Kunst fotografieren kann einen in den Wahnsinn treiben. Jetzt ist die Zeit in der wir gerne Grußkarten, E-Grüsse oder Kalender für das neue Jahr erstellen wollen, dummerweise müssen wir unsere Kunst dafür erst einmal fotografieren.
Kunst fotografieren ist nicht leicht.

Wenn Kunst schlecht fotografiert ist, dann verliert sie meistens komplett ihren Charme.

Deshalb stellt sich jedem Künstler über kurz oder lang die Frage:

Wie fotografiere ich meine Bilder eigentlich richtig?

Wenn man ein hundertprozentiges Ergebnis zu erzeugen will, dann ist Kunst fotografieren ein riesiger Aufwand. Braucht man deshalb eine grosse und teure Fotoausstattung?
Leinwand, Reflektoren und bis zu 4 spezielle Fotolampen?
Besonders nervt es mich meine Kamera jedesmal auf Lichtverhältnisse und Weißabgleich einzustellen. Ich verirre mich in den Menüs und das Ergebnis sind dauerhaft doofe Fotos, denn ich vergesse, was ich alles verstellt habe.
Total genervt 😡 fragte ich mich:

Gibt es denn keine einfachere Lösung?

Die gibt es und es ist erstaunlich einfach.

Zugegebenerweise ist meine Lösung nicht 100 prozentig, aber fast 99 prozentig.

Tolle Ergebnisse ohne graue Haare

Beleuchtung

Das Licht ist beim Kunst fotografieren das Wichtigste.
Wenn man ein Bild bei normaler Sonne fotografiert, dann ist das Blatt auf einer Seite grau und auf der anderen Seite weiß. Das ist wirklich hässlich und nicht nur unschön, man hat auch keine Chance diesen Fehler zu beheben.

Brauchen wir also doch 4 teure Fotolampen? Nein, brauchen wir nicht:

Wir brauchen Streulicht.

Tipp 1: Streulicht
Die billigste Methode ist zu fotografieren, wenn der Himmel bedeckt ist. Gerade das ist im Sommer besonders schwer, doch besonders morgens findet man das Streulicht fast immer. Um diese Jahreszeit haben wir jedoch immer Streulicht, da wäre man froh, wenn man mal die Sonne sähe, zum Fotografieren allerdings optimal. Hell, aber keine Sonne ist zu sehen, das ist wie eine Fotolampe.

Tipp 2: Einen Platz ohne Schlagschatten suchen
Trotz bedecktem Wetter immer so fotografieren, dass man das Bild nicht verschattet.
Es sollten keine Gegenstände in der Nähe der Bilder stehen. Achtung, man selbst sollte niemals die Sonne im Rücken haben, dann wirft man selbst unschöne Schatten. Auf diese Methode werden Fotos schon sehr gut.

Tipp 3: Farb-und Graukarten machen das Leben leicht

Das Licht ist wirklich das A und O. Kunstlicht und Schatten verfärben Bilder enorm. Mal ist alles gelblich im Schatten oder Bilder haben oft einen blauen Stich. Solche Fotos noch zu retten ist fast unmöglich, es sei denn, man besitzt diese kleine Wunderwaffe.

Eine narrensichere Methode sind Farb und Graukarten.

Dies Karten geben Kamera, Bildbearbeitungsprogramm und sogar dem professionellen Drucker immer genaue Auskunft über Farben und Tonwerte.

Wenn ihr euch eine kaufen wollt, dann sucht ein bisschen, denn die Karten sind oft recht groß, was gerade bei kleinen Kunstwerken, wie Skizzenbüchern, absolut hinderlich ist.

Ich habe eine sehr kleine gefunden, wenige cm klein, der Preis für den Pappstreifen war jedoch unverschämt. 29 Euro für 7 cm Pappe. Bereut habe ich den Kauf dennoch nicht, denn es erspart mir enorm viel Arbeit. Meistens sind die Bilder mit 2 Klicks in Ordnung.

Die Anwendung der Graukarten mit Fotoprogramm

So sieht ein Foto aus, wenn es nicht optimal beleuchtet ist. Gut ist, dass es keinen starken Farbverlauf gibt, weil es mit Streulicht beleuchtet ist, dadurch ist das Papier durchgehend Grau gefärbt und das ist gut.

Wenn man nun den die Helligkeit einfach hochdreht, dann verschwinden feinere graue Linien. Jetzt hilft die Farbkarte.

Tonwertkorrektur

Man braucht eine Fotoapp oder Fotoprogramm mit Tonwertkorrektur.

Ich benutze Photoshop.

Ab jetzt geht alles ganz schnell. Ich lade das Bild öffne die Tonwertkorrektur.

Dort sind drei Pipetten zu sehen. Weiß, Schwarz und Grau.

Ich klicke die weiße Pipette an und klicke dann auf das weisse Feld in meiner Graukarte. Bei Schwarz tue ich das Gleiche und dann hat das Bild in sekundenschnelle ein Foto auf dem das Papier weiss ist und die schwarzen Linien wirklich schwarz.

Wie man sieht ist der Qualitätsunterschied durch 2 Klicks ganz enorm!

Aber Vorsicht, nicht alle Fotoapps oder Photoshopversionen  haben diesen Funktion.

Bitte schreibt doch in den Kommentar, ob ihr Apps mit dieser Funktion kennt.

Gute Tricks sind einfach!

Der kleine Trick mit der Graukarte ist umwerfend einfach. Aber es gibt noch ein paar Kleinigkeiten, die helfen ganz schnell tolle Fotos zu machen.

Kunst fotografieren: Brauche ich eine teure Kamera?

Tipp 4: Die Cameras vieler Handys sind wirklich toll, ein Fotoapparat ist bei einem modernen Handy, das in hoher Auflösung fotografiert, gar nicht nötig. Die Kameras sind so gut das es noch nicht einmal Monitore gibt die diese Qualität zeigen können. Also Handy aus der Hosentasche, einfacher geht es nicht!
Tipp 5: Ganz nah ran und ohne Zoom fotografieren, das erhöht die Bildqualität enorm.
Die oft sind die Kameras in dem Handy digital, das heißt, dass wenn man zoomt die Pixel künstlich hochgerechnet werden, das verschlechtert die Qualität.

Tipp 6: Im Netz reicht eine mittlere Qualität. Wer drucken will muss Bilder in hoher Qualität haben. Deshalb Bilder immer einzeln und in hoher Qualität als Email schicken, schickt man mehre Bilder wird die Qualität einfach herab gerechnet. Für den Druck braucht man 300 dpi.

Brauche ich ein Stativ?

Ach quatsch, es gibt wieder einen total simplen Trick.  Oft sieht man beim Fotografieren einfach nicht ob man die Kamera wirklich parallel hält. Wenn man das nicht tut, dann sind die Bilder unschön verzerrt.

So kann man ein Bild nicht zuschneiden es wird verstümmelt.

Diese Verzerrungen kann man nur mit erheblichem Aufwand korrigieren. Einige Fotoprogramme haben die Funktion verzerren, damit kann man sich helfen. Der Aufwand ist aber unnötig.

Tipp 7: Denn wenn man formatfüllend fotografiert, sieht man sofort, ob man die Kamera schräg hält, man kann sich an den Kanten des Skizzenbuches oder des Bildes orientieren.

Geht man ganz nah ran, ist die Bildqualität optimal und man sieht sofort ob man Verzerrungen produziert.

Wenn man so nah dran ist sieht man an der Kante sofort, ob man schief fotografiert.

Viel Spaß beim Weihnachtskarten und Neujahrskarten basteln, so klappt es bestimmt.

Ganz liebe Grüße aus dem Herz der Kunst

Tine

P.S. teilt auch eure kleinen Tricks und Kniffe! Wir freuen uns!

Wer noch Lust hat ein bisschen zu lesen:

Licht ist meine Lieblingsfarbe:  blog.herz-der-kunst.ch/licht-ist-meine-lieblingsfarbe/

Das Thema Licht ist super wichtig für gute Kunstfotos deshalb hier noch Wikipedia zum Thema Weißabgleich:

https://de.wikipedia.org/wiki/Wei%C3%9Fabgleich

Zeichnen mit der Seele

Keine Angst das wird jetzt kein Psychotanten Blog. 

Frei sein und es einfach machen, das ist für viele Menschen ein Buch mit sieben Siegeln.

Doch den Kopf abschalten wie hier, das geht nur mit Ruhe und Genuss:

Diese Woche bin ich in Malaga, deshalb möchte ich mit Euch noch mal über einen ganz wichtigen Effekt beim Zeichnen und Malen lernen reden, die Seele. Der eine Teil meiner Malschülern berichtet, das er beim Zeichnen ganz ruhig oder offen und lebendig wird. Der andere Teil wird unzufrieden, unruhig und wütend, wenn etwas nicht klappt.

Mein Bild sieht Scheiße aus!

Zugegeben kein schöner Zustand!

Und das macht mich wütend!

Eine gewisse Unzufriedenheit ist heilsam weil sie einen vorantreibt. Fehler machen und Erkennen gehört zum Lernprozess.

Stress und Wut, das hindert nur

Ich hatte einen Bekannten der hat im Designstudium niemals Zeichnen gelernt. Das hat ihn wütend gemacht. Ich erkläre mir dies so, er hat immer unter Stress Zeichnen gelernt, das führt dazu das sich Teile im Gehirn, die man zum Zeichnen braucht, verschlossen. Zeichnen wurde für ihn zum Stress. Wann immer er einen Stift nahm, setzte ihn das unter Stress, ein Designer der nicht zeichnen kann, das quälte ihn.

Mein Bekannter wurde Betty Edwards Anhänger, das ist eine Methode bei der am Anfang ganz viel über Messen gearbeitet wird. Einfach Strecken abmessen, das war herrlich und verständlich. Mein Bekannter entspannte sich. Strecke für Strecke wurde sein Hirn darauf programmiert das Richtige zu tun. Der Stress war weg und er lernte Zeichnen. Doch Glück steckt in seinen Zeichnungen nicht. Aus seinem Lehrmaterial starren mich bessere aber traurige Selbst-Portraits an.

Zeichnen und Drill

Viele glauben es geht mit Drill! Natürlich ist es wichtig die Zeichenfähigkeit zu trainieren.

Quäl Dich dann geht es auch!?

Das ist Schwachsinn! Viel wichtiger ist, dass der Mensch mit Körper, Geist und Seele malen lernt.

Lerne malen mit Genuss!

Ich glaube was mein Bekannter bis heute nicht begriffen hat, obwohl er mittlerweile erfolgreicher Zeichenbuchautor ist, dass es der innere Stress ist, der ihn am Zeichnen hinderte. Die Methode wirkte nur, weil sie ihn entstresste.

Es ist nicht die Methode, sondern die innere Unruhe die uns am Zeichnen hindert

Die Meinung das es besonders gut ist hart und ernsthaft zu arbeiten, ist weit verbreitet.

Letzte Woche in Malaga sah ich dies:

Eine ganze Gruppe starrt wie die Autisten vor die Wand eines Hausese. Ich traute meinen Augen nicht! An der Wand der Hauses klebten Fotos des Hauses! Ich musste dreimal hingucken um zu begreifen: Sie haben Fotos des Hauses was sie malen, an die Hauswand des Hauses, was sie malen geklebt!

Ja, sind die denn Irre mit dem Kopf gegen die Wand zu starren, wo hinter ihnen das Leben blüht?

Dem Irrsinn, sich quälen zu müssen um gut zu werden, erliegen viele erwachsene Menschen.

Wenn Du also Zeichnen lernst und dich die Unruhe packt, dann mach Dir klar, das Glück und das stressfrei Zeichnen dir das Lernen enorm erleichtert.

Natürlich wollen wir alle gut Zeichnen. Und natürlich ist es Schwachsinn immer zu sagen, ach der Fehler macht ja nichts!

Mein Tipp: Pack dich voll mit Genüssen und Erfahrungen, das macht deine Kunst gut!

Es ist Schwachsinn Berufs-Stress gegen Mal-Stress zu ersetzen

Innerer Reichtum ist eine Voraussetzung für gelungene Kunst. Ein völlig leerer und ausgebrannter Mensch kann keine reiche Kunst machen!

Deswegen ist in Ruhe gucken und genießen genauso wichtig, wie das genaue Gucken für das Zeichnen.

Wie Saint Exupery schon bemerkte, es git zwei Möglichkeiten zu sehen, mit dem Augen und dem Herzen

 Genau sein und das Sehen lernen das ist das Handwerk. Doch die Fähigkeit sich zu öffnen, zu Sehen mit Gefühl, darin steckt die Kunst.

Um hier nochmal die Männer anzusprechen, es geht nicht darum alles rosarot zu sehen, sondern überhaupt erstmal die Ruhe zu finden, eine ganz eigene Position und Sichtweise zu entwickeln, denn dies ist die Grundvoraussetzung für einen eigenen Stil.

Urban Sketching ist relaxed malen lernen

Unsere Kunstrichtung ist etwas Besonderes, nutze ihre Potentiale zum Glück: Du gehst auf Reise? Dann triff dich mit den Anderen, überall auf der Welt warten Menschen mit den gleichen Interessen. Du wirst sehen, alle sind auf dem gleichen Weg.

Geniere dich nicht für deine Fehler, denn die anderen machen sie auch! Hab einfach Spaß. Zeichnen kann heißen Glück zu sammeln und dann kommst du an den Punkt, dann ist es Dir scheiß egal was du macht es ist der Spaß schöne Erinnerungen zu sammeln.

Frag einfach mal nach, fast überall warten Gleichgesinnte.

Und dann passiert was Zauberhaftes, durch das Schöne und Erlebte, erstrahlen deine Zeichnungen …ja ganz plötzlich ist es Kunst. 

Der Prozess des Begreifens ist das Wichtigste am Kunst machen, ja das begreifen, wie man eine Linie malt gehört auch dazu. Aber die Welt sehen mit Augen und mit der Seele, das macht Menschen ganz. Malen lernen heißt raus aus dem Hamsterrad. Nicht im Hamsterrad rennen, sondern aussteigen und begreifen wie das Hamsterrad funktioniert. Menschen die malen, werden wenn sie das begriffen haben, ruhig und zufrieden. 

Schönheit gibt es überall, unser Problem ist nur das wir uns ihr nicht öffnen. Wie die Leute die mit dem Kopf vor der Wand malen.

Entscheide selbst wie willst du malen lernen mit dem Kopf vor der Wand oder so?

Liebe Grüße ins Wochende

Tine

Sie tropft, kratzt und treibt mich in den Wahnsinn, was soll ich sagen , ich lieb sie halt….

(Kommentar von meinem Mann, unerhört blöd grinsend, ja Schatz, so geht es mir auch! Frechheit! )

Die Federzeichnung ist wie viele Dinge aus der Mode. Der Zeitgeist rottet vieles aus, erst später begreift man, dass es doch gut ist.

Im Mittelalter galt Senfrauke als Aphrodisiakum, sollte Männer ganz schön auf Trab bringen, hat wohl doch nicht so geholfen und nun verkaufen uns die Italiener Jahrhunderte später die gute alte Senfrauke als Rucola.

Das was wir machen ist purer Zeitgeist und so ist es auch mit unseren Stiften.

Das letzte Jahrhundert war das Jahrhundert der Rationalisierung, Massenproduktion und Fließbandarbeit, das war Zeitgeist. 

Und so definierten unsere Opas die Kunst, die Grundidee des Bauhauses:

Schön ist, was funktioniert. Maßgebend für das Bauhaus-Design ist die Effizienz und Nützlichkeit eines Produktes. Ästhetik und künstlerischer Ausdruck sollen ausschließlich von der Funktion des Produktes geprägt sein.

Man investierte einige Millionen um einen Stift für den Weltraum zu entwickeln, der Kugelschreiber entstand und die Russen nahmen einen Bleistift, einfach geht es auch.

Im Rahmen dieses Zeitgeistes hat sich auch unser Malwerkzeug verändert. Es wurde praktisch. Hat aber auch viel an Ausdrucksstärke verloren. Heutige Füllhalter können keine variablen Linien mehr.

 Federzeichnung? Ist das Sinnvoll?

Klar, wir kennen es nicht besser, wir sind in einer Welt der Kugelschreiber, Filzstifte und billigen Füllhaltern aufgewachsen, also Kinder unserer Zeit. Es ist einfach sauber und präzise, was also will man mehr?

Jetzt möchte ich natürlich niemand aus rein romantischen Gründen empfehlen der nächsten Gans am Teich eine Feder aus dem Hinterteil zu reißen! Zumal die Besitzer dieser eleganten Schreibwerkzeuge auch echt fiese Biester sind.

Was ging uns uns verloren? Ich glaube es ist der spielerische Strich.

In der Kunst muss ein Stich ausdrucksstark sein und da ist ein ordentlicher Strich nur eine von vielen Möglichkeiten und ich liebe den emotionalen Strich!

Und hier kommt die Feder ins Spiel. Eine Feder funktioniert anders, mal kratzt sie, mal tropft sie und das soll besser sein?  Wieso zum Teufel muss alles besser oder schlechter sein? Es ist einfach erfrischend anders!

Das Gefühl für die Linie

Wir suchen ein Kunstmaterial das nicht rational ist, sondern das der Linie das Gefühl zurück gibt. Ein Kunstmaterial das es schafft deine Emotionen auf das Blatt zu bannen!

Das Zauberwort ist flexibel. Wenn man die Feder benützt, kann man mit etwas Übung genau bestimmen wie der Strich wird. Mann kann ganz feine Haarlinien erzeugen die ganz transparent und fast unsichtbar sind oder unglaublich dick und schwarz. Oder mal kann einfach loslegen und die Linie wird erstaunlich emotional, hart und schwarz , es spritzt oder sie ist elfenzart.

Eine Federzeichnung enthält die Emotion deiner Hand. Eine Feder geht mit dir im wahrsten Sinne des Wortes durch dick und dünn.

Ich finde den Strich, der auf mich reagiert einfach schön.

Ein altes Handwerk! Was muss man wissen?

Als ich beginne das Federzeichnen zu googlen und stelle ich fest es ist eine ausgestorbene Kunst.

Das erste Video was ich google ist eine Freak-show, die meiste Zeit sieht man eine fleischige Hand, aber was die Person macht blieb ein Rätsel.

Es ist sinnig es einfach auszuprobieren, denn das Material ist extrem preiswert.

Das Material für eine Federzeichnung:

• Federhalter: Es braucht kein Teurer sein, kostet in der Tat nur 3 Euro oder 4 Franken. Achtet drauf das der Federhalter lackiert ist, sonst ist er sofort verdreckt.
• Glattes Papier.
• Tinte ist zu dünn! Das kleckert oder hält nicht an der Feder. Tinte kann mit mit Gummiarabicum verdickt werden, besser ist es jedoch mit einer Tusche oder Kalligraphietinte zu arbeiten. Ich benutze Kuretake Zig Sumi Ink. Sumi Tinten, sind extrem schwarze, japanische, dickflüssige Tinten. Sie bekommt man mittlerweile fast überall, weil sie auch in der Kalligraphie extrem gerne benutzt werden. Achtung sie sind nicht wasserfest.
• Die Feder ist das Wesentliche, sie bestimmt wie stark sich dein Strich in der Zeichnung zeigt. Ich liebe weiche flexible Federn, die ganz leicht auf den Druck der Hand reagieren. Je flexibler die Feder, desto stärker ist die Spreizung der Feder, desto dicker ist der Strich.
• Ein Lappen und Wasser sind ganz wichtig, das Putzen der Feder ist zwischendurch wirklich nötig.
• Tusche trocknet lange, Löschpapier kann nicht schaden.

Die Feder:

Ef=extra fein, F=fein, M= Medium, B ist breit, das sagt aber gar nichts, das Wichtigste ist, die Flexibilität der Feder. Ich liebe weiche Federn, jedoch muss sie so hart sein, dass noch ein bisschen Kontrolle da ist. Wichtig ist das die Feder meine Emotion weiterleitet, ich mag zickige Federn, denn auch ich bin nicht total unkompliziert. Je flexibler die Feder desto stärker ist der ist die Spreizung der Feder desto dicker ist der Strich.

Eine weiche Feder macht den Strich lebhaft

Jetzt stellt man mir in den Kursen immer die Frage: „Welche Federn?“

Das ist schwer zu sagen, es kommt ja auf die Art an wie sich deine Hand bewegt. Ich kann also nur aus meiner Sicht schreiben. Aber Federn sind preiswert, maximal 2-5 Euro oder Franken. Da bringt uns etwas ausprobieren nicht sofort an den Bettelstab.

Zebra G: Alle G Federn sind alltagstauglich. Robuste Anfängerfeder, nicht zu weich, denn das ist am Anfang irritierend.

Nikko G: Robust: Ist ein bisschen Fester und deshalb prima für Anfänger. Sie ist praktisch und robust, auf jeden Fall kein Fehlkauf.

Brause EF 66: Weich und viel Kontrast! Sie funktioniert auch mit Wasserfarbe, entzückt guck! Allerdings ist diese Feder eine Zicke!

Leonhardt Principal EF: Die super Feine, extrem flexibel, aber auch ein bisschen heikel. Je dünner die Feder desto leichter kratzt sie.

Hiro Leonhard 41: Spitzname, die Krone: Sehr angenehm und weich in der Handhabung

Achtung! Federn sind Antirost beschichtet, vor dem benutzen vorsichtig schrubben. Mit Putzstein oder Zahnpasta, denn erst dann bleibt die Tusche an der Feder hängen.

Die Federzeichnung: Probier es aus

Das Licht tanzt und die Federzeichnung wirkt meisterhaft.

1.Nutze die dick und dünn Möglichkeit der Feder für Licht und Schatten, zum Beispiel an den Fenstern.
2.Dunkle einige Flächen stark ab, Flächen lassen sich mit der Feder leichter ausmalen.
3. Breche den Strich, das fängt das Licht.

Lass die Feder tanzen!

4. Organische Strukturen und Wasser wirken durch den dicken und dünnen Strich besonders lebhaft.

5. Plastische Ornamente durch das dick und dünn der Feder.

6. Mach es lebendig durch Punkte

Ich wünsche euch ein wundervolles Wochenende…schlechtes Wetter macht richtig Spaß, wenn man so was Schönes ausprobieren kann.

Liebe Grüße

Tine

Im Dezember veröffentliche ich die Kurse für 2018; und es wird einige Kurse in meiner alten Heimat geben.

Das wer mag kann sich in meinen Verteiler eintragen! Da gibt es dann die Info´s über Wann und Wo: Kontakt

Möchtest du weiterlesen hier gibt es was zu Tinte:

Die Struktur ist vielleicht ein etwas ungewöhnlicher Beginn für eine Zeichenschule, dennoch glaube ich er ist perfekt.

Diese Woche lag der erste Schnee bei uns und dann wird es hier schnell ungemütlich. Ungemütlich wird es übrigens auch in Venedig, die angesagte Mode im November ist Gummistiefel oder Plastikbeutel, übrigens auch zum Kostüm.

Leider bin ich mit einem Koch, der gebürtig aus Venedig stammt, befreundet. Das ist gar nicht gut für mich. Wir wollen immer wieder zum Zeichnen nach Venedig fahren, doch dann ist das Wetter schlecht und deshalb führt uns Nonna jedesmal im Polizeigriff ab und füttert uns bis zum lebensbedrohlichen Magendurchbruch. Blöderweise ist Nonna so effektiv, dass ich nun bei dem dritten Besuch noch nichts gesehen habe, außer das Familienrestaurant, bei einem unserer Fluchtversuche ist dieses Bild entstanden.

Tine Klein: San Giacomo dall ´Orio: Venedig, die schönste Tristesse der Welt

Hier zeigt sich das kleine Struktürchen echte Geschichtenerzähler sind, deshalb liegt mir das Thema so am Herzen. Aus diesem Grund fange ich meine Zeichenschule mit Struktur an, denn wer sich auf die Struktur konzentriert, erlernt von Anfang an die Geschichte eines Motivs zu erzählen.

Der Strich und die Struktur

Ihr hab ja sicher schon gemerkt, dass ich mir die Haare raufe, wenn man unter Zeichnen lernen versteht, dass man feste Kästchen und Rahmen um alles zeichnet.

Solche Zeichnungen lassen wenig Raum für Entwicklung, der Rahmen sitzt um das Motiv wie eine Zwangsjacke! Viele Kunstlehrer verstehen dies als die Tradition der klaren Linie, auch viele Animationszeichner benutzen diese Methode, aber aus einem ganz klaren Zwang heraus, den man kann nur digital kolorieren, wenn Linien ganz ordentlich geschlossen sind.

Ich glaube, dass die Methode des klaren, harten Strichs beim Zeichnen viel eher eine Erziehungsmethode ist als eine Kunstrichtung. Kinder sollen zur Ordnung und Sauberkeit angehalten werden, Designer dazu, dass ihre Skizzen automatisch für Druckgrafik und Trickfilm von Computern koloriert werden können.

Wir als Künstler jedoch müssen uns aber fragen: Wie zeige ich das hier am Besten?

Und dafür gibt es eine enorme Menge anderer Möglichkeiten als eine klare harte Linie.

Zeichnen mit Strukturen

Ich zeige euch einmal diese Kirche aus Venedig:

Oma ist eine Naturgewalt die lässt einem nicht mal Zeit für einen Schnappschuss: Urheber: Nelson Pérez [CC BY-SA 3.0 (https://creativecommons.org/licenses/by-sa/3.0)], via Wikimedia Commons

Für mich ist Venedig die Poesie des morbiden Verfalls, bittersüß, hässlich, feucht, feucht kalt und das Herz erwärmend wunderschön.

Schaut euch mal diese Kirche an. Ist dies die angemessene Wiedergabe des Ortes? Wohl kaum.

Negativbeispiel Vorzeichnung mit Tinte

Solche Vorzeichnungen haben unzählige Nachteile, die Linien werden gerade und hart gezogen, jeder Fehler fällt auf, dadurch sehen die Zeichnungen oft trotz Lineal aus wie von Kindern. Auch Farbe wirkt in solchen Gefängnislinien wie ein Fremdkörper. Das Schlimmste ist aber, dass der Zeichner auf der Jagd nach genauen Strichen die Seele des Ortes vergiss!

Eine ganz harte Umrahmung spricht uns einfach nicht aus der Seele, denn sie zeigt  gar nichts von dem, was an diesem Ort so bittersüß ist.

Trotzdem machen wir unsere Zeichnungen so, weil wir einmal hören wollen:

Da sitzt ja jeder Strich!

Ausdrucksstärke durch die erzählerische Kraft der Struktur

Die Struktur, die man neben der Linie, erzeugt ist so etwas wie eine Bildsprache für den Ort. Die Kernfrage ist:

Was ist da was mich so fasziniert?

Und dies versuche ich dann mit dem Stift zu zeigen, dadurch erhält die Zeichnung einen Erzähler.

Schauen wir noch mal ins Foto, was macht diesen Ort aus?

Besonders gut eignen sich Strukturen um kleine Details zu Zeigen:

Bröckelnder Putz, Bauschäden und sichtbarer Stein, Pflaster und fallende Blätter, dass ist das erzählerische Spielfeld der Struktur.

Schon besser? Vielleicht auch interessanter? Na klar, hier erzählen die Strukturen eine Geschichte von fallendem Laub, bröckelndem Putz und selbst die Fliesen auf dem Pflaster sieht der Betrachter.

Strukturen machen eine Zeichnung persönlicher

Wichtig ist bei deiner persönlichen Linie, dass man nicht nur etwas vom Ort sieht, sondern auch von Dir.

Jetzt fragt sich natürlich mal wieder der eine oder andere Realist, was das zum Teufel soll das.

Die Frage ist berechtigt, wenn du ein Foto machen willst, dann mach ein Foto, beim Zeichnen aber ist dein Stift ein Erzähler.

Kein Mensch hört ein Hörbuch mit einer scheußlichen Stimme:

Hinterlasse mit deinem Stift deine wundervolle, warme Erzählstimme.

Kleckern statt Klotzen

Alles zu zeichnen würde dich wahnsinnig machen. Ich kenne einen Designer aus Barcelona, der hockt abends vor dem Fernsehen und malt wie besessen Backsteine, deshalb nennt ihn seine Frau liebevoll mein kleiner Autist. 

Man kann das machen, wenn man einen kleinen Hang zum Zwanghaften hat.  😆

Bei Strukturen muss man sich immer eines merken:

Viel hilft nicht viel

Strukturen sind dazu da zu zeigen, dass etwas da ist, dafür braucht man nicht jedes Detail zu zeichnen. Zeichne so wie die Sehgewohnheiten des Menschen sind, wir schauen schnell hin, sehen Backsteine, schauen uns aber nie alle Backsteine an.

Zu wissen wie die Sehgewohnheiten eines Menschen sind, hilft enorm, dann weiß man, wir dürfen Dinge in Zeichnungen weglassen.

Ich wünsche euch ein tolles Wochenende.

Tine aus dem Herz-der-Kunst

weiterlesen zum Strich:   

Wer es nicht glaubt scheußliches Wetter in Venedig

Web-Cam auf dem Markusplatz

Limitierte Farbpalette: Warum hört man Künstler immer darüber reden, dass Sie ihre Farbpalette reduzieren müssen? Für mich ist das total gruselig, nichts liebe ich mehr als Farben zu sammeln.

Ich bin eine bekennende Farbmessie

Ich musste sehr schmunzeln als ich Delphine Priollaut traf, sie sass auf der Straße und hatte gleich zwei 48er Farbkästen vor sich. Das finde ich total sympatisch, auch ich bin ein Farb-Junkie und ich will in Farbe baden!

Sie schämte sich ein bisschen und sagte:  „Die benutze ich natürlich nicht alle!“

Ich musste Lachen: Ja, genau das Gefühl, das kenne ich! Aber ist ist so ein tolles Gefühl, all die Farben.

Als ich das erste Mal meine Kunst auf Instagram betrachtete wurde mir klar, auch ich habe eine limitierte Farbpalette. Das fand ich überraschend!

Ich schleppe 48 Farben mit und benutze vielleicht 14, die Basis sind aber nur 9 Farben, die ich aber immer wieder unterschiedlich mische!

Also arbeite ich genauso wie viele  meiner Kollegen mit einer sehr reduzierten Farbpalette. Warum?

Eine reduzierte Farbpalette hat enorme Vorteile

Eine reduzierte Farbpalette hat enorme Vorteile.

Vorteil 1: Du brauchst nicht zwei Esel um deine Farben zu schleppen. Ja was wäre das schön, wenn ich nicht so gierig wäre.

Vorteil 2: Farbharmonie entsteht fast von selbst

Eine reduzierte Farbpalette hat den Vorteil das alles ganz harmonisch wirkt! Insbesondere dann, wenn man viel in derselben Farbfamilie arbeitet.

Meine Farbwelt ist wild, warm und harmonisch. Von Orange bis rosarot ist alles dabei!

Der Trick ist in seiner eigenen Farbwelt zu bleiben, dann wirken selbst die abstrusesten Farben nicht kunterbunt sondern harmonisch.

Meine Welt, mein Gefühl und meine Farbpalette liegen auf der warmen Seite des Farbrades:

Halten wir also fest, die Konzentration auf verwandte Farben  erzeugt Harmonie!

Meine Bilder gelten als bunt, aber geht es bunter? Was passiert, wenn ich es kunterbunt treibe?

Klar geht das und dafür gibt es auch Strategien ,aber es gibt eine Gefahr: Schaut mal was passiert, wenn man dann einfach andere Farbenwelten dazu würfelt.

Upps, das Ganze wirkt jetzt ja mal ganz anders! Aus ist es mit der Farbharmonie!

Also doch zurück zur reduzierten Farbpalette!

Die eigene Farbwelt finden:

Der Vorteil, den wir gegenüber der Fotografie haben ist, dass wir durch Farben unsere Gefühle ausdrücken können. Farben können sehr unterschiedliche Wirkungen haben, Gelb steht für die Sonne und den Neid. Doch Generell ist die Wirkung von Farben kein Zufall, als ich einen Vortrag zur  Wirkung von Farben vorbereitete, machte ich eine überraschende Entdeckung: Meine Farben so sind wie ich.

Ich bin rosa, das steht für weich, zärtlich und weiblich

Ich bin rot, das steht für große Gefühle wie Liebe und Hass

Ich bin Orange, das steht für Energie und Vergnügen und ist manchmal ein bisschen zu viel.

Mein Mann brachte die auf einen Nenner:

Die Farbenwelt des Weibes….haha, recht hat er!

Es macht Sinn sich eine  eigene Farbpalette so aufzubauen, so das sie zu Dir passt.

Denn wir wollen ja deine Kunst sehen, deshalb macht also keinen Sinn einfach die Farbpalette von jemand anderem zu kopieren.

Mein ganzer Kasten basiert auf Orange, Rosa und Rot in jeder Variation, weil ich so bin.

Frag dich: Wie bin ich?

Und diese Farben bilden dann die Basis deiner reduzierten Farbpalette!

Brillante Farben durch eine reduzierte Farbpalette

Je mehr Pigmente eine Farbe enthält, desto wahrscheinlicher ist es das eine Matschfarbe dabei heraus kommt! Das heißt, treffen in Mischungen völlig  ungewollt unverträgliche Pigmente aufeinander, dann wird alles grau und öde.

Greife bei den Farben die du viel mischst auf Ein-Pigmentfarben zurück.

Und reduziere mal deine Menge an Farben, dann lernst du ganz schnell welche Mischungen wirklich ausdrucksstark sind!

Reduzierte Palette -Das ist dir zu wenig?

Gierschlund! Na, hast du auch in Statistik geschlafen?

Wenn ich jede mit jeder 1:1 abmische, habe ich 91 Möglichkeiten, mixe ich 3 Pigmente 1:1:1, dann habe ich 364 Möglichkeiten. Kombinatorik (Mein Mann ist das Mathegenie in der Familie:))

Und wenn man dann noch bedenkt, dass ich sie in unterschiedlichen Anteilen mischen kann dann…oh Hölle, das sind unendliche Möglichkeiten.

Das macht man natürlich nicht! Aber eine limitierte Farbpalette hat einfach den Sinn, dass ich in einem noch einigermaßen begrenzten Umfang tolle Farbmischungen finde und diese auch in meinem Kopf behalten kann.

Deshalb mein Tipp:  Einpigment-Farbtöne helfen das die Farben brillant bleiben. Sich auf Lieblingsfarben begrenzen!

Das Leben ist öde ohne Kontraste

Ying und Yang alles braucht einen Gegenspieler

Meine Basis und Lieblingsfarbe ist Lasur Orange von Schmincke. Die mir wichtigste Kontrastfarbe dazu ist Bergblau von Schmincke. Warum gerade Bergblau? Weil es die Diagonale im Farbkreis ist!

Weil gerade diese Farbe genau komplementär zu meinem Lieblings- Orange ist und diese Kontraste geben Bildern absoluten Pfeffer.

Halten wir fest: Komplementäre Kontraste wecken Langweiler zuverlässig auf.

Hier teste ich welches Grün besser in meine limitierte Palette passt Kobald Türkis oder Hookersgrün? Das Spiel ist die Basis von schönen Effekten.

Wie baue ich meine limitierte Farbpalette auf?

Alle Designer und Trickfilmer arbeiten so, dass sie genau ausgeklügelte Farbeffekte mit festgelegten Farbpaletten zaubern.Unten findest du einen Link dazu, so dass du dir diese Vorgehensweise mal anschauen kannst.

Genau so machst du deine limitierte Farbpalette: Spielen macht Spass. Bau die Palette um deine Lieblingstöne herum auf! Finde dazu Kontraste und finde ein für deine Kunst angemessene Farbwelt. 

Das Sammeln dieser kleinen Farbzusammenstellungen macht irre viel Spass. Wenn du einmal darauf aufmerksam geworden bist, dann findest Du sie überall in Zeitschriften, in der Werbung oder beim Laufen durch die Stadt.

Du weißt ja jetzt wie! Viel Spass beim Fangen deiner eigenen Farbwelt.

Liebe Grüße

Tine

Links zum gucken und lesen!

Colorpaletten auf Pinterest

Weiterlesen zur Farbharmonie?

Eine grafische Reportage, was ist das?

Eine grafische Reportage zeigt mehr als ein Bild. Normalerweise seht ihr so ein Bild von mir! Ihr wisst aber gar nicht, was da noch alles ist?

Denn dies ist auf der Rückseite der Brücke der Urania Stenwarte.

Man kann aber Zeichnen wie ein Reporter, es geht darum Dinge ganz klar zu zeigen, vielleicht sogar das, was einem sonst entgehen würden.

Grafische Reportagen machen Blicke sichtbar! Denn dies ist der Blick über das andere Geländer.

Heute werde ich Euch mal im Stil des klassischen Reportes zeigen, was es in meinem Kiez noch alles gibt!

Unter uns befindet sich das Fundbüro für immaterielle Dinge: Meiner Meinung nach der wichtigste Ort der Welt, denn hier kannst du deine verlorene Liebe melden. Ich melde nächste Woche meinen verlorenen Menschenverstand, den bringe ich dann zurück in die Politik.

Im Grunde ist eine grafische Reportage ein Comic

Meine Mutter würde sagen, das ist ein Comic, lies lieber ein richtiges Buch!

Eine grafische Reportage kann viel wertvoller als ein Foto sein, denn im besten Fall zeigt sie das Wissen und die Einstellung einer Person zu einem Ort.

Projekt:  Zeig mir deinen Kiez

Die Berliner nennen ihren Stadtteil oder den Raum in der Stadt in dem sie sich bewegen, also ihre Mini-Heimat in der Stadt, ganz liebevoll: mein Kiez!

Grafische Reportagen sind im Trend, anders als ein Comic zeigen sie die Welt durch die Augen eines Reporters mit Stift. Diese kleinen Reportagen sind zauberhaft, denn sie stechen aus der Masse der Bilder heraus, weil sie die Welt durch die Augen eines Menschen zeigen.

Im Grunde sind sie nicht anderes als ein Reiseskizzenbuch, gewürzt mit Text und Bild, das Erinnerungen ganz persönlich festhält. Ihr werdet sehen, es wird sehr, sehr interessant, denn ich kann Euch garantieren, nach wenigen Minuten hat man selbst in der Heimat Dinge entdeckt, an denen man ein jahrelang vorbeigelaufen ist!

Ich habe mir angewöhnt meine Lieblingsorte noch mal mit Stift und Skizzenbuch zu durchstreifen, einfach damit ich das zauberhafte Verborgene sammeln kann.

Identität! Zeig mir was Schönes!?

Die Reportage mit Stift ich werde zu Sherlock Holmes!

Sherlock Holmes regt sich immer darüber auf, wie achtlos seine Mitbürger sind! Jetzt laufe ich mal meinen wundervollen Arbeitsweg ab und schaue was es zu entdecken gibt!

Das Erste was ich merke, ein Stift öffnet die Augen!

Ich merke auf dem Lindenplatz, dass ist nur die Treppe hoch vom Urania, dort haben viele Menschen ihr zweites Wohnzimmer.

Ausruhen im Unterhemd, das würde ein Zürcher nie tun, wenn er sich nicht absolut geborgen fühlt:

Tine Klein: alter Zürcher beim Schach auf dem Lindenhofplatz

Wenn ich durch die Gegend haste, dann werde ich wie 99 Prozent der Menschen total blind für die Schönheit und die kleinen Details. Mein Arbeitsweg ist geschichtsträchtiger Boden und ich wusste es nicht!

Jetzt stöbere ich herum, ich schau mal wo die Mülltonnen der Sternwarte stehen und belohnt werde ich mit diesem Blick:

Tine Klein: So toll steht der Müll an der Urania Sternwarte

Zeig mir deinen Kiez mit Stift! Das Thema: Entdeckungsreise Alltag!

Eine Entdeckungsreise im Alltag durch eine grafische Reportage, wie mache ich das? Tatsächlich gibt es keine Regeln, was du dir in deinem Kiez ansehen solltest. Wichtig ist, dass man anders durch diesen Ort geht, als wenn man zur Arbeit hetzt, mach die Augen und Ohren auf und zeig uns was du gefunden hast!

Die Herangehensweise ist so unterschiedlich wie die Menschen!

Grafische Reportagen können sehr unterschiedlich sein, so unterschiedlich wie die Menschen.

Der Eine sagt, ich zeige einfach was ich sehe. Meine Lieblingsfrage ist :

Was ist die Seele, was genau  ist  typisch hier?

Hier in der Schweiz haben Steinarbeiten eine ganz besondere Tradition. Dieser kleine Schweinkram ziert eine Säule des Bauamtes und verleiht ihm mittelalterlichen Charme:

Tine Klein: Schweinkram an der Säule vom Bauamt

Dinge die Dir vernachlässigungswürdig normal vorkommen, können etwas Besonderes sein! Als ich nach Italien zog, hing da überall Wäsche, das kannte ich nicht. Also was ist eigentlich bei uns normal?

Sehr liebe ich auch die Frage: Was habe ich übersehen?  Oft bin ich auf der Suche nach den wundervollen Orten des zweiten Blicks.

Diese beiden Engelchen waren so etwas, was ich einfach übersehen hatte!

Grafische Reportage heißt für mich, ich zeige den räumlichen Bezug, leider streikt dabei nicht selten der  Scanner, deshalb seht ihr dies nicht so oft.

Ich persönlich schaue mich dort wo ich eine Graphische Reportage mache erst mal um. Ein richtiges System habe ich nicht, aber ein paar Tricks:

Der Blick nach oben! Ich zeichne gerne Dinge nach denen sich Fußgänger umschauen um zu wissen wo sie sind. Als erstes Skizziere ich meistens meinen Orientierungspunkt:

In dem Kiez in Zürich, wo ich heute meistens arbeite ist das die Urania, die Kuppel der Sternwarte.

Zauberhafte Ideen für grafische Reportagen:

• Der Blick von Oben oder die Straßenkarte, das liebe ich, denn so entdeckt man wie die Stadt gewachsen ist!
• Erzähl mir deine Geschichte: Was ist das Liebste was du hier hast?
• Zeig mir was Normales
• Zeig mir was Ungewöhnliches
• Was ist das geschichtsträchtigste Haus in der Umgebung? Oder wer ist eigentlich die Statue? Gibt es einen Brunnen? Ist hier mal was Außergewöhnliches passiert?
• Was ist hier eigentlich das Älteste?
• Und was hat sich gerade verändert, also das neueste?
• Wo finden wir etwas zauberhaftes Kleines?
• Zeig mir den schönsten Blick
• Zeichne mir die Leute, was machen die so auf der Straße? Gibt es Hobbies?
• Baustil: Welche Fenster, Türen oder Ornamente gibt es?
•  Tiere erobern immer das Herz. Welche gibt es hier?
• Zeig mir das Wasser.

Aber im Grunde brauchen wir solche Listen nicht! Was über das eigene Leben lernen! Machen wir doch die Augen auf!

Liebe Grüße ins Wochenende

Tine

Habt ihr eine eigene grafische Reportage? Dann schickt sie mir. Ich sammele Eure Werke und zeige sie dann! Ich selbst kenne nur ein spanisches Buch, kennt jemand ein deutsches oder englisches Buch?

Hast du Lust mehr zu lesen:

Der Blick ist das Ahh und das Ohhh

Hier noch eine kleine Reportage der Schweizerin Maria aus aus Berlin:

Die Geschichte dazu, denn Geschichten erzählen ist das wichtigste:

Maria war im Kino : „Noch im Film – dem Film 2+2 = 22 THE ALPHABET von Heinz Emigholz – notierte ich mir den Satz aus dem Film “Ungestaltetes Aufeinanderprallen architektonischer Absichten” (war eigentlich als Kommentar zu Gebäuden und Strassenzügen in Georgien gesprochen) in mein Leuchtturmnotitzbüchlein.
Auf dem Nachhauseweg bemerkte ich diese blauen Leitungsrohre, die den normalen Strassenzug ganz verändert aussehen liess. Also setzte ich mich auf eine Kante dieser Rohre und skizzierte den Strassenausschnitt und versah ihn mit Gedanken zum eben gesehen Film.“

Tine: Eine neue Erfahrung ist ein neuer Blick

Was ist ein guter Pinsel für unterwegs?

Ich starre auf einen winzigen Pinsel.  Er ist so winzig, quasi unsichtbar, ich bin den Herstellern natürlich sehr dankbar, dass sie so umsichtig sind und glauben ich breche bei mehr als 2 Gramm Gewicht zusammen.

Wasser ist schwer

Wenn ich unterwegs bin, nehme ich nicht immer Wasser mit, es ist mir zu schwer. Wasser findet man doch überall. An jedem Waschbecken, im See, im Restaurant oder im Kiosk. Es ist immer und überall verfügbar.

Tatsächlich bring der Reisepinsel aus dem Kasten nur 2 Gramm auf die Waage. Gegen eine Flasche Wasser ist das gewichtsmässig ein Witz. Doch der Pinsel ist so klein, das ich ihn nicht wirklich gut halten kann. Tatsächlich ist er so winzig, dass er mir beim ersten Malen in die Wasserflasche flutscht und die muss ich erst mal auskippen, na super!

Mikro- kontra Makro – Reisepinsel

Mini:

Die Minipinsel aus den Kästen haben nur einen Vorteil, man kann sie bequem im Reiseaquarellkasten mitnehmen. Ob Echthaar oder nicht, die Maleigenschaften sind bescheiden.

Midi:

Eine deutlich bessere Alternative sind Brushpens. Dieser hier ist von Faber Castell. Beim Outdoor malen und Urban Sketching haben sich Brushpens durchgesetzt. Die meisten meiner Freunde und Kollegen benutzen ihn häufig und gerne.
Das sind Pinsel mit einem kleinen Wassertank hinten dran, die im Prinzip funktionieren wie ein Füllhalter. Dann kann man den Pinsel in der Wasserfarbe benutzen und schnell an dem Lappen reinigen.

Winzig und immer verfügbar, deshalb entscheiden sich auch viele Profizeichner für diese Pinsel und auch ich habe so ein Notfallset in der Handtasche.

Hier sieht man meinen lieben Zeichenpartner Detlef Surrey der mit einem ganz gängigen Brushpen Modell.

Beim Wiegen brachten die üblichen Brushpens ca 5-10 Gramm auf die Waage, auch mit Wasser gefüllt sind sie echte Leichtgewichte.

In guter Reisepinsel ist der Pinsel der der Anwendung entspricht

Ich zeig euch jetzt mal kleinere Ausrüstungsunterschiede zwischen mir und meinem Kollegen Jens Huebner:

Jens liebt kleines Material, er ist ja auch das ganze Jahr auf Fahrrad oder Motorrad unterwegs, mit allem Lebenswichtigem, Schlafzeug, Zelt, Kleidung und Malzeug. Bei solchen Reisen ist jedes Gramm wichtig! Und so hat Jens das Material in Größe und Gewicht total optimiert.

Mein normaler Farbkasten wirkt gegen Jens Huebners Zeichenmaterial riesig!

Jens hat eine gute Entscheidung getroffen, er ist mit kleinen Skizzenbüchern unterwegs und sein Material welches in eine Hemdentasche passt, ist perfekt auf Trecking ausgerichtet, es kommt auf jedes Gramm an.

Auch ich bin ein Reisezeichner, jedoch eher mit einem Korb, einer Flasche Wein und Käse unterwegs. Da kommt es auf den Farbkasten nicht mehr wirklich an.

Alles muss in meinen Rucksack oder meine Fahrradtaschen passen.

Tatsächlich juckt es mich gar nicht, ob mein Pinsel jetzt 5 Gramm wiegt oder 20 Gramm.

Mein großer Reiseaquarellpinsel passt in jede Hosentasche, das klein und leicht Argument ist also Augenwischerei.

Malen oder Kolorieren? Gibt es da Unterschiede?

Ein Zeichner kommt prima mit den Brushpens klar, er koloriert.

Malen und Kollorieren das ist ein himmelweiter Unterschied!

In der normalen Skizze beherrscht die Zeichnung die Skizze, bei der Aquarellskizze ist die Farbe das tragende Medium und dann liebe ich richtig gute Pinsel.

Im Unterschied zum Kolorieren muss ein Aquarell-Reisepinsel auch größere Flächen gestalten, hinzu kommt das man Farbeffekte ganz genau steuern muss.

Die Skizzenbücher von Zeichnern sind oft sehr viel kleiner als die von Malern.

Meine Skizzenbücher sind  normalerweise Formate, die in etwa A4 quer entsprechen, in meinem Auto liegen auch A3 Skizzenbücher.

Ich male sehr gerne und dafür brauche ich gute Pinsel, aber was heißt gut für einen Aquarellmaler?

Die ganz dicken Dinger: große Reisepinsel

Der Hauptgrund warum Maler kleine Pinsel verschmähen, ist ein technischer. Bildzentren entstehen immer dort, wo am meisten Aktion und Unruhe ist.

Wenn große Flächen durch viele kleine Pinselstriche verunstaltet werden,  kann keine Ruhe entstehen.

Das Werkzeug gewinnt die Kontrolle über Dich.

Das Bild eines Erbsenzählers

Der wichtigste Grund warum Maler zu kleine Reisepinsel hassen ist, dass die Bilder mit zu kleinen Pinseln total verkrampft aussehen.
Die winzigen Stiche wirken unruhig und kleinlich, denn Farbeffekt hängen davon ab wie schnell man Flüssigkeit mit Pigmenten mischt und nur so ist die Aussage eines Aquarells perfekt zu steuern. Der große Pinsel erlaubt diese Handbewegungen.

Man kann schnell und locker arbeiten, diese Geisteseinstellung sieht man im Bild.

Ein großer Pinsel ist wie ein schweizer Taschenmesser!

Wenn man gute Pinsel kauft, haben diese Pinsel gute Spitzen, das heißt, es ist völlig unerheblich wie wie dick dein Pinsel ist, du kannst trotzdem ganz fein malen.

Ein dicker Pinsel ist so gut wir 3 Andere:

Man hat einen dicken, einen feinen und einen Effektpinsel dabei, denn bei einem dicken Pinsel kann man auch die Seiten benutzen.
Der Vorteil des dicken Pinsels ist das die Strichstärke durch Druck veränderlich ist.
Gerade große Flächen kann man unmöglich mit einem winzigen Pinsel malen, deshalb hat mein Reisepinsel die Stärke 12, insbesondere die die Spitzen sind bei Aquarellreisepinseln viel besser als bei Plastikpinseln.

Einen Zeichner stört dies nicht, denn er benutzt den Stift für alle feinen Linien, deshalb fühlen sich viele Zeichner mit den Brushpens prima. Ein Aquarellmaler will jedoch einen Pinsel der alles kann, es sieht sehr gut aus, wenn ein Pinsel auch zeichnen kann.

Der Maxireisepinsel:

Diese Reisepinsel gibt es mit Metallhülsen, die so an den Pinsel gesteckt werden, dass sie dann den Griff bilden. Diese Pinsel wiegen auch nichts, sind sie in ihrem eigenen Griff sind sie wirklich klein.  Einige Firmen bieten auch Schraubvarianten an. Diese Pinsel halten sehr lange, denn sie sind perfekt geschützt.

Am liebsten arbeite ich mit Askia oder Escoda.  Der Askia Reisepinsel ist ein Echthaarpinsel, mit ihm kann man ganz prima große Flächen kolorieren. Bei dem Escoda habe ich mir nur den Synthetikpinsel gegönnt. Der Escoda hat ein synthetische echte Haarnachbildung, hält aber auch extrem viel Wasser und er hat eine absolut brillante Spitze.

Welcher ist besser? Geschmackssache ich liebe beide.

Einer für alles, ich bevorzuge Pinsel mit denen man echte Aquarelle auf der Straße machen kann. Auch diese Pinsel sind zusammengeklappt kleiner als ein Füller.

Suche im Netz:

Die Suche nach guten Reisepinseln ist mühsam, es gibt keinen einheitlichen Suchbegriff:

Taschenpinsel
Reisepinsel
Taschen Aquarellpinsel
plain air brushes
travel watercolor brush
pocket brush
Falls Du Erfahrung mit den da Vinci oder den Leonard Taschen Aquarellpinseln hast freuen wir uns über einen Bericht!

Mehr lesen zu Reisematerial?

Herbstbäume in Zürich

Jeder von uns hat in der letzten Woche schon einen der Bäume mit Herbstlaub gesehen und da juckt es natürlich in den Fingern, deshalb ist Bäume malen in der Herbstzeit besonders gefragt, denn jetzt ist die Natur besser als jede Aquarellfarbe!

Herbstfarben malen und die letzten Strahlen der Sonne genießen!

Also gibt es heute mal ein Special zum Thema: „Spaß beim Bäume malen!“

Nur Mut!

Ich kann mich an einen Herbst vor 25 Jahren erinnern, da saß ich auf der Terrasse im Sonnenschein und habe mich daran erinnert, wie gerne ich als Kind gemalt habe.

So habe ich meinen alten Farbkasten herausgekramt und die Rotbuche des Nachbarn gemalt, das Ergebnis war frustrierend!

Tine´s erstes Skizzenbuch : Der Baum hatte die Form eines Ziegelsteins! Ich habe dafür geschlagene 3 Stunden gebraucht, heute brauche ich für einen Baum 5 Minuten. Also nur Mut! Falls du Probleme beim Malen hast.

Ich kann das nicht, gibt es nicht! ICH KANN ES NOCH NICHT heißt die Parole beim malen!

Schaut Euch diesen scheußlichen Baum an und denkt: „Bald bin auch Ich besser!“

Bäume sind eines der häufigsten Motive

Bäume sind eines der häufigsten Motive im Urban Sketching und in der Landschaftsmalerei. Viele von uns haben Respekt vor dem Bäume malen denn, sie sehen oft nicht so aus wie wir wollen.

Als ich anfing zu malen waren meine Bäume so strubbelig, weil ich die Form aus den Augen verlor.

Grundform:

Das Problem ist die Grundform, denn die verliert man beim Bäume malen gerne mal aus den Augen!
Anfänger malen oft die Grundform eines Blümchens, bei mir war es charmant wie ein Ziegelstein.

Mein Problem war ein anderes, ich wollte einfach alles malen! Ich habe bei einem Ast angefangen und irgendwann war der Baum das das totale Chaos aus Ästen.

Strubbelpeter sah dagegen säuberlich gekämmt aus!

Tipps:

• Grundform identifizieren: Schau Dir die gesamte Form an: Kreis, Birne, Dreieck, die malst du zuerst!
• Dann gebe acht, denn die Grundform ist meist aus mehrere Flächen zusammengesetzt. Generell ist es sinnvoll dem Baum erst mal eine Fläche zu geben, die dann durch Licht und Schatten variiert wird.

Gerade im Herbst macht es besonders viel Spass, Bäume zu malen, denn die Farben sind einfach traumhaft.

Trau dich auf dem Blatt! Wenn Farben in einander laufen, gibt es wirklich schöne Effekte.
Generell ist es sinnvoll, die Farben der Bäume auf dem Blatt zu mischen, denn dann entsteht eine Vielfarbigkeit und Licht und Schatten.
• Besonders geeignet sind transparente Aquarellfarben
• Immer eine Variation aus kalten und warmen Farben benutzen
• Gelb: Diese Töne sind spannend: Kaltes Gelb z.B. Winsor Yellow, warmes Gelb: z.B. Indisch Gelb und ein Erdton z.B. Siena bis zu Lasur Orange
• Blau: Cerulian oder Bergblau, Ultramarin ein dunkles Blau und Türkis
Das Wichtigste ist seine Farben zu kennen.

Grüntöne: Lust und Leid

Natürliche Grüntöne mischen ist nicht einfach, doch das Hingucken macht Spass! Es ist ein Spiel. Ich kenne einen Designer in Barcelona, der ist total verrückt nach Grün. Beim Autofahren murmelt er immer, wie er die Bäume am Straßenrand mischen würde:

Er murmelt: Sap Green with Siena! und ich frage wie bitte? Bis ich begreife der Mann mischt im Kopf Grüntöne!

Da ich immer mit Güntönen auf Kriegsfuß stand, habe ich einfach mal alles was Blau, Gelb und Orange ist gemischt, um zu sehen was mein Farbkasten hergibt!

Die Graufalle beim Bäume malen

Gerade im Herbst macht das Malen besonders Spass!

Besonders jetzt im Herbst lohnt es sich, mal besonders mutig Rot, Gelb und Orange beim Aquarellieren zu benutzen.

Trocknen lassen! Und in Schichten arbeiten

Vorsicht! Wenn man Rot oder Orange mit Grün mischt, wird es Grau oder Braun, weil sich hier nahezu komplementäre Farben mischen, also zwischendurch trocknen lassen, damit der farbenfrohe Baum nicht vergraut.

Mehrfarbigkeit ,Licht, Schatten und eine natürliche Form, dann wird es super:

• Oben hellere Farben
• Schatten nicht vergessen
• Wichtig! Auch mal Löcher im Blattwerk zulassen, dort sieht man den Hintergrund

Es ist immer besser das Blattwerk als Grundform anlegen, nicht versuchen 1000 Blätter zu malen. Einzelne Blätter als Zitat.

Beim Bäume malen auf Stamm und Äste achten!

Bäume sind lebendig! Sie werden nicht unter Laborbedingungen auf der Hobelbank erschaffen. Sie lieben die Sonne und strecken ihr das Gesicht zu, oder sie zeigen dem Wind ihr Hinterteil!

Deshalb ist es besonders lustig Bäume wie die Zinnsoldaten zu malen!

Stämme sind oft nicht gerade und Äste neigen sich selten mehr als 30 Grad.

Es sieht super aus, wenn man Verzweigungen sieht.

Ein Baum ohne Verzweigungen ist ein bisschen wie eine schöne Frau ohne Hals!

Tipp: Beobachte wie sich die Äste aus dem Stamm lösen. Welchen Winkel haben die Äste? Dies es ist sehr charakteristisch.

Ich wünsche Euch viel Spass und ich hoffe ich sehe ein paar eurer tollen Herbstbilder!

Liebe Grüße aus dem Herz -der-Kunst

Buchtipp!

Eins der schönsten Bücher, das ich in den letzten Jahren gefunden habe:

Martin Stankewitz stellt im ersten Kapitel die entscheidende Frage: Wie sieht ein Baum eigentlich aus? Die Antwort berauschend schön und vielfältig wie die Natur!

Schaut mal rein vielleicht gefällt es Euch auch! Auf dieser Seite findet ihr die Leseproben:

Martin Stankewitz Bäume zeichnen und malen

Wer Lust hat noch ein bisschen zur Farbe zu lesen:

Findet hier einen kleinen Guide für leuchtende Aquarellfarbe