem Fehler in den andern stolpert.

Ein guter Bildentwurf kann diese katastrophale Entwicklung beim Malen verhindern. Man macht sich, bevor man anfängt zu malen Gedanken, welche Herausforderungen auf einen zu kommen.
Hast du schon mal gesehen, wie ein Bob-Pilot oder ein Skifahrer vor dem Start die gesamte Strecke im Kopf durchgegangen ist? Die Menschen bewegen sich, als wären sie auf der Piste.

Wenn du das Gleiche mit deinem Bild tust, dann weißt du vorher, was in Bild passieren wird.

Du kannst schnell und selbstbewusst arbeiten, wenn du nicht wie Stan und Ollie durch  das Bild stolperst.

Es macht keinen Sinn, panisch zu mischen, den Pinsel oder den Lappen zu suchen. Der Plan musst stehen, die Vorbereitungen sitzen und dann fängst du an zu malen.

Eine Vor- Zeichnung ist keine Planung.   Mach dir vielmehr Gedanken über die kritischen Punkte, wo treffen schwierige Techniken aufeinander.

Eine Zeichnung zeigt nur die Form, sie zeigt dir nicht, wo zum Beispiel 2 nasse Flächen ineinander laufen.

Eine genaue Vorzeichnung zeigt dir auch nicht, wo du schnell arbeiten musst, weil eine trockene Farbe nicht weich verläuft.

Durch Bildentwurf erarbeitest du dir also Selbstvertrauen und Achtsamkeit für mögliche Fehlerquellen.
Stecke weniger Zeit in eine ausführliche Vorzeichnung, sondern nimm dir Zeit zu überlegen, wo mache ich welche Technik.

Und dann ziehst du es selbstbewusst durch!

Malen lernen der Fehler gehört dazu!

Einer der häufigsten Fehler ist, dass man Techniken innerhalb des Bildes übt,
d. h., man hat Angst davor, etwas zu malen und dann machst du es mitten im Bild oder ganz am Schluss! Diese Vorgehensweise ist absolut frustrierend, denn damit ruiniert man sich garantiert seine Bilder.

Schwierige Dinge übt man nicht im fertigen Bild.

Ich weiß nicht, wieso alle auf die Idee kommen, man müsse zuerst 1 Stunde lang ein wundervolles Bild malen, um es dann mit dem letzten Strich zu ruinieren.

Bevor ich ganz unten den trockenen Stich setze, benutze ich natürlich ein Testpapier. Man muss wissen, ob zu viel Wasser im Pinsel ist. Ich male die schwierige Technik 2 -3  Mal auf meinem Probepapier. Bin ich mir sicher, und nun werfe ich selbstbewusst die Striche auf Blatt!

Liebe Grüße Tine

Bald beginnt die Serie Papier, solche Beiträge sind sehr teuer, wenn man sich nicht von der Industrie bestechen lässt! Danke vielmals an die, die unabhängigen Journalismus möglich machen! Kultur braucht Budget:

CHF

Der trockene Strich

https://blog.herz-der-kunst.ch/der-trockene-strich/

 

Leuchtende Aquarellfarben – Das Geheimnis ist das Licht!

Viele Menschen glauben, sie gehen in ein Geschäft und kaufen dort eine leuchtende Aquarellfarbe. Zuhause ist die Ernüchterung dann allerdings groß, denn auch gute Aquarellfarben leuchten nicht von alleine.
Die meisten Aquarellfarben brauchen ein Leuchtkraftunterstützer.

Leuchtende Aquarellfarben malt man nicht einfach mit dem Pinsel, sondern man muss sie durch ein raffiniertes Spiel von Licht und Schatten herstellen.

Der entscheidende Faktor, wie man leuchtende Aquarelle erzeugt, ist der Einsatz von dunklen Aquarellfarben und weißem Papier.

Leuchtende Aquarellfarben gewusst wie!

Die meisten Menschen malen ihre Bilder zu 80-90 % in mittleren Farbtönen.

Leuchtende Aquarellfarbe erzeugt man nicht mit mittleren Tonwerten (Helligkeit).

Genau dies knipst der Aquarellfarbe aus, sie verliert ihr Licht. Leuchtende Aquarellfarben aber kann man auf diese Methode nicht erzeugen, denn das Auge ist ein Werkzeug, das über Vergleich arbeitet.

Damit es begreift: Oh! Das hier sind leuchtende Aquarellfarben, muss es sehen, dass andere Farben andere Qualitäten haben.

Sprich, es muss stumpfe Farben geben, aber auch dunkle oder pures Weiss. Erst so begreift das Auge, „hey“ diese Farben hier sind besonders schön!
Es gibt beim Malen einige Tricks, wie man leuchtende Aquarellfarben optisch erzeugt!

Leuchtende Aquarellfarben durch Dunkelheit:

Die meisten leuchtenden Aquarellfarben sind auf dem Blatt nicht besonders beeindruckend, auch wenn man sie großflächig und mit einer hohen Pigmentierung aufgetragen hat.
Das liegt daran, das dem Auge der Vergleichsmaßstab fehlt, erst wenn man ihnen einen verlässlichen Partner zur Seite stellt, begreift unser Auge als Seeinstrument:

Hui!!! Das ist aber ganz schön strahlend!

Der erste Trick ist also, im Bild irgendwo  im Bild  großflächig dunkle Farben aufzutragen.

In meinem Bild siehst du, dass sich großflächig Dunkelblau aufgetragen habe.

Dafür verwenden die meisten Maler auf keinen Fall Schwarz. Denn dann würde dein Bild sofort relativ traurig aussehen.

Wer leuchtende Aquarellfarben möchte, sollte seine Farben auf keinen Fall vergrauen!

Denn dann ist es aus mit den leuchtenden Aquarellfarben.
Jetzt wirst du vielleicht sagen: “ Hey! Ich sehe doch, dass die Tine Schwarz im Bild benutzt hat!“

Das, was du siehst, wirkt schwarz, ist es aber nicht!

Das Schwarz, was du siehst, ist ein Gemisch aus dem Orange des Sofas plus einem sehr, sehr dunklen, aber transparenten Indigo.

Schau mal der Blumentopf und Schrank links, dort sieht man das vermeintliche Schwarz ist Rostbraun und unter dem Sofa ist es Indigo.
Die Folge ist, dass die Leuchtkraft meine Aquarellfarben zweifach gestützt wird.

Leuchtende Aquarelle entstehen dadurch, dass man sie durch Dunkelheit und den Effekt der Komplementärfarbe stützt.

Leuchtende Aquarellfarben durch alternierende Lichtmuster!

Wie bitte was!!?? Alternierende Lichtmuster? Was ist das denn?

Toll oder? Man kann ganz einfache Dinge hoch kompliziert ausdrücken. Das habe ich beim studieren gelernt, das nennt man Bull Shit Bingo.

Das benutzt man immer, wenn man sich wichtig machen will und damit verschleiert das etwas ganz einfach ist.

Wenn man leuchtende Aquarell erzeugen möchte, dann ist es sehr sinnvoll, sie nicht nur durch großflächige Dunkelheit zu stützen. Denn dies hat deutliche Nachteile, Bilder können dadurch sehr düster und traurig aussehen.

Der Trick mit der Dunkelheit funktioniert auch im kleinen Maßstab.

Alternierend heißt nichts anderes als abwechselnd. Man malt also immer abwechselnd leuchtende Aquarellfarben und dazwischen Grautöne und Dunkelheit.
So entsteht ein Lichtmuster: Hell – Dunkel- Hell -Dunkel usw. und sofort.

Der Trick ist, dass man beim Malen ständig kleine dunkle Punkte eingestreut und so erzeugt man leuchtende Aquarellfarben.

Das siehst du entlang des Sofas.

Das Sofa leuchted, weil mein Mann und die Tischplatte hell sind, aber gleichzeitig Dunkelheit eingestreut wird. Dunkle Lampe, helles Sofa , dunkle Hose, helle Tischplatte und dunkle Katze…..

Und das ist der gesamte Trick.

Raffinierte Maler streuen in ihre Bilder ständig helle und dunkle Punkte ein.

Das Auge hat nun den vollen Vergleichsmaßstab! Zwischen ganz hell und ganz dunkel.
Nun ordnet das Auge das Aquarell vollkommen richtig ein, die Farbe beginnt zu strahlen.
Ich hoffe dieser Blog dir viel Freude bereitet
Ich wünsche dir viel Spaß beim Ausprobieren.

Liebe Grüße Tine

Kultur braucht Budget, wir brauchen Dich!

EUR

 

Und hier noch mehr Tipps zum gleichen Thema:

https://blog.herz-der-kunst.ch/strahlende-aquarellfarben-so-funktioniert-es/

Strahlende Aquarellfarben- so funktioniert es:

 

 

 

 

Hallo, meine Lieben, ein frohes neues Jahr.

Ich habe gerade eine alte To-do-Liste gefunden, aus dem Jahr 2014. Darauf stand Aquarell ab er Reste verbrauchen! Jupp, Aquarellpapier ist ja sehr haltbar. Aber nicht haltbar genug, als dass man daraus ein Riesensauhaufen aufhäufen sollte.

Ich nehme an Papier hamstern, ist eine genetische Schwäche von mir! Leidest du auch unter dieser Schwäche?

Aquarellpapier ist teuer und deshalb ist es sinnvoll, dieses Papier auch zu verbrauchen. Wir haben jetzt schlappe zehn Jahre später und meine To-do-Liste ist immer noch aktuell haha!

Es gibt einfach Papiere, auf den man nicht gerne malt!

Jeder von uns hat Papiere im Schrank, die man einmal gekauft hat und dann festgestellt hat,

….dieses Papier ist totaler Mist!

Meistens liegt das daran, dass diese Papiere dünn und preiswert sind und sobald man sie bemalt, werfen sie Wellen. Viele dieser Papiere haben keine bessere Qualität als Klopapier.

Jetzt unbeirrt auf diesem Papier weiter zu malen, macht absolut keine Freude. Aber irgendwie sollte man reagieren, denn sonst fühlt sich der Schrank mit ungeliebtem Aquarellpapier.

Eine Lösung des Dilemmas ist, dass man die Papiere einfach zum Zeichnen benutzt. Oder man benutzt sie für Techniken, bei den nur sehr wenig Wasser ins Spiel kommt.

Doch weil malt schon gerne auf einem Papier, auf dem sich Berge und Täler bilden? Das ruiniert jedes Bild. Dies gilt allerdings auch für größere Formate, wie dieses Bild vom Sketcherfestival in Berlin. Je größer das Papier, desto mehr wellt es.

Also besser mit Klebeband spannen.

Eine Lösung ist, dass Aquarellpapier zu spannen, so werden auch unangenehm zu bemalende Papiere, schnell flach und gut bemalbar.

Die Arbeit, die das erfordert, ist zwar ärgerlich, hält sich aber in Grenzen. Genauso wie die Kosten für das Aufkleben.

Diese Technik sollte man ohnehin erlernen, denn jeder, der mit großem Papier arbeitet, muss sie früher oder später erlernen.

Aquarellpapier aufkleben:

Wellendes Papier wird durch Aufkleben besser, allerdings ist dies auch eine wissenswerte Information für alle Menschen, die nicht gerne auf Standardformaten malen. Da hat ohnehin keine Wahl und muss kleben. Wer das tun möchte, braucht ein paar Tipps:

Aufkleben mit Nassklebeband.

Zuerst einmal braucht man eine saugende Holzunterlage.

Im Baumarkt bekommt man große Bretter in Bastel- Sperrholz zu kleinen Preisen.

Und jetzt denkt jeder Schlaumeier:

“Klasse, das ist doch ein massives Brett, immerhin halber Zentimeter, diese Dicke reicht völlig!“

Die Bretter sind wunderbar leicht, sie lassen sich problemlos hinter Schränken, Regalen und unterm Bett verstauen. Und weil das Holz so leicht ist, kann man es wie Papier aufbewahren.

So weit so gut, das waren die Vorteile! Und jetzt zu dem was man gedacht hat: Natürlich sind Holzbretter die einen halben Zentimeter dick sind, viel massiver als jedes Blatt Papier.

Der kleine Haken an der Sache ist, dass Papier stark ist. Jedes Aquarellpapier wird eine 5 mm dicke Sperrholz ohne Mühe krumm ziehen.

Ich habe euch das hier mal fotografiert, damit er es wirklich glaubt!

Stellt euch vor, was passiert, wenn man da nun ein zweites Blatt aufklebt!

Um auf das Problem zu reagieren, gibt es nur zwei Möglichkeiten. Die erste Möglichkeit ist, dass man dickere Bretter kauft, Sperrholz ab 10 mm oder dicke MDF-Platten.

Die gute Nachricht ist, das Holz gibt es ganz preiswert in den Restekisten der Baumärkte. Die schlechte Nachricht ist, diese dicken Platten sind einfach sperrig und unhandlich und man muss sie auch irgendwo verstauen.

Wer nicht so eine schwere Holzplatte in der Wohnung stehen haben möchte, kann das  5 mm dünne und leichte Sperrholz benutzen, dann muss man allerdings ein großes Papier zum Gegenzug auf die Rückseite kleben. Durch den Gegenzug hält man die Platte gerade.

Vorbereitung ist alles – das Aufkleben mit Nassklebeband.

Weil normales Klebeband nicht auf feuchtem Papier klebt, muss man mit Nassklebeband arbeiten. Das bekommt man in Kunstgeschäften, aber auch für den Verpackungsbedarf.

Nassklebeband hat seine Tücken.

Beim Arbeiten mit Nassklebeband ist Vorbereitung sehr wichtig. Das Nassklebeband sollte man zuschneiden, wenn alles noch trocken ist.

Nassklebeband ist oft relativ dünn, deswegen reagiert es auf Wasser stark.

Das Nassklebeband wird weich und knittert oder es klebt nicht mehr, wenn es schon einmal nass wurde.

Deshalb sollte das Aufkleben des Klebebands immer der allerletzte Schritt sein.

Wichtig ist auch, dass Nassklebeband klebt manchmal nicht, wenn es schwimmend nass ist.

Vorbereitung ist alles:

Bevor man das Papier aufklebt, sollte alles vorbereitet sein, denn ist das Nassklebeband erst mal feucht, muss alles ruckzuck gehen.

Auf diesem Bild seht ihr mein Material:

Ich habe eine Sperrholzplatte und auf der Sperrholzplatte markiere ich die Position des Papiers.  Nassklebebänder sind ziemlich bereit. Blöd daran ist, dass das Nassklebeband fest mit dem Papier verklebt. Möchte man also kleine Formate Band aufkleben, sollte man es nicht ganz aufs Papier kleben. Ich mache mir immer Markierung, damit ich das Nassklebeband ganz gerade auf das Papier klebe.

Denn da sich das Papier fest mit dem Klebeband verbindet, muss man das Bild später mit dem Cutter herausschneiden. (Du siehst meinen roten Rollcutter). Ist das Nassklebeband also krumm aufgeklebt, wird dein Bild krumm.

Das erklärt die Konstruktionszeichnung auf dem Holz. Ich bin eine faule Socke, diese Zeichnung hilft mir jedes Mal, wenn ich Papier aufklebe.

Das Papier vorbereiten:

Damit sich das Papier nicht mehr wellt, müssen wir das Papier feucht machen. Dabei braucht man keine Hemmungen haben, man kann das Papier unter die Dusche halten, kurz in die Badewanne werfen, es vorsichtig mit einem Schwamm nassmachen oder es besprühen.

Wenn ich sage kurz unter die Dusche halten, dann meine ich natürlich nicht 10 Minuten!

Also… komm mir nicht auf den Gedanken, mit dem netten Papier zu duschen!

Das Papier muss nur feucht sein, man sollte nur darauf achten, dass keine fetten Pfützen auf dem Papier stehen bleiben.

Ich mache das Papier auf beiden Seiten feucht und lasse es dann einige Minuten liegen, damit es sich dehnt!

Achtung! Manche Papiere sind einseitig, dort muss die Oberseite hinterher wieder oben liegen.

Wenn das Papier feucht oder nass ist, sieht man oft, das das Papier rund wird, die Ecken und Kanten des Papiers stellen sich auf oder das Papier wirft Wellen.  Oft ist es gut, das Papier weiter zu bearbeiten, wenn es wieder flach auf dem Tisch liegt, denn dann hat sich das Papier entspannt, es ist größer geworden und nun ist genau der richtige Augenblick, um es auf zu kleben.

Kurz bevor ich das Papier aufklebe, mache ich noch einmal die Kanten des Papiers mit Schwamm oder Pinsel feucht, damit das Nassklebeband besser klebt.

Der Trick mit dem Klebeband:

Jetzt das Klebeband zügig befeuchten, ein Schwamm ist dafür gut.

Nassklebebänder können manchmal zickig sein, ist das Papier klatschnass, dann verzieht es sich und klebt nicht mehr richtig.

Es gibt einen kleinen hilfreichen Trick, um zu viel Wasser zu vermeiden:

Ich befeuchte nur die Hälfte meines Nassklebebandes und klebe das trockene Klebeband ins feuchte Blatt und das nasse Klebeband auf trockene Holz.

Hört sich knifflig an, geht aber schnell und einfach.

Ich habe die Erfahrung gemacht, dass ich so die besten Ergebnisse bekomme.

Solltest du in diesem Moment merken, dass dein Papierwellen wirft, mach dir keine Sorgen, denn trocknet das Papier, wirst du feststellen, dass es sich dann ganz glatt und straff ans Holz schmiegt.

Hast du dein Aquarell ab er aufgezogen, dann ist es plötzlich um Klassen besser!

Liebe Grüße ins Wochenende Tine

Liebe Leser, dieser Blog ist unabhängig, er wird nicht von der Materialmittelindustrie gesponsert. Alle Tests, die ich mache, muss ich selbst bezahlen. Dieser Blog wird regelmäßig von 3000 Menschen gelesen. Doch spenden nur sehr wenige. Kultur braucht Budget. Im Moment plane ich zum Beispiel einen Aquarellpapiertest, aber der wird warten müssen, bis genug Geld für diesen Test da ist. Ich bereichere mich nicht an solchen Testen, denn ich habe das Papier, auf dem ich gerne male.

CHF

https://blog.herz-der-kunst.ch/papier-das-basiswissen/

Papier das Basiswissen!

Hallo meine Lieben,

ein teures Aquarellskizzenbuch? Nö, mein Skizzenbuch selbst gemacht!

Heute geht es darum, das Skizzenbuch selbst zu machen! Mein Weihnachtsgeschenk an euch!

Dies ist der letzte Blog in diesem Jahr! Und ich wünsche euch eine wunderbare Weihnacht! Wahlweise kuschelig warme,  strahlend schöne, besinnliche oder himmlisch ruhige, engelsschöne, kalorienbombige, glühweinbesoffene oder durchlachte Weihnachtsnächte. Ganz wie ihr es braucht!

Schmerzlich vermisse ich eure Kommentare! Die Kommentarfunktion ist leider ausgeschaltet, weil sie von einer Maschine  zu gespammt werde. Ich bekomme Hunderte von Kommentaren auf russisch, mal ist es Propaganda zu Gas-und Öl, erstaunt war ich jedoch über die Frage, ob ich nackte Beamte sehen möchte. ?????

Ach, ich hab mir immer schon mal einen nackten Beamten zu Weihnachten gewünscht! (“ Augen nach oben verdreht!“) Deshalb habt ihr sicher Verständnis dafür, das ich die Kommentarfunktion im Blog abgestellt habe.

Weihnachten ist doch das beste am Kapitalismus.

Wir meckern immer gerne, dass alles immer kommerzieller wird! Ist es doch wunderbar und schön, dass wir überhaupt die Möglichkeit haben und so viele Geschenke zu machen?

Und ich möchte euch heute auch ein Geschenk machen, in Form einer Anleitung.

Papier für Kreative – nicht ganz billig.

Wir kreativen Köpfe streben ja immer danach, unsere Gedanken und Ideen auf Papier zu bannen.
Doch dabei gibt es eine ganze Reihe ärgerlicher Fakten.

Ärgerlich ist das gute Aquarell Skizzenbücher extrem viel kosten und zwar so viel, dass einem der Atem stockt!

Die Preise für so ein A5 Skizzenbüchlein liegen durchaus zwischen 20 und 30 € und in der Schweiz muss man bei weitem mehr berappen.

Doch wir kreativen Chaoten haben auch noch andere Probleme, bei uns liegen chaotischer gestapelte Berge aus wunderschönen Bildern in Arbeitszimmer und Schränken rum!

Oder wir konnten uns beim Papier kaufen, mal wieder nicht zurückhalten, und nun liegt ein Haufen ungenutzter Papiere rum.

Diese Probleme sind keine Probleme, sondern Chancen!

Man kann Skizzenbücher ganz einfach selber machen.

Egal ob man diese Skizzenbücher nun macht, um seine Bilder zu ordnen, die Papiermüllhalde zu verkleinern oder um optimale Kunst-Skizzenbücher zu bekommen, die daraus entstehenden Skizzenbücher sind wunderschön!

Skizzenbuch selber machen DIY:

Die erste Vorbereitung ist, dass du die überlegst, wie das Skizzenbuch sein soll! Ich würde vorschlagen, deine Papiermüllhalde dafür zu plündern. Man kann viele verschiedene Papiere, die noch irgendwo auf einem Block rumlungern, auf die gleiche Größe zuschneiden. Dieses Papier bildet dann den Grundstock für dein Skizzenbuch!
Ich würde dir dabei vorschlagen, sehr kreativ vorzugehen.

Das Gute an einem selbst gemachten Skizzenbuch ist ja, dass man es vollkommen kreativ gestalten kann. Du kannst Seiten zum Zeichnen einbinden, unterschiedliche Farben und unterschiedliche Aquarellpapiere.

Alles was du tun musst, ist alle Seiten auf eine Größe zu zuschneiden.

In diesem Bild siehst du, wie ich meine Skizzenbuchdeckel passend zum Lieblingspaper mache. Farbiges Papier dient mir dazu, meine kleineren Bilder gekonnt in Scene zu setzen!

Man kann edle Skizzenbücher machen, witzige und ganz eigene kreative Ideen einbringen. Und es geht schnell! Wenn man meine Methode benutzt.

Alles, was man braucht, ist:

• zwei Stück Pappe
• zwei Binderinge
• Nietenzange oder Locher
• einen Cutter und ein Lineal

Wer ganz schnelle Skizzenbücher machen möchte, für den reicht diese grundlegende Ausrüstung.

Die Graupappe kann nobel aussehen, das sieht man in diesem Foto.

So ein grauer Ordner reicht, um die Bilder zu sortieren.

Tipp: Graupappe mit 2 mm Dicke reicht für Bucheinbände.

Skizzenbuch machen- Buchdeckel:

Was du auf dem Bild unten siehst, sind meine Buchdeckel. Der Buchdeckel ist dazu da, das Papier zu schützen. Er sollte etwas breiter sein als das Papier, das du zu Skizzenbuch verarbeiten möchtest. Ich mache das Papier auf jeder Seite 3 mm breiter als das Papier, was ich benutze. Das nennt man Überstand.

Tipp: Ein Überstand von 3-5 mm ist sinnvoll. Dies schützt das Papier effektiv!

Und das ist mein Trick: Ich klebe das Papier nicht mit Leim auf, denn das ist sehr aufwendig. Das Papier muss tagelang unter Druck trocknen. So viel Zeit habe ich nicht.
Ich benutze Teppich- Klebeband. Das sieht man in diesem Bild.

Ich klebe das Band auf die Pappe. Entweder beklebt man die ganze Pappe, oder man klebt nur Befestigung an die Ränder. Dann schneidet man mit dem Cutter um die Pappe herum.

Und schon ist der Buchdeckel fertig.

Auf diese Methode produziert man ein Buchdeckel in ein paar Minuten. Auf dem Bild siehst du, wie ich eine touristische Stadtkarte zum ausdrucksstarken Skizzenbuchdeckel gemacht habe.

Die Bindung erfolgt mit Ringen und für diese braucht man Löcher.

Binderinge oder Buchbinderringe sind metallene Ringe, die man mit einem Scharnier öffnen kann, damit man dann Blätter wie in einem Ordner ein heften kann. Zusammen mit den Buchdeckeln bilden sie die extrem einfache Grundlage für zauberhafte Skizzenbücher.

Meine Skizzenbücher sind im Grunde nichts anderes als gelochte Blätter.

Skizzenbücher selber machen – das Material:

Hier siehst du mein Material. Zwischendrin liegen die Ringe. Du siehst, sie haben ein kleines Scharnier und man kann sie öffnen. Mittlerweile gibt es auch wunderschöne Ringe. Doch man sollte darauf achten, dass die Ringe qualitativ hochwertig sind und nicht zu dick, denn dann passen sie nur schwer durch die Löcher.

Lochungen machen!

Für dein Papier kannst du in der Regel einen handelsüblichen Locher benutzen. Doch bei der Pappe der Buchdeckel wird es schwierig. Gerade wenn die Pappe hübsch beklebt ist, passt sie nicht in den Locher.

Hier kommt die Nietenzange ins Spiel. Es gibt sie von preiswert bis etwas teurer. Doch mit diesen Nietenzangen macht man sehr zuverlässig Löcher in schweres Material.

Das Material, welches du auf dem Foto siehst, ist übrigens rein zufällig. Nicht weil es besonders gut ist, sondern weil ich es zufällig gekauft habe.

Wer sich eine gute Nietenzange anschafft, kann ganz locker Pappe durchstechen und gleichzeitig eine Niete in das Loch einsetzen.

So leiert das Loch im selbst gemachten Skizzenbuch beim Umblättern nicht aus.

Bei dem Material rate ich eher zu Handwerkermaterial und nicht unbedingt zu dem Material, welches man im Amazon oder bei den Basteltanten findet. Gutes und preiswertes Material findet man überwiegend im Baumarkt.
Ich empfehle einen massiven und schweren Cutter, denn die Graupappe ist extrem hart. Sinnvoll ist auch ein Metalllineal, dies findet man auch  im Baumarkt. Zum Beispiel da, wo es das Material zum Tapezieren gibt. Ein robuster Cutter und ein Metalllineal schützen deine Hände, denn wer schneidet, braucht Material, das nicht wackelt.

Skizzenbuch selber machen-traumhaft schöne Einbände!

Die Benutzer von Skizzenbüchern sind ein kreatives Völkchen! Ich habe schon traumhaft schöne Skizzenbücher gesehen. Zur Gestaltung des Einbands eignet sich alles, was einen schönen oder unterhaltsamen Buchdeckel kreiert.

Ich habe mittlerweile eine Leidenschaft für schöne Papiere entwickelt. Geschenkpapier, Kunstpapier, Plakate, Stadtkarten, alles eignet sich um tolle Buchdeckel zu kreieren.
Glaubt nicht, dass man dafür Teures kaufen muss. Ich benutze meine Reste!
Hier seht ihr ein Buchdeckel, der mir extrem gut gefällt, er ist aus schwarzem Isolierband und ein paar übrig gebliebenen Blättern Origamipapier.

Den Buchrand schützen:

Ich habe hier ein kleines Video gefunden, wo das Anfertigen von Buchdeckeln gut erklärt wird.

https://www.youtube.com/watch?v=GJik_xHoY7w – Der Link zum Buchdeckel binden.

Diese selbst gebastelten Skizzenbücher sind nicht nur schön, sondern auch extrem robust. Eines muss man jedoch beachten: Die Ecken der Bucheinbände sollten geschützt werden, dann halten diese Skizzenbücher extrem lange.
In dem Video arbeitet die junge Frau mit Bastelklebebändern. Von diesen Klebebändern halte ich nichts. Ich benutze professionelle Buchbinder Klebebänder. Das siehst du auch oben bei dem Materialfoto. Diese Klebebänder sind aus Gewebe. Leider ist das einzige vernünftige Gewebe Klebeband, das ich kenne „Filmoplast“ von Neschen. (Keine Werbung ist nur das einzige Produkt, was ich selbst nach langem Suchen gefunden habe.) Es ist selbstklebend und verwandelt die beklebte Pappe sehr schnell in einen hübschen und robusten Bucheinband.

Das Klebeband siehst du hier das Buch ging bei meinen Schülern 2 Jahre lang von Hand zu Hand und es lebt immer noch!

Ich wünsch dir wundervolle Weihnachten und einen guten Rutsch, deine Tine!

Kultur braucht Budget! Und ich bitte dich, ab und zu etwas zu spenden! Die Plattformen, die IT-Sicherheit, das alles kostet Geld. Ich spende meine Arbeitszeit, bitte fass auch mit an, damit dieser Blog ohne Paywall erhalten bleibt!

CHF

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Hallo meine Lieben!

Diese Woche gibt es Literaturhinweise. Zuerst auf einen Artikel, den ich für die Drawing Attention geschrieben habe.

Dies ist die offizielle Zeitung der Urban Sketcher und es geht immer um Zeichnen und Malen.

Es geht um das Malen von Motiven von außen. Was sich zuerst einmal etwas merkwürdig anhört, aber beim Malen lernen eine enorme Erleichterung ist.

Das nennt man „negativ painting! Was es bewirkt, siehst du hier!

Falls du meinen Artikel schon gelesen hast, klicke nicht weg, denn in dieser Zeitung ist ein zauberhafter Artikel über einen japanischen Zeichner! Und dies ist mein Literaturhinweis für diese Woche. Den Link findest du ganz hinten.

Tine Klein in Drawing Attention:

Aufmerksamkeit erregen Dezember 2023 durch Aufmerksamkeit erregen – Issuu

Den passenden Artikel in Deutsch findest du hier:

https://blog.herz-der-kunst.ch/weisses-papier-schuetzen/

Aber es gibt noch einen Grund, warum ich euch auf die Dezemberausgabe der Drawing Attention aufmerksam mache:

Johji Kato ist eines meiner Idole und ebenfalls in der Drawing Attention.

Diesem Monat mit einem Künstler, den ich sehr liebe Johji Kato! Er zeichnet und malt in einem ganz verträumten und wunderlichen Stil. Der Kern seiner Bilder ist seine Beobachtung und ich habe das Gefühl, es spielt immer etwas unterbewusstes mit.

Er ist ein enorm gutes Beispiel dafür, das man alle Regeln brechen kann, wenn man ganz bei sich bleibt!

Ich mag es nicht, wenn Hunderte von Details in Bildern sind, doch bei Johji Kato liebe ich es.

Ich halte das Brechen von Regeln für sehr wichtig. Denn nur die eigene Mischung aus Regeln, Fehlern und Eigenarten macht einen Stil persönlich.

Und deshalb macht es mir ein besonderes Vergnügen, euch immer mal wieder etwas ganz anderes zu zeigen!

Viel Spass beim Lesen!

Aufmerksamkeit erregen Dezember 2023 durch Aufmerksamkeit erregen – Issuu

Liebe Grüße Tine

Ein Künstler wird nicht für seine Arbeit bezahlt ,sondern für seine Visionen!

Das erklärt einiges! 🤣🤣🤣

Aber auch Kultur braucht Budget: